具体描述
――「安史の乱」によって国内が大混乱に陥る以前、中国仏教美術は西安を中心にその頂点に達し、彫刻や絵画作品は、完成した様式、形式を獲得した。またそれが統一様式、形式となり、各地で類似した像が多数造られ、北魏後期に始まった地域性がここにおいて解消された。もっとも華やかなこの時期の中国仏教美術史研究は、日本においても中国においても盛んで蓄積が多く、多くの問題がすでに解決されている」というのが、筆者の唐仏教美術に対する漠然とした印象であった。しかし、実際に自らこの時期の仏教美術研究をしてみると、果たして統一様式、形式なるものが、本当に存在するのか、そもそも何をもって統一様式、形式とするのかという問題が生じただけでなく、基本的でありながら定説のない重要な問題が、未だ少なからず存在していることに気づくようになった。そのひとつに時代区分の問題がある。(以上、本書「序」より)
本書は、『雲岡石窟文様論』(2000年)、『中国仏教美術と漢民族化―北魏時代後期を中心として』(2004年)、『中国仏教造像の変容―南北朝後期および隋時代』(2013年)につづく、著者の第4冊目の研究書となる。
本書では、敦煌莫高窟、龍門石窟といった大規模な石窟はもちろんのこと、中国各地に点在する仏教美術をも視野に入れ、現存(または写真資料)する仏教美術作品を分析精査することにより、作品の整理、編年を行い、その結果を比較し総合することで、唐前期の仏教美術の様相を明らかにすることを目的とする。このことが、唐前期における初唐期と盛唐期武侠美術の性格の違いの理解に繋がり、時代区分にゆれる則天武后期の評価を可能にした。
さらに唐前期のどの時期に仏教美術表現が頂点に到達したか、またそれらの様式およびそれを具現するための形式が、仏の姿の真の表現として人々に受容され、全国規模の「統一様式、形式」として成立したかどうかなどの問題を明らかにする。
作者简介
1961年横浜に生まれる。 1988年に国際基督教大学大学院比較文化研究科修士課程修了後、成城大学大学院文学研究科美学美術史専攻博士課程後期に入学。 1993年に単位取得退学。1985年から1年間、スイス国立ベルン大学哲学・歴史学部に留学、1988年から2年間、北京大学考古系に留学。 1998年博士(文学)取得。現在、筑波大学芸術系教授。
目录信息
读后感
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用户评价
这部关于中国佛教艺术的著作，我阅读后感到非常震撼。作者似乎以一种近乎考古学家的细致入微，梳理了从魏晋南北朝到唐代前期这一关键转型期，佛教艺术如何在中国本土文化土壤中生根发芽，并最终展现出其宏大叙事的辉煌。尤其是在对“唐代前期”这一阶段的聚焦上，展现了非凡的洞察力。我特别留意了书中对敦煌壁画中早期洞窟与盛唐风格过渡期的比较分析，那种对图像学符号演变轨迹的追踪，简直像是在解剖艺术史的基因图谱。它不仅仅是罗列作品和风格的演变，更深层次地探讨了政权更迭、文化交流（尤其是丝绸之路带来的影响）是如何作用于雕塑和绘画本体的。比如，书中对初唐时期，在吸收了隋代遗风之后，如何开始酝酿出那种雍容华贵、气势磅礴的盛唐气象的论述，那种对“气韵生动”从理论构建到视觉实践的阐述，令人回味无穷。整本书的学术严谨性毋庸置疑，但阅读过程却丝毫没有枯燥感，这得益于作者高超的叙事技巧，将冰冷的史实与鲜活的艺术实践巧妙地编织在一起，提供了一种多维度的观察视角，让人能够触摸到那个时代信仰与创造力的脉搏。
评分我拿到这本关于中国佛教艺术展开的论著时，原本预期会是一本偏重于风格流派梳理的学术工具书，但读完第一章后，我的看法彻底改变了。这本书的厉害之处在于，它似乎搭建了一个宏大的思想框架，用以审视“信仰的物质化”这一过程。作者并没有将佛教艺术视为孤立的美学产物，而是将其置于整个社会结构和哲学思辨的语境下来考量。我印象最深的是关于造像仪轨和供养人制度如何影响造像形制转变的论述。书中详细分析了几种特定手印（Mudra）在不同历史阶段的语意侧重变化，这种对细节的关注，体现了作者深厚的宗教学背景。它迫使我重新思考：一件艺术品，在它被创作出来的那一刻，它所承载的宗教功能、政治意图和社会功能，与我们今天对其形式美的欣赏，究竟相隔多远？作者通过对早期石窟造像面相的微妙变化，清晰地勾勒出了“神性”向“人性”过渡的微妙心理历程，这种对内在精神世界的细致描摹，远超出了传统美术史的范畴，更像是一部探讨人类精神史的史诗。
评分这本书的装帧和图版质量非常出色，这对于研究视觉艺术的学者而言是至关重要的加分项。然而，真正让我爱不释手的是作者在论述中展现出的那种批判性思维，它拒绝了那种将唐代佛教艺术视为“顶峰”的简单化结论。书中关于唐代前期，尤其是武周时期，艺术风格的“内在张力”的分析，尤其发人深省。作者巧妙地引入了文献学和碑刻学的佐证，来反驳一些关于艺术“突然成熟”的论断。我发现，作者对地方性艺术传统的挖掘非常深入，例如书中对四川地区与关中地区造像风格差异的对比研究，揭示了在高度集中的帝国体制下，地方审美趣味是如何顽强地影响甚至塑造了主流艺术面貌的。这种“自下而上”的观察角度，让原本看起来铁板一块的“唐代风格”瞬间变得立体和复杂起来。它成功地打破了自上而下的艺术史叙事枷锁，为我们理解不同地域、不同阶层对佛教图像的共同建构，提供了一把精密的钥匙。
评分我是一名对早期佛教图像学抱有浓厚兴趣的爱好者，这本书对于我理解佛教图像符号的“本土化转译”过程，提供了极具启发性的视角。作者在探讨早期译经运动与图像规范之间的关系时，所展现出的跨学科功底令人惊叹。书中对于“般若”思想如何通过具体的视觉符号（比如某些手持物或身姿的象征意义）在中国精英阶层中传播和被理解的论述，非常具有说服力。更让我感到兴奋的是，作者并没有止步于对成熟期的赞美，而是花了大量篇幅去解析那些“失败的尝试”和“过渡性的风格”，正是这些被边缘化的作品，才真正构成了艺术发展的底层逻辑。这些早期、不成熟的作品，反而更直接地反映了中外文化接触点的摩擦与融合，那种原始的生命力和探索精神，在后来的成熟期反而被一种程式化的完美所掩盖了。这本书的价值，就在于它重新挖掘出了这些被历史洪流冲刷掉的珍贵“边角料”。
评分总体而言，这本书带给我的阅读体验，是一种智力上的酣畅淋漓。它的论证逻辑结构如同精密的钟表，每一个齿轮——无论是考古发现、文献考据还是风格比对——都咬合得天衣无缝，驱动着整个论述向前推进。我尤其欣赏作者在处理复杂历史时期时所展现出的克制与审慎，他从不轻易下定论，而是倾向于呈现多重可能性，将最终的解释权留给读者。例如，在分析唐太宗时期对佛教寺院的态度转变时，书中对“道佛之争”背后复杂的政治经济动因进行了剖析，远比教科书上的简单陈述要深刻得多。这种对待历史材料的尊重，以及在阐释中保持的开放性，使得这本书不仅仅是一本关于艺术史的专著，更像是一部关于“中国文明在面对外来信仰时如何进行自我调适和重塑”的宏大叙事。读完后，我感觉对中国文化自信的根源，又多了一层基于视觉和信仰实践的理解。
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