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出版者:中国文联出版社

作者:[德] 乌韦·施内德

出品人:

页数:352

译者:邵京辉

出版时间:2014-11

价格:99

装帧:平装

isbn号码:9787505992467

丛书系列:海外艺术学经典译丛

图书标签:

• 艺术史
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二十世纪艺术史：一场跨越时代的视觉盛宴 本书并非简单罗列二十世纪的艺术作品，而是致力于呈现一个复杂而迷人的艺术图景，探究塑造了我们对“艺术”认知的重要思潮、运动和艺术家。我们将一同踏上一段旅程，穿越动荡不安却又充满创造力的年代，感受艺术如何回应社会变迁、技术革新以及人类内心的探索。 现代性的觉醒与革命的开端 二十世纪的艺术，在某种意义上，是现代性的艺术。从印象派的余温尚未散尽，到野兽派、表现主义、立体主义的崛起，艺术家的目光开始从对客观世界的忠实描摹，转向对主观情感、内在精神和理性结构的探索。 野兽派 以其大胆、鲜艳的色彩和自由奔放的笔触，如同野兽般释放着原始的生命力。马蒂斯、德兰等艺术家，将色彩从对现实的模仿中解放出来，赋予其独立的情感表达力量。 表现主义 则将个人内心的焦虑、恐惧、激情淋漓尽致地展现在画布上。蒙克、基希纳、诺尔德等艺术家，用扭曲的形体和浓烈的色彩，揭示了现代社会中个体生存的困境与挣扎。 立体主义 的出现，无疑是对西方绘画传统的一次颠覆。毕加索、布拉克将物体分解、重组，从多个角度同时呈现，挑战了我们习以为常的视觉经验，开启了对空间和形式的全新理解。 抽象的探索与精神的升华 随着现代性的深入，艺术家的触角也延伸至纯粹的抽象领域。他们试图超越具象的束缚，寻找一种更普适、更纯粹的语言来表达宇宙的秩序、精神的奥秘。 至上主义 和 构成主义 的艺术家，如马列维奇、塔特林，将艺术推向了极致的几何抽象，追求一种纯粹的精神性和理想化的和谐。他们的作品，试图成为一种新的宗教或哲学符号，引领人们走向精神的彼岸。 抽象表现主义 在二战后席卷美国，以其巨大的尺幅、自由挥洒的笔触和充满力量的色彩，成为新的艺术中心。波洛克（行动绘画）的“滴画”，罗斯科的“色域绘画”，都展现了艺术家个人精神世界的无垠与深邃。 达达主义与超现实主义：颠覆与潜意识的探索 二十世纪的两次世界大战，给欧洲社会带来了深重的创伤，也催生了艺术界对理性、秩序的深刻怀疑。 达达主义 作为对战争荒谬性的回应，以其激进、反艺术的姿态，挑战一切既有的艺术观念和价值体系。杜尚的“现成品”概念，更是彻底瓦解了艺术家的传统角色，引发了关于艺术的定义和边界的无尽讨论。 超现实主义 则将目光投向了弗洛伊德的精神分析学，探索潜意识、梦境和非理性思维的领域。萨尔瓦多·达利、马格利特等艺术家，用奇特的组合、梦幻般的场景，揭示了人类内心深处不为人知的欲望与幻想。 战后艺术的多元与回响 二战结束后，艺术的中心逐渐从欧洲转移到美国，同时也迎来了更加多元、更加复杂的艺术格局。 波普艺术 以其对大众文化、消费社会的反叛和挪用，成为一股不可忽视的力量。安迪·沃霍尔、雷·利希滕斯坦等艺术家，将广告、漫画、流行偶像等元素引入艺术创作，模糊了艺术与生活的界限，也引发了对艺术价值的重新思考。 极简主义 则以其对物体本身的关注，去除一切不必要的装饰和情感表达，追求最纯粹的形式和材料。唐纳德·贾德、索尔·勒维特等艺术家，通过简洁的几何形态和工业化的制作方式，探讨了空间、体积以及观众的感知体验。 观念艺术 的兴起，更是将“观念”置于作品本身之上。艺术家通过文字、行为、文件等多种形式，强调思想和概念的优先性，挑战了人们对艺术“物”的传统认知。 超越流派：艺术家的人文关怀与时代印记 除了上述主要的艺术运动，二十世纪还涌现了无数独特的艺术家，他们以各自的方式，留下了深刻的时代印记。从毕加索的《格尔尼卡》对战争的反思，到弗里达·卡罗的自画像中对痛苦和身份的探索，再到杜安·迈克尔斯对摄影叙事性的拓展，每一位艺术家都以其独特的视角和语言，丰富了二十世纪艺术的内涵。 本书将带领读者深入了解这些艺术运动的缘起、发展以及相互影响，同时也会关注那些在特定时代背景下，艺术家如何通过其作品来表达对社会、政治、哲学以及人类生存状态的思考。我们将探讨摄影、雕塑、装置艺术、行为艺术等多种媒介在二十世纪的创新与突破，以及它们如何拓展了艺术的边界。 结语 二十世纪是一个充满变革与冲突的世纪，也是一个艺术思想激荡、形式语言爆炸的世纪。本书旨在提供一个清晰的脉络，帮助读者理解这场跨越时代的视觉革命，感受艺术的无穷魅力，并从中获得启发，以更深刻的眼光去审视我们所处的时代以及艺术在其中的角色。这不仅仅是一部艺术史，更是一次关于人类创造力、思想深度和情感表达的探索之旅。

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第一章 新艺术的幻象1885-1900 -蒙克：以传统画法表现私人痛苦和边缘体验 -这一阶段的先锋艺术特点：增加了速度感的透视与草图式的图像（具体表现为扭曲的透视、平面化的画法、人物的变形等） -新艺术家雄心勃勃地将自己当作不可认知的世界的解释者以及不完美的真实的完成者。...

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第一章 新艺术的幻象1885-1900 -蒙克：以传统画法表现私人痛苦和边缘体验 -这一阶段的先锋艺术特点：增加了速度感的透视与草图式的图像（具体表现为扭曲的透视、平面化的画法、人物的变形等） -新艺术家雄心勃勃地将自己当作不可认知的世界的解释者以及不完美的真实的完成者。...

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第一章 新艺术的幻象1885-1900 -蒙克：以传统画法表现私人痛苦和边缘体验 -这一阶段的先锋艺术特点：增加了速度感的透视与草图式的图像（具体表现为扭曲的透视、平面化的画法、人物的变形等） -新艺术家雄心勃勃地将自己当作不可认知的世界的解释者以及不完美的真实的完成者。...

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第一章 新艺术的幻象1885-1900 -蒙克：以传统画法表现私人痛苦和边缘体验 -这一阶段的先锋艺术特点：增加了速度感的透视与草图式的图像（具体表现为扭曲的透视、平面化的画法、人物的变形等） -新艺术家雄心勃勃地将自己当作不可认知的世界的解释者以及不完美的真实的完成者。...

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第一章 新艺术的幻象1885-1900 -蒙克：以传统画法表现私人痛苦和边缘体验 -这一阶段的先锋艺术特点：增加了速度感的透视与草图式的图像（具体表现为扭曲的透视、平面化的画法、人物的变形等） -新艺术家雄心勃勃地将自己当作不可认知的世界的解释者以及不完美的真实的完成者。...

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《二十世纪艺术史》这本书，如同一位博学而又风趣的向导，带领我在二十世纪艺术的浩瀚星空中穿梭。我尤其喜欢作者在介绍不同艺术流派时，所展现出的那种“对话感”。他并非孤立地讲述某个主义，而是会将其与前一个流派的联系、与同时期其他流派的对比，以及与时代背景的呼应，都描绘得淋漓尽致。例如，在谈到野兽派时，作者会提及他们如何继承了梵高和高更对色彩的表现力，又如何将色彩的自主性推向了新的高度，那种浓烈的、不加修饰的色彩，仿佛就是艺术家对生命的直接赞美。而当他谈到表现主义时，又会强调其与野兽派在色彩运用上的差异——表现主义的色彩是为了抒发内心的情感，常常带有压抑、扭曲的特质，比如德国表现主义艺术家们那些充满焦虑和不安的作品。这种细致入微的比较，让我对不同流派之间的微妙区别有了更清晰的认识。书中的叙事结构也并非一成不变，有时他会以某个重要艺术家的生平为主线，串联起一个时期的艺术发展；有时他会围绕某个具有划时代意义的事件或展览，来展开讨论；还有时，他会以某个具体的艺术观念为切入点，深入剖析其在不同流派中的体现。这种多角度、多视角的叙事方式，让阅读过程充满了新鲜感，也让我从不同的维度去理解二十世纪艺术的复杂性和丰富性。

评分☆☆☆☆☆

《二十世纪艺术史》这本书，让我惊喜地发现，原来艺术史的研究并非总是冰冷而干燥的学术探讨，它也可以充满人文关怀和故事性。作者在介绍各个艺术流派和艺术家时，并没有将他们塑造成高高在上的神祇，而是将他们置于真实的生活情境中，描绘他们的挣扎、他们的激情、他们的友情与矛盾。例如，在描写巴黎画坛的景象时，我仿佛能看到那个时代艺术家们在咖啡馆里挥洒着才华，讨论着艺术的未来，那种充满活力和创造力的氛围跃然纸上。作者对弗里达·卡罗的描绘，更是让我感受到了艺术与个人命运的紧密相连。她那些充满象征意义的自画像，不仅仅是艺术作品，更是她与身体的痛苦、与爱情的纠葛、与墨西哥文化身份的探索之间的深刻对话。她将个人的伤痕转化为艺术的语言，这种勇气和力量，让我深受感动。这本书让我意识到，艺术作品的背后，是活生生的人，是他们的生活经历、情感体验和思想观念。通过理解艺术家本人，我们才能更深入地理解他们的作品，才能感受到艺术的温度和生命力。

评分☆☆☆☆☆

《二十世纪艺术史》这本书，给我最大的启示之一，便是认识到艺术的“颠覆”和“创新”并非凭空而来，而是建立在前人的基础之上，并且常常伴随着争议和误解。作者在描写印象派时，并没有简单地将他们描绘成一群浪漫的、追求光影的艺术家，而是深入到他们如何挑战当时权威的沙龙评审制度，如何遭受评论家的嘲笑和公众的质疑。这种“被排挤”的经历，反而让他们更加团结，更加坚定地探索新的艺术语言。读到立体主义的出现，我更是深刻体会到“解构”的力量。布拉克和毕加索如何从多个视角同时描绘对象，打破了传统的透视法则，这在当时无疑是一种极大的震撼。作者解释了这种艺术形式是如何与现代科学（如物理学对空间和时间的认识）在某种程度上产生了共鸣，从而引发了艺术界的一场革命。这本书的价值在于，它教会我如何带着一种批判性的眼光去欣赏艺术，去理解艺术家们在创作中遇到的挑战，以及他们如何克服这些挑战，最终推动艺术向前发展。它鼓励我去思考，在任何一个时代，真正的创新者往往需要承受巨大的压力，而公众的接受度，也需要一个过程。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅《二十世纪艺术史》的过程中，我最常感到的一种情绪，便是“恍然大悟”。很多之前让我觉得晦涩难懂的艺术现象，经过作者的条分缕析，瞬间变得清晰起来。例如，在谈到立体主义的兴起时，我之前总觉得那是对现实的一种“破坏”，而作者的解释让我明白了，这其实是对传统视觉观念的一种“拓展”，是对人类感知能力的挑战。他引用了当时科学界对时间和空间的新的认识，将立体主义的“多视点”描绘，与科学探索的时代精神联系起来，让我看到了艺术与科学之间意想不到的关联。同样，在讨论杜尚的“现成品”艺术时，我之前将其简单视为一种“恶搞”，而作者深入挖掘了其背后的哲学思考——关于艺术的定义、艺术家的权威性以及我们如何观看和理解艺术。这种对作品背后观念的梳理，让我看到了“解构”的深远意义。本书的叙事方式，就像是一系列精巧的设计，引导读者一步步深入到二十世纪艺术的腹地，去发现那些曾经被忽略的细节，去理解那些看似突兀的变化背后所蕴含的逻辑。它让我不再是被动地接受信息，而是主动地去思考、去探索，去构建自己对艺术的理解。

评分☆☆☆☆☆

我常常觉得，要理解一个时代的精神，最直接的方式就是去看看那个时代的艺术。《二十世纪艺术史》这本书，让我真切地感受到了这一点。它不仅仅是关于绘画、雕塑，更是关于思想、情感和时代的脉搏。比如，在读到战后抽象表现主义时，作者不仅仅是描写了那些巨幅的、充满动感的画面，更是将它们与冷战时期的紧张氛围、美国作为一个超级大国崛起后的文化自信（或焦虑）联系起来。那些看似狂放不羁的笔触，或许正是艺术家们试图在那个充满不确定性的时代，寻找一种内在的秩序和生命力。而当谈到波普艺术时，我才真正理解了安迪·沃霍尔为何要将罐头、明星肖像等大众文化元素引入艺术。作者的解读让我看到，这并非是对艺术的“低俗化”，而是对消费主义社会中，艺术与生活、与大众文化界限模糊的一种反思和回应。他揭示了波普艺术家们如何用一种看似平静、甚至有些戏谑的方式，来审视我们身处的物质世界。这本书让我明白，艺术的价值，很多时候并不在于它有多么“高雅”或“脱离世俗”，而在于它能否敏锐地捕捉和回应时代精神，能否引发我们对当下世界的思考。

评分☆☆☆☆☆

在我阅读《二十世纪艺术史》的过程中，我最大的收获之一，便是对艺术中“反叛”精神的深刻认识。从早期印象派对学院派的挑战，到达达主义对一切既定价值的颠覆，再到战后波普艺术对大众文化的反思，本书细致地梳理了二十世纪艺术史上那些不断挑战权威、打破常规的脉络。作者对马奈的描述，让我看到了他作为一位“现代性”画家，如何通过对日常生活的描绘和对传统技法的颠覆，预示了现代艺术的到来。他并没有简单地赞美马奈的“大胆”，而是深入分析了他的作品如何在当时社会引起争议，以及这种争议本身如何构成了艺术进步的动力。读到杜尚的“现成品”艺术时，我更是被深深震撼。那个小便池，在作者的解读下，不再是一个简单的挑衅，而是对艺术本体的深刻拷问——艺术到底是什么？谁来定义艺术？这种从形式到观念的转变，彻底刷新了我对艺术的认知。本书对于女性艺术家在二十世纪艺术史上的地位和贡献，也给予了足够的关注，这在许多传统的艺术史书籍中是相对缺乏的。比如，作者对弗里达·卡罗的剖析，不仅仅是关于她的痛苦经历，更是看到了她在艺术中如何以一种极其个人化、极具力量的方式，探讨身份认同、性别政治和文化融合等议题。她鲜明的风格和深刻的内涵，让我看到了艺术的另一种可能，一种与个体生命经验息息相关的表达。

评分☆☆☆☆☆

《二十世纪艺术史》这本书，从我拿到它那天起，就注定了我与它之间一段不寻常的相遇。起初，我只是被它厚重的体量和精美的封面所吸引，以为它不过是市面上众多艺术史读物中的一本，内容或许有些陈旧，或者过于学术，难以接近。然而，当我翻开第一页，便被作者以一种近乎娓娓道来的方式，将我引入了一个波澜壮阔的艺术世界。书中对于印象派的描绘，与其说是在梳理一个艺术流派的起源与发展，不如说是在重现一场颠覆传统的革命。作者并没有枯燥地罗列画家名字和作品，而是深入到那个时代背景下，那些艺术家们如何在巴黎街头、如何在画室里，用画笔与旧有的审美观念进行着一场场激烈的搏斗。我仿佛能听到雷诺阿笔下的光影在画布上跳跃，闻到梵高笔触中燃烧的热情，甚至感受到莫奈在吉维尼花园里捕捉瞬息万变的色彩时的心境。书中的文字并非生硬的学术辞藻，而是充满了诗意和感染力，让我这个对艺术史并非专业出身的读者，也能沉浸其中，与那些伟大的灵魂产生共鸣。更让我惊喜的是，作者对于后印象派、野兽派等一系列紧随其后的流派的阐述，也同样精彩纷呈。他精准地捕捉到了每一个流派独特的精神内核，并将其与前一个流派的演变紧密联系起来。立体主义的解构与重组，表现主义的情感宣泄，抽象艺术的纯粹形式，这些曾经让我觉得遥不可及的概念，在作者的笔下变得清晰而易懂。书中的插图也选取得恰到好处，不仅丰富了视觉体验，更像是作者为我们精心挑选的“对话者”，让我们能够直接面对那些改变了艺术史进程的杰作。这是一次充实的阅读体验，它不仅仅是知识的灌输，更是一次精神的洗礼，让我对“艺术”这个词有了更深层次的理解。

评分☆☆☆☆☆

我之前对二十世纪艺术的一些抽象作品，尤其是那些极简主义的作品，总觉得它们“太简单”了，甚至有些“空洞”。《二十世纪艺术史》这本书，彻底改变了我这种看法。作者在解读这些作品时，展现了一种极为细腻和深刻的洞察力。他并没有简单地描述作品的形式，而是深入探讨了极简主义艺术家们为何要追求“少即是多”，为何要消除艺术家个人的情感痕迹，而将观众的体验和空间本身作为作品的一部分。例如，在讨论唐纳德·贾德等艺术家的作品时，作者解释了他们如何通过精确的几何形态、工业材料的使用，以及作品与展览空间的互动，来引导观众去关注物质性、感知和观看行为本身。这种艺术形式，与其说是“简单”，不如说是一种“纯粹”和“直接”。它挑战了我们观看艺术的习惯，将我们从对叙事和象征的依赖中解放出来，让我们直接面对物质本身的力量和空间的关系。这本书让我学会了用一种更开放、更包容的心态去接触各种艺术形式，去发现那些隐藏在“简单”之下的深刻思考和独特的美学追求。

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我曾几何时，以为艺术史就是一部直线式的、宏大叙事的编年史，充斥着各种主义的名称和代表人物的名单。然而，《二十世纪艺术史》彻底颠覆了我的这种刻板印象。这本书最让我着迷的地方在于，它不是简单地罗列事实，而是将艺术的演变置于更为广阔的社会、文化和技术语境中进行解读。作者巧妙地将第一次世界大战的阴影，消费主义的兴起，以及技术革新（如摄影、电影的出现）等外部因素，与艺术内部的风格变革和观念演变相互印证。读到超现实主义的部分，我第一次真正理解了弗洛伊德的潜意识理论是如何渗透进达利、马格利特等艺术家的创作中，他们那些奇诡的梦境和意象，不再是单纯的怪诞，而是对人类内心深处隐秘欲望和恐惧的深刻探索。作者对达达主义的描述，更是让我大开眼界。这个充满反叛和虚无主义的运动，在作者的笔下，并非只是对传统艺术的简单否定，而是一种对文明自身进行深刻质疑的呐喊。在那个硝烟弥漫、理性崩塌的时代，达达艺术家们的“偶然”、“荒诞”和“戏谑”，恰恰是对现实的一种极度真实的反映。此外，书中的讨论还延伸到了抽象表现主义，以及战后艺术的多元发展。作者对于波洛克滴洒画法的分析，并非停留在技术层面，而是深入探讨了其背后艺术家试图与潜意识进行直接对话的冲动，以及这种艺术形式如何与美国在全球文化中的崛起相呼应。这本书让我意识到，艺术从来都不是孤立存在的，它与我们所处的时代，我们所经历的社会变迁，息息相关，互为镜像。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我之前对二十世纪的艺术，尤其是那些看起来“看不懂”的抽象作品，一直持有一种敬而远之的态度。总觉得它们过于前卫，与我的生活经验相去甚远，难以产生连接。《二十世纪艺术史》这本书，却以一种温和而极具说服力的方式，一点点消除了我的这种隔阂。作者的叙事非常注重循序渐进，他不会突然抛出一个陌生的概念，而是会在介绍新流派之前，先回顾前一个时期的发展，找到清晰的逻辑脉络。比如，在谈到抽象艺术时，他会先回顾立体主义对形体的分解，野兽派对色彩的解放，以及象征主义的内在精神探索，然后才能理解为何蒙德里安要追求纯粹的几何形式，为何康定斯基要探索色彩与情感的纯粹对应。这种“承上启下”的处理方式，让我觉得学习过程非常顺畅，也让我对抽象艺术的理解不再是雾里看花。书中对于概念艺术的讨论，更是让我对“艺术”的定义产生了颠覆性的思考。当艺术家不再依赖于传统的绘画、雕塑媒介，而是用思想、行为、语言来表达时，艺术的边界究竟在哪里？作者通过对约瑟夫·科苏斯等艺术家的作品分析，让我看到，有时观念本身比物质的形态更加重要。这本书没有强迫我“喜欢”某种艺术风格，而是引导我“理解”它们出现的背景、背后的思考，以及它们对后世艺术产生的深远影响。这种教育性的引导，让我感觉自己获得了真正的“艺术素养”，而不是简单的艺术史知识储备。

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一句话概括二十世纪艺术史：艺术想走上街头亲近人们，但人们却希望它保持高高在上的姿态。

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最合意的一本现代艺术史，非常好读。尽管二十世纪六十年代是重要的分野，但我还是对世纪末艺术无比痴迷。难怪James Fox博士以研究一战之前的现代艺术为志业！（译者不专业，错误不少，“圣像学”应为“图像学”）

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3.5星，不如现代艺术150年好看~

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艺术越来越不美了，看的越多悲伤越多。

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最大的感受是中国艺术的断层