具体描述
How is film changing? What does it do, and what do we do with it? This book examines the reasons why we should be studying film in the twenty-first century, connecting debates from philosophy, anthropology and new media with historical concerns of film studies.
When the common frameworks for studying film - the nation, identity, representation, Hollywood industry - have ceased to yield explanatory power, how do we conceive of film's doings? In this fresh and innovative book, Janet Harbord argues that film no longer represents or stands in for particular cultures, but acts isomorphically, showing us how the world works. Film here is action, energy, matter, moving across space to forge connections, provide encounters, and create schisms in our knowledge of others. The book brings together key thinkers of the contemporary in an innovative exchange between film and theory. Marc Auge's concept of 'non-place' is brought to bear on, and disrupt, the category of national cinema. Manuel DeLanda's notion of morphogenesis frames an understanding of film as a process of constant evolution, in which the terms of change are immanent to matter itself. And the concept of inertia, from Paul Virilio's work, allows us to comprehend the different energies of film. Arguing that there is no higher position from which to view the present, either in theory or in film, we move blindly and yet with faith, discovering the present frame by frame. The Evolution of Film demonstrates how this is an intangible yet critical medium in the contemporary, mediating relationships to place, technology and thought itself.
The Evolution of Film will be essential reading for students and scholars of film at all levels.
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目录信息
读后感
用户评价
这部探讨早期好莱坞制片厂体系如何运作的档案汇编，简直是一部工业奇迹的编年史。它没有着重于讨论那些光鲜亮丽的明星，反而将聚光灯打在了那些幕后权力结构上——那些冷酷无情的制片人、精打细算的发行经理，以及那些被“流水线”概念束缚的编剧们。阅读的体验是一种复杂的混合体：既有对那种高效、近乎军事化生产体系的惊叹，也有对艺术创造性被资本逻辑无情碾压的扼腕。书中那些关于“片单会议”的详细记录，清晰地展现了“产品”是如何被标准化、被批量制造以满足特定市场需求的。我特别关注了关于米高梅和派拉蒙在二战期间如何调整其内容以迎合政府宣传的章节，这种将艺术品视为国家工具的现实，令人不寒而栗。这本书的价值在于，它强迫读者跳出对“伟大导演”的个人崇拜，去理解支撑整个黄金时代的，是庞大、无情且极度精密的商业机器。它是一部关于权力、合同和胶片库存的史诗。
这部电影理论的开山之作，着实让我眼前一亮。它没有陷入那种学院派故作高深的泥潭，而是以一种近乎口述史的亲切感，带领我们重新审视了蒙太奇在早期苏俄电影中的革命性意义。作者对于库里肖夫实验的解读，细致入微，仿佛把我们带回了那个光影初生的年代，去亲身体验那种“将镜头并置就能创造新意义”的震撼。尤其欣赏他对爱森斯坦那套“辩证法式剪辑”的拆解，那种从理论到实践的严谨推演，远比其他同类著作空泛地赞美要来得有力。书中的案例分析，比如对《战舰波将金号》的特定场次如何通过节奏和冲突的不断加速来煽动观众情绪的剖析，简直是一堂大师级的导演课。我甚至能感受到作者在书写时，那种对胶片颗粒和光影流动的痴迷，这种热忱是能穿透纸页的。对于任何想要理解叙事结构如何超越单纯的画面堆砌，抵达思想和情感共鸣的读者来说，这本书都是绕不开的基石。它不仅仅是回顾历史，更是提供了一套可以应用到今天任何视觉媒介创作中的底层逻辑。
这本书的叙事风格极其跳跃和后现代，它不是在讲述电影史，而更像是在用电影语言“编辑”电影史。全书的结构就像一个巨大的、不断自我指涉的拼贴画，作者频繁地在不同国家、不同流派之间进行爆炸性的剪辑，从意大利的先锋派运动突然跳到日本的僵尸片，再无缝衔接到后来的数字生成艺术。这本读物对“观众”这一角色的解构尤为精彩，它挑战了我们作为被动接收者的身份，不断地通过提出尖锐的哲学问题，迫使我们去质疑我们所“看见”和“相信”的一切。我特别喜欢作者在探讨媒介变迁时，那种对技术焦虑的精准捕捉，他仿佛是一个站在时代十字路口的预言家，既敬畏于新的成像技术所带来的无限可能，又警惕于其对真实感和记忆的侵蚀。与其说这是一本学术著作，不如说它是一场高强度的智力角力，它要求读者保持极高的专注度和开放性，才能跟上作者那令人眩晕的思维速度和知识密度。
读完这本关于电影摄影光线运用的专著，我感觉我的“眼睛”被彻底重塑了。它彻底颠覆了我过去那种将“打光”等同于“照亮”的肤浅认知。作者似乎有一种近乎炼金术士的能力，能将一盏简单的灯泡，转化为情绪、阶级乃至道德立场的无声符号。书中对德国表现主义电影中，那种刻意拉长、扭曲阴影的运用，进行了一次近乎病态的迷恋式探讨。尤其让我印象深刻的是，书中探讨了“高调光”和“低调光”在黑色电影中如何不仅仅是技术选择，更是叙事手段——前者象征透明与虚伪的并存，后者则暗示着潜藏的罪恶与道德的灰色地带。我尤其喜欢作者对电影室内场景中自然光线处理的章节，他甚至能分析出窗外那束微弱的伦勃朗光，是如何在不引入任何对白的情况下，暗示了人物内心深处的疏离感。这本书读起来与其说是学习理论，不如说是在进行一场视觉冥想，每一次翻页，都像是调高了一级相机的感光度，让隐藏在画面边缘的细节浮现出来。
我发现自己被这本书对“声音的出现与电影叙事断裂”这一主题的激进论述完全吸引住了。这绝非一本传统地赞美有声电影带来的便利，相反，它将有声化视为一场灾难性的“去魅”过程。作者的核心论点是，当视觉叙事必须被同步的听觉信息所驯服时，电影那种独特的、梦境般的“非同步性”魅力便消散了。书中对1927年至1932年间，导演们如何笨拙地处理对话和运动的案例分析，简直是教科书级别的“反面教材”。比如对某些早期有声片中，角色必须面向麦克风而僵硬站立的场景的描述，读起来令人忍俊不禁，但背后的理论探讨却极其深刻：声音的物理限制如何扼杀了摄影机的自由。这种对“失落的沉默美学”的怀旧与批判，使得全书充满了悲剧色彩。它让我重新思考，我们今天习以为常的“视听同步”，是否真的是电影艺术的必然归宿，抑或是我们因技术惯性而接受的妥协。
