心 日本佛教文化丛谈 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:三联书店

作者:高田好胤

出品人:

页数:144

译者:成同社

出版时间:1992.5

价格:3.15

装帧:

isbn号码:9787108005205

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一份关于一部假设的图书的详细简介，这本书不包含《心 日本佛教文化丛谈》的内容。 --- 书名：《山河壮丽：中国古代山水画的演变与意境》 作者：李明德 著 出版社：文汇出版社 出版日期：2024年5月 --- 内容提要： 《山河壮丽：中国古代山水画的演变与意境》是一部全面而深入探讨中国传统山水画发展历程的学术专著。本书旨在通过对唐、宋、元、明、清五个主要历史阶段的山水画风格、技法、理论基础及其文化意涵的细致梳理，揭示中国山水画如何从早期的“有我之境”逐步迈向“无我之境”，并最终在笔墨之间构建出独立于现实的审美世界。 本书的结构紧密围绕时间线索与主题分析展开，既有宏观的历史脉络梳理，又不乏对具体画家作品的微观剖析。作者凭借深厚的艺术史学功底和对传统美学的独到见解，力求展现山水画作为中国哲学和宇宙观载体的独特魅力。 第一部分：肇始与奠基（魏晋至唐代） 本部分追溯了山水画的萌芽阶段。魏晋时期，随着玄学的兴起和士人阶层对自然的关注，山水画开始从“界画”的附属地位中独立出来。作者详细论述了顾恺之、陆探微等早期画家的探索，重点分析了六朝时期“气韵生动”理论的形成对后世的深远影响。 进入唐代，山水画迎来了初步的成熟期。李思训、李昭道父子的“青绿山水”代表了盛唐的雍容气象，而王维的“水墨为上”则开创了文人画的先河。本书深入探讨了唐代画家如何通过对皴法和点苔的初步运用，试图捕捉山川的“神似”而非仅是“形似”，为宋代山水画的精细写实打下了坚实的基础。 第二部分：高峰与体系化（宋代） 宋代被公认为中国山水画的巅峰时期。北宋的范宽、郭熙、李唐等人，将山水画的写实能力推向极致，形成了雄伟壮阔、气势磅礴的“全景式山水”。本书着重分析了范宽《溪山行旅图》中对北方山脉结构的处理，以及郭熙在《早春图》中对“可游、可居、可观、可赏”理论的实践。 南宋时期，面对江山易主的历史背景，山水画的审美情趣发生了转向。马远、夏圭的“边角式”构图，即“一角”、“半边”的运用，极大地增强了画面的意境和诗意，体现了士大夫阶层在有限空间中寄托无限情思的艺术手法。作者详尽阐述了宋代院体山水画的规范化与程式化发展。 第三部分：笔墨的自觉与精神的解放（元代） 元代是文人山水画的自觉时代。在蒙古统治下，赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇“元四家”将山水画提升至纯粹的精神表达层面，强调“以书入画”的理念。本书深入解析了“笔墨趣味”如何在这一时期超越对自然景物的模仿，成为表达画家个人学识、品格与情感的主要媒介。 特别是对倪瓒“折枝松竹”式笔墨的分析，揭示了其如何通过极简的线条和冷峻的布局，表达出对世俗的疏离与高洁的隐逸情怀。本书认为，元代文人确立了中国山水画区别于世界其他画种的独特哲学地位。 第四部分：程式的集大成与南北分歧（明清） 明代山水画呈现出多元并存的态势。以“吴门画派”（沈周、文徵明）为代表的江南文人画，继承和发展了元四家的笔墨传统，强调雅正和学养。与此同时，以浙派为代表的写实画风，则在继承宋代院体风格的基础上，展现出强劲的生命力。本书通过对比不同流派的技法差异，展示了明代山水画在艺术语言上的丰富性。 清代山水画则进入了对前代传统的整理与反思阶段。董其昌提出的“南北宗论”虽然具有理论上的局限性，但却极大地推动了文人画的理论构建。清初的“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）致力于集古成法，形成了富丽堂皇、结构严谨的“正统”山水。而以“四僧”（石涛、八大山人）为代表的创新者，则以个性化的笔墨语言和强烈的象征意味，为近现代山水画的变革埋下了伏笔。 总结与展望： 全书最后总结了中国山水画在两千年间所形成的独特的审美规范：即对“气”、“韵”、“意”、“境”的追求，以及如何将“天人合一”的哲学思想物化于笔墨线条之中。本书不仅是一部艺术史著作，更是一部对中国传统文化精神进行深度解读的文本。 本书特色： 1. 图文并茂，脉络清晰： 精选了大量历代代表作高清图版，并配有细致的局部放大解析，便于读者直观理解技法演变。 2. 理论与实践结合： 深入浅出地阐述了如“披麻皴”、“斧劈皴”等核心技法，并追溯了它们背后的哲学动因。 3. 学术严谨性： 引用了大量一手文献资料（如画论、题跋），观点论证充分，适合艺术史研究者、美术专业师生及对中国古典文化有深厚兴趣的读者。 读者定位： 本书面向中国艺术史研究者、国画专业学生、古典园林爱好者，以及所有渴望了解中国传统哲学与审美如何融入视觉艺术的文化探索者。它提供了一个进入中国山水画精神世界的可靠向导。

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从结构上看，这本书的编排逻辑非常具有启发性，它并非完全按照时间线索推进，而是以一种主题放射状的方式展开，每一个章节似乎都像是从一个核心观念延伸出的不同触角，彼此关联又各自独立。这种跳跃式的结构，反而更贴合我们日常思维的运转模式——我们很少线性思考，更多的是在不同概念之间建立联系。比如，前一章还在讨论某个特定仪式中使用的法器象征意义，下一章可能就立刻跳跃到与此法器相关的某个哲学流派的产生背景，这种看似不连贯的跳转，却在读者的脑海中构建起了一张巨大的、相互交织的知识网络。这种构建方式，极大地提升了阅读的趣味性，它不再是单向的知识灌输，而是一种探索式的、寻宝般的体验，每完成一个章节的阅读，都像是在迷宫中找到了一个新的连通点。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种略带年代感的淡雅色调，配上那笔触苍劲有力的标题书法，一下子就把人带入了一种沉静而又厚重的氛围之中。内页的纸张质感也十分考究，触感温润，墨迹清晰，看得出出版方在细节上是下了不少功夫的。我特别喜欢它在版式布局上的处理，文字排布得疏密有致，左右留白恰到好处，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。很多章节的开头，还会配上一两幅精美的黑白插图，那些似乎是古老寺庙的屋檐剪影，或是某种象征性的图案，虽然没有直接的文字说明，却像是一种无声的引导，让人在进入正文之前，就已经开始在心中构建起一个关于东方哲思的想象空间。这种对实体书阅读体验的尊重和提升，在当下这个信息碎片化的时代，显得尤为珍贵。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件值得收藏的工艺品，让人愿意将它摆在书架上，时不时地去摩挲感受。

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这本书给我的最大感受是，它成功地架设了一座现代感知与古老智慧之间的桥梁，它没有把那些深奥的教义塑造成高高在上的神谕，而是将其还原为人性层面的探索和挣扎。作者在剖析那些千年流传的观念时，总是能敏锐地捕捉到其中与现代人心理困境的共通之处，比如焦虑、对确定性的渴望，以及如何面对无常的生命本质。他引用的案例，无论是古代文人的诗句，还是市井间的传说，都具有极强的代入感，让人不禁思考：千年之前的人们，在面对相似的心魔时，是如何找到出路的？这种跨越时空的共情能力，让这本书不仅仅停留在学术介绍的层面，而更像是一本实用的“心灵指南”，它不提供标准答案，而是提供了一套审视问题的独特视角，引导我们去发现自己内在的平静与秩序，这份收获远超我对任何一本文化读物的预期。

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这本书的叙事节奏掌握得相当老练，它并没有采取那种教科书式的、堆砌史料的枯燥手法，反而更像是一位博学的长者，在你围炉夜话时，不经意间透露出的智慧之光。作者在介绍复杂的概念时，总是能巧妙地穿插一些鲜活的、具有画面感的日常场景或者历史轶事，使得那些原本深奥的教义瞬间变得可触可感。比如，在探讨某个修行法门时，他会突然转述一段古代僧侣在山林中参禅悟道的细微心理波动，这种细节的捕捉，让读者仿佛能够透过文字，亲身感受到那种心无旁骛的专注与挣扎。更绝的是，作者的笔锋在宏大的历史叙事和微小的个人体验之间来回游走，如同高明的音乐家在演奏，高低起伏，张弛有度，总能在关键时刻轻轻敲击读者的内心，让人在不经意间，对所处的世界产生一种全新的审视角度。

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这本书的语言风格是极其克制的，它拒绝了浮夸的辞藻和故作高深的术语堆砌，选择了一种近乎白描的手法来描绘那些超越世俗的情感和境界。读起来，你会感受到一种内在的力量在涌动，那不是靠声音的大小来体现，而是通过语法的精确和词语的取舍来达成的。作者似乎深谙“此时无声胜有声”的道理，在关键的哲学论断面前，他往往只是轻轻一笔带过，留给读者大量的“空白”去自行填补和消化。这种留白的设计，极大地激发了我的主动思考，我常常在读完一小节后，会放下书本，盯着窗外发呆许久，试图去捕捉文字背后那层更深、更微妙的意境。这种需要读者付出心力的阅读过程，反而是最令人着迷的部分，因为它让你觉得自己不再是被动接受信息，而是在与作者进行一场深层次的、无声的对话。

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天，大一的我怎么会读这本书？只记得是图书馆借的，内容一概忘记。

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天，大一的我怎么会读这本书？只记得是图书馆借的，内容一概忘记。

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大师思想比较古典。

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十五年前，星期天午后的曲阳街道图书馆。