具体描述
本书分3册介绍了中国古代自唐宋元明清以来至现代书画家八百多人：上册:唐代——明代万历年，中册:明代崇祯——清代乾隆年，下册:清代嘉庆——现代。
作者简介
容庚（1894.9.5～1983.3.6）
古文字学家、金文专家。字希白，号颂斋。因古代“容”“颂”相通而取斋名为“颂斋”。广东省东莞县人。在书宦之家良好的家庭环境熏陶下，他幼年时即熟读《说文解字》和吴大澂的《说文古籀补》。1922年，经罗振玉介绍入北京大学研究所国学门读研究生，毕业后历任燕京大学襄教授、《燕京学报》主编兼北平古物陈列所鉴定委员、岭南大学中文系教授兼系主任、《岭南学报》主编、中山大学中文系教授等。他的成名作为《金文编》（贻安堂，1925年；香港商务印书馆1939年出修订本；科学出版社，1959年出增订本）。这是继吴大澂的《说文古籀补》之后的第一部金文大字典，是古文字研究者必备的工具书之一。1935年，又集秦汉金文而撰成《金文续编》。1959年出版的增订本《金文编》，据历代出土的青铜器三千多件的铭文，共收字18000多。商周秦汉铜器铭文中已识与未识者，从中可尽览无遗。这是一部相当完备的金文字典。《商周彝器通考》（燕京大学哈佛燕京学社，1941年）是他的另外一部重要著作。这是一部关于商周青铜器的综合性专著。分上下两编。上编是通论，详述青铜器的基本理论与基本知识，分15章。下编是分论，将青铜器按用途分为4大类。全书共30多万字，附图500幅，征引详博，考据详备审核，堪称材料宏富、图文并茂。这是一部对青铜器进行系统的理论阐释并加以科学分类的著作，是研究青铜器的重要参考书。在这方面他还著有《殷周青铜器通论》（合作，科学出版社，1958年）。他精于鉴定青铜器，经多年积累，他编印了不少青铜器图录，如《宝蕴楼彝器图录》（1929年）、《秦汉金文录》（1931年）、《颂斋吉金图录》（1934年）、《武英殿彝器图录》（1934年）、《海外吉金图录》（1935年）、《善斋彝器图录》（1936年）、《秦公钟簋之年代》（1937年）、《兰亭集刊十种》（1939年）等。其中《武英殿彝器图录》开创了印铜器花纹的先例，为花纹形式的研究提供了很有价值的参考资料。《善斋彝器图录》所编的是刘体智收藏的青铜器。《海外吉金图录》所编为日本所藏铜器。这为国内学者提供了流失海外的铜器资料，很有意义。在书画碑帖研究方面，他著有《伏庐书画录》（1936年）、《汉梁武祠画像录》（1936年）等多部著作。
目录信息
读后感
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用户评价
《颂斋书画小记》这套书，给我的感觉就像是打开了一扇通往古代文人墨客精神世界的大门。第三卷更是将这种感受推向了极致，作者在其中不仅仅是讲解技法，更是探讨了书画背后所承载的文人情怀与审美追求。他会引用大量的诗词，将书画作品与文学作品融会贯通，让我体会到“诗中有画，画中有诗”的意境。他谈到某位书法家，会联想到其诗歌中那种孤傲不群的气质，然后细致地分析其书法的笔力如何体现了这种气质。这种跨越艺术门类的解读，让我想象力得到了极大的释放。他对于“逸笔草草”的阐释，并非简单地理解为“随意”，而是深入到其背后所蕴含的“胸有成竹”和“不激不厉，风规自远”的境界。他还会讨论不同时代文人的生活方式，以及这种生活方式如何影响了他们的艺术创作。比如，他会对比宫廷画师与文人画家的区别，前者注重工整细腻，后者则更加追求个性的表达和精神的寄托。他甚至会穿插一些关于茶道、品香等生活细节的描述，让我感受到古代文人那种雅致的生活情趣，以及艺术是如何渗透到他们生活的方方面面的。阅读过程中，我常常会停下来，思考艺术家们在创作时的心境，他们是如何将自己对人生、对自然的感悟，凝聚于笔墨之间的。
评分关于《颂斋书画小记》的阅读体验，我不得不说，第三卷带给我的惊喜是持续不断的。这一次，作者的笔触更加偏向于“鉴赏”层面，他并非简单地告诉我们哪个作品好，哪个不好，而是引导我们去思考“为什么好”。他会从历史的维度，艺术史的发展脉络入手，分析一件作品在当时所具有的意义，以及它对后世产生了怎样的影响。他会运用一些学术性的概念，但却能用极其通俗易懂的语言进行解释，让我这个非专业人士也能轻松理解。比如，他谈到“金石学”对于书画鉴定的作用，会将其比喻成侦探破案，通过研究古代器物上的铭文，来追溯书画的真伪和流传。他还提及了“题跋”的重要性，认为那些看似随意的题款，往往蕴含着重要的信息，是解读作品的钥匙。他还会分享一些自己鉴赏藏品的经验，比如，在面对一件作品时，他会关注哪些细节，如何通过笔墨的痕迹来判断其年代和作者。这些实用的鉴赏技巧，让我觉得受益匪浅。他还讲述了一些关于书画鉴定过程中的趣事，比如，某件著名的赝品是如何被识破的，或者某件被低估的作品是如何被重新发现的。这些故事，让整个鉴赏过程变得更加引人入胜，充满了悬念和趣味。
评分《颂斋书画小记》这套书，尤其是第三卷，给我最大的启发在于它让我开始“主动”地去观察和思考。在阅读这本书之前，我可能只是将书画视为一些漂亮的图画，而现在，我开始尝试去理解它们背后的故事，去感受艺术家想要传达的情感，去体会作品所蕴含的文化信息。作者在书中，会提出一些引导性的问题，比如，“你觉得这幅画中的留白，究竟是空无一物，还是寓意着无尽的想象？”或者，“这幅字，笔力雄健，是否也反映了作者在那个动荡年代的内心挣扎？”这些问题，促使我去主动地参与到艺术的解读中，而不是被动地接受信息。他还鼓励读者要有自己的独立判断，不要盲目迷信权威，要用自己的眼睛去发现美，用自己的心去感受美。这种鼓励独立的精神，让我觉得受益匪浅。我开始尝试着将书中所学到的知识，运用到对现实生活中接触到的艺术作品的观察中，虽然还不能达到大师的境界，但已经能够发现一些之前从未留意到的细节。这是一种学习的乐趣，也是一种自我提升的过程。
评分《颂斋书画小记》的第二册，则让我体验到了另一种层次的艺术探寻。这一次，作者的视角更加广阔，他不仅关注了中国传统书画，还将目光投向了与中国文化有着千丝万缕联系的亚洲其他地区的艺术。他对于日本浮世绘的解读，让我看到了传统水墨技法如何在异域土地上焕发出新的生命力，其色彩的运用，构图的创新，都与我们熟悉的中国画有着微妙的呼应与差异。他甚至会对比不同文化背景下，艺术家对“留白”的处理方式，探讨这种“无”与“有”的辩证关系是如何在不同艺术体系中得到体现的。这种跨文化、跨地域的比较，极大地拓展了我的艺术视野，让我认识到艺术的普适性与多样性。他并非生硬地罗列事实，而是将这些比较融入到生动的故事和个人体验中。比如，他讲述了自己一次在日本参观某位现代画家的展览，发现其作品中深深植根于中国古典意趣，却又带有鲜明的时代气息，这种“师承”与“创新”的结合，令他深思。他还谈到了韩国的书法，那种雄浑洒脱的笔力，与中国北碑的风格有着异曲同工之妙，却又有着自己独特的民族韵味。通过这些对比，我更加深刻地理解了文化交流的魅力，以及艺术是如何在碰撞与融合中不断发展的。这本书让我明白，艺术并非孤立存在，而是彼此影响，相互启发，形成了一个更加宏大的艺术谱系。
评分刚翻开《颂斋书画小记》的第一卷，就被那字里行间的温度所打动。作者并非那种高高在上的艺术评论家，更像是一位温和的长者，娓娓道来他对书画的热爱与感悟。他的笔触细腻，不仅仅停留在对笔墨线条、构图色彩的客观分析，更着重于挖掘作品背后的人物故事、时代风貌，以及其中蕴含的情感与哲思。读到关于某幅古画的章节，他会详细描述画中人物的神情姿态，猜测他们当时的内心活动，仿佛将读者也带入到了那个久远的年代，与画中人一同呼吸。那种沉浸式的阅读体验，让我忍不住放下手机，全身心地投入其中。他还会穿插一些个人经历，比如某次偶然的机会，他在一个不起眼的小画廊里发现了一件被忽略的佳作，那种惊喜与激动，跃然纸上。这些细节的注入，使得原本可能枯燥的艺术鉴赏变得生动有趣，充满了人情味。我尤其喜欢他对于“意境”的阐述，他认为书画的最高境界，在于能够触动观者内心深处的情感，引发共鸣。他并非简单地定义“意境”，而是通过大量的例子，让我们感受到不同作品所传达出的独特韵味，时而孤寂清冷，时而生机勃勃，时而沉郁顿挫。这种引导式的解读，比直接灌输概念要有效得多，让我逐渐学会了用自己的眼睛去“看”画，用自己的心去“感受”书。阅读的过程，与其说是学习，不如说是一场与古往今来无数艺术家灵魂的对话，一次跨越时空的艺术旅行。
评分《颂斋书画小记》的第三卷，让我对“传承”这个词有了更深的理解。作者在这一卷中，不仅仅是在介绍作品，更是在讲述一个时代的精神如何通过书画得以延续。他会追溯某一种画风的源头，分析它是如何从前代大师那里继承而来，又如何被后来的艺术家所发扬光大。他对于“师承”的论述，让我认识到艺术并非凭空产生，而是建立在前辈的积累之上。他还会探讨不同地域的绘画风格差异，以及这些差异是如何形成的，是地理环境影响，还是民族性格使然。他甚至会关注一些地域性的小画派，发掘那些被历史洪流所淹没的艺术珍品。通过这些讲述，我看到了中国书画在漫长的历史长河中，是如何生生不息，枝繁叶茂的。他对于“创新”的看法，也让我十分赞同。他认为真正的创新，并非是对传统的颠覆，而是在继承基础上的发展和突破。他会引用一些艺术家的话，来阐释他们是如何在传统中寻找灵感，又如何将自己的时代精神注入到作品中。这种对传承与创新的辩证思考，让我对中国书画的未来充满了信心。
评分当我翻阅《颂斋书画小记》的第三卷时，我感觉自己仿佛置身于一个浩瀚的艺术宝库之中，而作者就是那位技艺精湛的向导。他在这本中，将目光更多地聚焦于书画的“技法”层面，但他的讲解方式却绝非枯燥的理论说教。他善于用生动的比喻来阐释复杂的笔法，比如，他会将悬针竖描绘成“雨丝垂落”，将飞白的处理形容为“风卷残云”，这些形象的描述，瞬间就让原本抽象的技法变得鲜活起来，易于理解。他还深入浅出地讲解了墨色的浓淡干湿的变化，以及如何通过不同的用笔方式来表现物体的质感和体积感。令我印象深刻的是，他有一章节专门探讨了“线条”的语言，他认为每一根线条都有自己的生命，或刚劲有力，或婉转柔美，或轻盈飘逸，而书画家正是通过这些线条的组合，来传达不同的情感和意境。他还会引用古人的论述，但绝非照搬原文，而是用自己的语言进行解读，使其更加贴近现代读者的理解。他还提及了中国画中“骨法”的重要性，以及如何通过“皴法”来表现山石的纹理和质感，这些专业的术语，在他的笔下不再是难以逾越的鸿沟，而是引人入胜的艺术密码。他甚至会模拟一些创作过程，让我仿佛能听到笔尖在纸上沙沙作响，看到墨迹缓缓晕染开来。这种深入到“骨子”里的讲解，让我对书画的创作有了更深的敬畏之情。
评分在阅读《颂斋书画小记》第三卷的过程中，我发现作者的视角非常独特。他不仅仅是停留在对作品本身的分析，更是关注了书画作品所处的“环境”。他会描述某幅画创作时的时代背景，比如当时的政治气候，经济状况，以及社会风俗，然后分析这些因素是如何影响了艺术家的创作。他还会提及一些与书画相关的建筑，比如园林，书斋，他会描述这些空间如何为艺术家提供了灵感，或者如何成为艺术家创作和交流的场所。他甚至会谈到古代书画的装裱技艺，认为精美的装裱也是作品整体美感的重要组成部分。他还分享了一些关于书画流传过程中的故事，比如某件作品是如何从宫廷流落到民间，或者是如何被外国人所发现和珍藏的。这些关于“环境”的讲述，让书画作品不再是孤立的存在，而是与整个社会文化融为一体，变得更加丰富和饱满。
评分当我沉浸在《颂斋书画小记》的第三卷中时，我感到自己仿佛置身于一个生机勃勃的艺术社区。作者在这本中，将目光投向了更多的“书画名家”及其生活逸闻。他不仅仅是介绍他们的代表作品，更是挖掘他们鲜为人知的另一面。他会讲述某位画家的性情如何与其画作中的洒脱不羁相呼应，或者某位书法家的淡泊名利如何体现在其作品的沉静内敛之中。这些生动的故事，让这些历史人物变得更加立体和真实，仿佛就活在眼前。他还会引用一些同时代文人的记载，来侧面描绘这些艺术家的形象，使得解读更加多元和客观。他还会关注一些被人们所忽略的艺术家的贡献，发掘他们的独特价值。比如，他会介绍一位以画花鸟闻名的女画家，其笔下的生灵活泼灵动，充满野趣，打破了我对传统文人画的一些刻板印象。他还提及了古代的书画圈子，比如文人雅士之间的酬唱往来，以及他们是如何相互切磋，共同进步的。这些细节，让我看到了艺术创作背后的人文关怀和情感交流。
评分《颂斋书画小记》的第三卷，给我带来的最大感受是“温度”。作者的文字，不仅仅是在传递知识，更是在传递一种热爱。他对于书画的描述，充满了情感的投入，让我能够感受到他对每一件作品，甚至每一根线条的珍视。他会用“心仪”、“神往”、“惊叹”等词语来表达自己的情感，这种真挚的情感流露，非常容易感染读者。他讲述了自己多次拜访某件名作的经历，每次都有新的发现和感悟，这种执着的追求，令人动容。他还分享了自己收藏书画的心路历程，从最初的盲目到后来的理性，从经济的拮据到精神的富足，这些真实的经历，让我对艺术收藏有了更深的理解。他强调，收藏不仅仅是为了占有，更是为了守护和传承。他还提及了自己对某件作品的“遗憾”，可能是因为未能亲眼见到，或者是因为未能将其完整地保存下来，这种“遗憾”之中，也饱含着他对艺术的深深眷恋。
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