外国美术简史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:中国青年出版社

作者:中央美术学院人文学院美术史系列国外美术史教研室 编

出品人:中青雄狮

页数:16

译者:

出版时间:2007-3

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787500673309

丛书系列:

图书标签:

• 美术史
• 艺术
• 中央美术学院教材
• 考研
• 美术
• 艺术史
• 历史
• 教材
• 外国美术
• 历史
• 艺术史
• 绘画
• 雕塑
• 经典作品
• 美术发展
• 西方艺术
• 美学
• 艺术鉴赏

艺术的河流：一部跨越时空的西方艺术全景扫描 书名：艺术的河流：一部跨越时空的西方艺术全景扫描 内容简介： 本书旨在为读者构建一幅宏大而细致的西方艺术发展图景，追溯自史前洞穴壁画至当代艺术浪潮的漫长演变历程。我们不满足于简单罗列艺术家与作品，而是深入探究艺术在不同历史、哲学、社会背景下的生成逻辑与精神内涵。 第一部分：起源与奠基——从蛮荒到古典的觉醒（约公元前 40,000 年 – 公元 400 年） 本部分将首先考察人类文明初期的审美表达。从拉斯科洞穴的野牛奔腾，到新石器时代的陶器纹饰，我们探讨早期人类如何通过图像符号与自然进行交流。随后，重点聚焦于美索不达米亚（苏美尔、阿卡德、巴比伦、亚述）和古埃及文明，分析其艺术如何服务于宗教、王权和永恒的概念——金字塔的几何秩序、神庙的壁画叙事、以及法老的肖像权威性。 真正的转折点在于爱琴文明（米诺斯与迈锡尼），其自由奔放的湿壁画预示着古典精神的萌芽。 随后的章节将深入剖析古希腊艺术的三大阶段：古风时期的“拘谨的微笑”；古典盛期的“黄金比例”与“理想化的人体”——从菲狄亚斯的雕塑到帕特农神庙的和谐结构，解析其对理性、人文主义和完美形式的极致追求。随后，我们将探讨希腊化时期的情感爆发与戏剧性，如《萨莫色雷斯的胜利女神》所展现的动感张力。 古罗马艺术则被视为对希腊传统的继承、转化与应用。本部分将分析罗马人在建筑（万神殿的穹顶技术、渡槽的工程美学）和纪念性雕塑（纪念柱、皇帝骑马像）上的实用主义倾向，以及其在肖像艺术中对个体特征的精确捕捉，揭示艺术如何服务于帝国的政治宣传与社会管理。 第二部分：信仰的时代——中世纪的象征与精神超越（约 400 年 – 1400 年） 随着罗马帝国的衰落，艺术的中心转向了基督教神学。本部分将详述拜占庭艺术的辉煌——圣像画的平面化、黄金背景的使用，以及对神性光辉的极致表达。 随后，我们将考察西欧中世纪的艺术演变：早期基督教艺术的符号系统；加洛林和奥托王朝对古典传统的短暂复兴；以及罗马式艺术（Romanesque）的厚重墙体、半圆形拱券与以《最后的审判》为主题的宏伟山墙雕塑，探讨其作为“未受教育者的圣经”的功能。 哥特式艺术是中世纪的高潮。我们将详细解析其结构革命——飞扶壁、尖拱和肋拱如何解放了墙体，使得建筑可以向上无限延伸，最终让彩色玻璃窗成为主导。从沙特尔大教堂到兰斯大教堂，艺术不再是封闭的堡垒，而是光线与色彩构筑的“天堂之城”，解析其对垂直向上、对精神救赎的强烈渴望。 第三部分：重返人间——文艺复兴的觉醒与成熟（约 1400 年 – 1600 年） 文艺复兴被视为西方艺术史的轴心。本部分首先探讨佛罗伦萨的人文主义思潮如何将目光重新投向人本身。我们将细致分析早期文艺复兴的科学探索：布鲁内莱斯基的透视法发明，马萨乔如何将立体感引入绘画，以及波提切利对古典神话题材的优雅回归。 盛期文艺复兴（High Renaissance）被视为古典理想的完美统一。我们将用大量篇幅分析“三巨头”——达·芬奇对“晕染法”和科学观察的结合、米开朗基罗对人体力量与内在精神冲突的刻画（《大卫》、《西斯廷天顶画》），以及拉斐尔对和谐、宁静与古典秩序的集大成。 与此同时，我们也将考察威尼斯画派对色彩（Colorito）的强调，以及对光影和氛围的独特处理。本部分结尾将延伸至北方文艺复兴（如丢勒、凡·艾克），分析其对细节的执着、油画媒介的精进，以及宗教虔诚与世俗观察的并存。 第四部分：激情与戏剧——巴洛克与洛可可的张力（约 1600 年 – 1750 年） 巴洛克艺术是反宗教改革的产物，其核心是情感的强烈表达、动感的营造和对观众的直接干预。我们将深入分析卡拉瓦乔在光影（明暗对比法）上的革命性应用，以及贝尼尼雕塑中捕捉到的“决定性瞬间”的戏剧张力。欧洲各国巴洛克风格的分野也将被重点讨论：佛兰德斯的鲁本斯式的丰腴与活力，西班牙的宗教苦修与真实感（如委拉斯开兹的宫廷肖像），以及荷兰的世俗化转向——伦勃朗对内心世界的挖掘与维米尔对室内光线的精确捕捉。 洛可可风格（Rococo）则作为巴洛克晚期向轻盈、感性与享乐主义的过渡，探讨其在法国宫廷中如何以柔和的色彩、S形曲线和私密的主题，反映贵族阶层的审美趣味。 第五部分：理性的回归与情感的爆发——新古典主义到浪漫主义的碰撞（约 1750 年 – 1850 年） 启蒙运动和庞贝古城的发现催生了新古典主义（Neoclassicism）。本部分将解析大卫如何运用冷静的线条、清晰的构图和古罗马的道德主题来服务于革命的理想。 然而，对绝对理性的反叛迅速到来——浪漫主义（Romanticism）强调想象力、直觉、异域风情和崇高（Sublime）的体验。我们将研究德拉克洛瓦的色彩激情、戈雅对人类非理性和战争残酷的揭示，以及特纳和康斯特布尔对自然力量和光线瞬息万变的捕捉。 第六部分：观察的革命——现实、印象与后印象的探索（约 1850 年 – 1900 年） 本部分聚焦于工业革命和摄影技术对艺术的冲击。现实主义（Realism）艺术家如库尔贝，拒绝一切“美化”，直接描绘劳动者和普通生活。 随后，印象派（Impressionism）的出现标志着“观察点”的彻底转移——从描绘对象转为描绘“光线作用于对象时眼睛的瞬间感受”。我们将详细分析莫奈、雷诺阿等如何打破画室传统，捕捉巴黎的现代生活和户外光影的易变性。 对印象派松散笔触的反思与结构、情感的回归，促成了后印象派（Post-Impressionism）的多样化道路：塞尚对几何结构和多视点的探索（为立体主义铺路）、凡·高的表现性色彩与情感强度、以及高更对原始精神和符号的追寻。 第七部分：现代的迷宫——二十世纪的风格激变（约 1900 年至今） 二十世纪的艺术是风格爆炸的时代。本部分将系统梳理现代艺术的主要流派及其内在逻辑： 现代主义的开端： 野兽派对色彩的解放；表现主义对内心焦虑的尖锐表达（如德国表现主义）。 形式的解构： 立体主义（毕加索与布拉克）如何彻底颠覆单点透视，将物体分解重组成多维度的视觉体验。 速度与机器： 未来主义对现代工业文明的热情拥抱。 偶然与无意识： 达达主义对传统逻辑的彻底嘲弄，以及超现实主义对梦境、潜意识的视觉化探索。 抽象的纯粹： 从康定斯基对抒情抽象的追求，到蒙德里安对几何构成和基本元素的提炼。 二战后，艺术中心转移至美国。我们将分析抽象表现主义（如波洛克和罗斯科）的宏大尺幅和行动绘画理论，以及对欧洲传统的决裂。接着，是对抽象和精英主义的反动：波普艺术（安迪·沃霍尔）对商业文化和批量生产的挪用与反思；极简主义对艺术对象的去除和对空间本身的强调。 最后，本书将简要触及当代艺术的多元化趋势，包括概念艺术（Idea over object）、装置艺术、行为艺术以及全球化背景下艺术的新语境，展示艺术如何持续挑战“什么是艺术”的边界。 通过这部全景式的梳理，读者将能理解西方艺术史并非简单的线性进步，而是由一系列对话、反叛与综合构成的复杂网络，每一时期都是对前一时期提出的问题的回应与深化。

评分☆☆☆☆☆

大体中规中矩，说得过去。部分细节过于拖沓琐碎。 印象最深的是籍里科。为什么人家画成了呢，你敢把肺炎病人请回家做模特照着画吗？抑或三个月不出门，去下海边只为观察天空和海洋的颜色？ 在这个疯狂的世界里，只有偏执狂才能生存······

评分☆☆☆☆☆

大体中规中矩，说得过去。部分细节过于拖沓琐碎。 印象最深的是籍里科。为什么人家画成了呢，你敢把肺炎病人请回家做模特照着画吗？抑或三个月不出门，去下海边只为观察天空和海洋的颜色？ 在这个疯狂的世界里，只有偏执狂才能生存······

评分☆☆☆☆☆

大体中规中矩，说得过去。部分细节过于拖沓琐碎。 印象最深的是籍里科。为什么人家画成了呢，你敢把肺炎病人请回家做模特照着画吗？抑或三个月不出门，去下海边只为观察天空和海洋的颜色？ 在这个疯狂的世界里，只有偏执狂才能生存······

评分☆☆☆☆☆

大体中规中矩，说得过去。部分细节过于拖沓琐碎。 印象最深的是籍里科。为什么人家画成了呢，你敢把肺炎病人请回家做模特照着画吗？抑或三个月不出门，去下海边只为观察天空和海洋的颜色？ 在这个疯狂的世界里，只有偏执狂才能生存······

评分☆☆☆☆☆

大体中规中矩，说得过去。部分细节过于拖沓琐碎。 印象最深的是籍里科。为什么人家画成了呢，你敢把肺炎病人请回家做模特照着画吗？抑或三个月不出门，去下海边只为观察天空和海洋的颜色？ 在这个疯狂的世界里，只有偏执狂才能生存······

评分☆☆☆☆☆

本书的结构安排上，作者非常注重“地理”与“时间”的双重轴线。它不仅仅是简单地按照时间顺序罗列，而是巧妙地穿插了不同地域的艺术对话与冲突。比如，在讲到19世纪末欧洲对东方艺术（特别是日本浮世绘）的迷恋时，书中详细描述了这些外来元素如何被吸收、解构，并最终融入到后印象派乃至新艺术运动的风格之中。这种跨文化影响的探讨，远比孤立地研究某个国家或地区的艺术发展要来得深刻。我尤其欣赏作者对“古典主义”概念在不同文化间流变和被重新诠释的梳理。它揭示了一个事实：所谓的美学标准并非一成不变，而是随着贸易、战争和思想交流不断被重新协商。这本书让我意识到，学习艺术史，实际上就是在学习人类文明如何通过视觉符号来记录、反思和重塑自我认知的复杂过程。这种宏大叙事下的细节处理，让人读起来感到酣畅淋漓。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本书的时候，我本以为会是一本枯燥的教科书，充满着密密麻麻的人名和主义名称，但翻开后才发现，这简直是一场视觉盛宴与思想碰撞的交响乐。作者在叙述印象派的兴起时，那种笔法简直是神来之笔。他没有用高深的理论术语来定义“捕捉光影的瞬间”，而是通过描述当时巴黎社会生活的变迁，比如蒸汽火车、新兴的咖啡馆文化，来解释为什么艺术家们突然厌倦了古典主义的室内布景，转而去户外写生。我仿佛看到了莫奈在吉维尼花园里，一遍遍地尝试记录同一片睡莲在不同光线下呈现出的微妙色彩变化。这种将艺术史融入社会生活史的写法，极大地降低了阅读门槛，让原本高高在上的艺术名家变得鲜活起来，他们不再是遥不可及的符号，而是生活在那个特定时代、有着自己挣扎与追求的普通人。即便是对立体主义那种初看令人费解的几何分解，作者也用极其通俗易懂的方式，将其与爱因斯坦相对论的冲击力联系起来，让读者理解到现代艺术是对传统世界观的一次彻底颠覆。

评分☆☆☆☆☆

这本《外国美术简史》读起来，感觉就像是跟着一位知识渊博的向导，在世界艺术的殿堂里进行了一次穿越时空的漫步。作者的笔触非常细腻，尤其是在描绘古希腊雕塑如何从早期的僵硬转向后来的完美人体比例时，那种对历史脉络的梳理和对艺术演变背后社会文化因素的剖析，让人印象深刻。比如，书中对文艺复兴时期佛罗伦萨艺术氛围的描绘，不仅仅停留在对达芬奇、米开朗基罗作品的罗列上，而是深入探讨了美第奇家族的赞助如何催生了那样的艺术高峰，以及人文主义思想如何解放了艺术家的创造力。我特别喜欢作者在分析不同流派时，那种不偏不倚的态度，既赞扬了巴洛克艺术的恢弘气势和情感张力，同时也毫不避讳地指出了其背后的宗教和政治意图。阅读过程中，我仿佛能闻到空气中弥漫的松节油和石灰的味道，亲眼见证了艺术如何从服务于神权和王权，逐渐走向关注个体的内心世界和对现实的批判。这本书的优势在于，它不是简单地提供了一堆作品的图片和年代信息，而是构建了一个立体的、有机的艺术史网络，让读者能够理解每一件作品诞生的必然性与偶然性。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要真正欣赏一件艺术品，必须了解它背后的“反叛精神”。这本书在讲述20世纪初的现代艺术运动时，这一点体现得淋漓尽致。从野兽派的色彩狂欢到未来主义对机械速度的盲目崇拜，再到达达主义对一切既有价值体系的彻底嘲弄，作者成功地捕捉到了那个时代艺术家的焦虑和兴奋。尤其是在论及杜尚的作品时，篇幅虽然不长，但力度十足。作者清晰地阐述了“现成品”如何将艺术的定义权从创作者手中转移到观赏者和语境的构建上。这完全颠覆了我过去认为“艺术品必须由艺术家亲手精心制作”的传统观念。读完这部分，我再去看那些博物馆里的现代艺术作品时，心态完全不同了，不再急于寻找“美感”或“技巧”，而是开始思考艺术家想要对我传达的“问题”是什么。这种引导式的阅读体验，让我觉得自己的艺术鉴赏能力得到了实实在在的提升，不再是人云亦云地附和导览词。

评分☆☆☆☆☆

与其他同类书籍相比，《外国美术简史》在收尾部分的处理上显得尤为高明。它没有在二战后戛然而止，而是将笔触延伸到了战后的抽象表现主义，乃至波普艺术对大众文化的挪用。作者对波普艺术的分析，一针见血地指出了其对“原创性”的消解以及对消费主义的复杂态度——它是赞颂还是讽刺？书中对这种模棱两可的立场进行了深入探讨，让读者自己去衡量艺术与商业边界的模糊化。更重要的是，它留下了足够多的思考空间，比如关于数字艺术和全球化背景下艺术身份的重塑等当代议题，虽然没有深入展开，但作为一个“简史”，它成功地建立起一个坚实的基础，使读者能够带着历史的纵深感去面对当下的艺术现象。读完之后，我感觉自己有了一套新的“滤镜”去看待世界，不再只关注眼前的表象，而是能追溯到其深厚的历史渊源。这是一本真正能够改变你观看方式的指南。

评分☆☆☆☆☆

。。。必备

评分☆☆☆☆☆

多可爱的书啊~

评分☆☆☆☆☆

世界上最烂的美术史教科书没有之一。

评分☆☆☆☆☆

世界上最烂的美术史教科书没有之一。

评分☆☆☆☆☆

多可爱的书啊~