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出版者:生活·读书·新知三联书店

作者:苏海坡

出品人:

页数:374

译者:

出版时间:2012-11

价格:30.00元

装帧:平装

isbn号码:9787108041890

丛书系列:闲趣坊

图书标签:

• 戏曲
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《古今戏曲鉴赏指南》 一部深入剖析中国传统戏曲艺术精髓的百科全书式著作。 本书并非仅仅停留在对剧目的简单罗列与概述，而是旨在为广大戏曲爱好者、专业研究者以及初涉此领域的读者，提供一套系统、立体且富有洞察力的鉴赏框架与实践指南。我们深知，戏曲作为中国最具综合性的舞台艺术，其魅力深藏于唱、念、做、打的精妙结合，以及背后蕴含的深厚文化底蕴之中。 全书共分为四大卷，层层递进，力求构建一个完整而详实的戏曲认知体系。 --- 第一卷：戏曲之源——历史脉络与体制演变 本卷追溯中国戏曲的起源与流变，厘清其在不同历史时期的社会功能与艺术形态。 第一章：萌芽与雏形：从先秦乐舞到唐宋杂剧 详细考察了先秦的“雅乐”与“百戏”，阐述了汉代“角抵戏”与唐代“参军戏”的初步成熟。重点分析了唐代“燕乐”对后世声腔系统的深远影响。我们通过挖掘敦煌壁画、简牍等一手资料，重构了早期戏曲表演的现场氛围与观众生态。 第二章：元曲的黄金时代：关汉卿与杂剧的规范化 系统研究了元代杂剧的“一折四曲”结构，解析了宫廷与民间剧场的互动模式。书中详尽对比了关汉卿、白朴、马致远等代表作家的创作风格差异，并特别辟出章节，探讨了元杂剧在文学性与舞台可操作性之间的平衡艺术。我们关注了“南戏”在南方的并行发展，为后续声腔的融合埋下伏笔。 第三章：明清变局：传奇的繁盛与地方声腔的勃兴 明代中后期，以汤显祖为代表的“临川四梦”将传奇推向文学高峰，本书深入分析了这些作品中浪漫主义与人道主义精神的交织。同时，着重梳理了昆山腔（昆曲）的形成、发展及其对全国戏曲审美的提升作用，阐述了其如何成为“百戏之祖”的地位。清代则见证了花部声腔如秦腔、徽班等在地方的崛起，标志着戏曲艺术向更广阔的民间土壤扎根。 第四章：近现代的转型与坚守 聚焦于清末民初，传统戏曲如何应对西方戏剧的冲击与自身的现代化需求。详细分析了京剧的形成过程，即“徽汉合流”的艺术整合，以及梅兰芳等艺术家如何将传统艺术推向世界舞台，完成一次成功的文化输出与自我革新。 --- 第二卷：声腔之魅——音乐体系与演唱技巧 戏曲的灵魂在于“唱”，本卷致力于揭示不同声腔的音乐构造、韵律特点及其对情感的表达方式。 第一章：工尺谱的秘密与板式结构 深入浅出地讲解了戏曲特有的记谱法——工尺谱的构成原理，以及如何从谱子上理解音乐的进行。系统分析了“慢板”“中板”“快板”等板式的内在节奏逻辑，以及它们如何配合剧情的张力变化。 第二章：昆曲的典雅：水磨腔的精微 专论昆曲的“水磨调”，探讨其如何通过细腻的行腔、悠长的韵味来营造婉约、典雅的审美意境。书中收录了大量关于“韵白”和“过门”的乐理分析，并以经典曲牌为例，解析其在表演中“一板三眼”“一板一眼”的微妙区别。 第三章：花部声腔的活力与地域特色 分别对京剧的西皮、二黄体系、越剧的文戏曲白、川剧的高腔、湘剧的板腔等主流花部声腔进行技术剖析。重点在于区分不同声腔在气息运用、吐字归音上的地域性差异，以及它们各自擅长表现的戏剧类型（如刚健的武戏或细腻的闺怨）。 第四章：唱腔与表演的合一 探讨“唱做念打”中“唱”与其他元素如何相互渗透。例如，如何在板眼紧凑的武戏唱段中保持气息的连贯性，或如何在哀婉的慢板中融入“哭腔”与“泣音”的技巧。 --- 第三卷：身段之妙——程式化表演与角色行当 戏曲的“做”是高度凝练和符号化的艺术语言，本卷旨在解码这些程式背后的含义。 第一章：程式化的力量：符号与写意 阐述戏曲表演“写意不写实”的基本原则。详述“圆场”“亮相”“甩袖”“趟马”等基本功如何在舞台上，以有限的动作去暗示广阔的空间与复杂的内心活动。 第二章：行当的构建与审美定型 系统梳理生、旦、净、丑四大行当的形成历史、基本扮相与技术要求。重点解析了“老生的一本正经”“花旦的娇俏灵动”“净角的‘靠把’威严”等，并通过具体剧目片段进行图文对照解析。 第三章：“做”与“打”的技艺交融 详细介绍武戏的“功架”，包括翻、跌、扑、腾等技巧的训练要点与舞台呈现效果。同时，分析武生和武旦如何通过“做”来表达战斗的心理状态，而非单纯的杂技展示。 第四章：脸谱的语言与角色心理 脸谱不仅仅是化妆，更是角色的性格标签和命运暗示。本卷对不同色彩（如红忠、黑直、白奸）的象征意义进行深入解读，并结合历史考据，解析脸谱在不同历史阶段的演变趋势。 --- 第四卷：剧目精选与现代视野 本卷精选不同剧种的代表作进行深度赏析，并探讨传统戏曲在当代文化语境下的发展路径。 第一章：经典剧目深度剖析 选取《牡丹亭》《搜孤救孤》《霸王别姬》《窦娥冤》等十部跨越不同剧种和题材的里程碑式作品。每部作品均从“主题思想”“结构特色”“核心唱段赏析”“表演亮点”四个维度进行详尽的个案研究。 第二章：地域流派与家族传承 梳理了以程派、荀派、尚派、余派等为代表的著名艺术流派，分析了它们在唱腔、身段、情感处理上的核心差异与继承关系。这部分内容提供了进入具体艺术家艺术世界的钥匙。 第三章：戏曲与当代生活的对话 探讨传统戏曲如何与现代舞台艺术（如歌剧、话剧）进行嫁接与碰撞，分析新编历史剧和移植改编剧的得失。强调在保留核心“韵味”的前提下，如何利用现代舞台技术（灯光、舞美）来增强传统艺术的表现力，吸引新一代观众。 结语：戏曲的生命力 总结中国戏曲在数千年历史中展现出的强大生命力与适应性，鼓励读者从文本、音乐、表演三位一体的高度去欣赏和珍视这一国粹艺术。 --- 《古今戏曲鉴赏指南》以严谨的学术态度和饱满的热情，力求搭建起通往中国戏曲艺术殿堂的阶梯。本书的价值在于其跨越了单纯的“剧目介绍”层面，深入到艺术本体的构成、技艺的精微以及历史的语境之中，旨在让读者真正领会到那份“幽韵”与“沧桑”交织的独特美学体验。无论您是希望系统学习戏曲知识的学者，还是渴望在剧场中获得更深层次享受的普通观众，本书都将是您不可或缺的伴侣。

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这本书的语言风格，简直是一场华丽的文学冒险。我从未想过，可以将如此专业且充满“行话”的领域，用如此富有诗意的笔触来描绘。那些我原本完全不懂的术语，在作者的笔下，竟能幻化成一幕幕生动的画面。它不是单纯的记录，更像是一种“翻译”，将台上的无声语言，转化成了读者能够理解并共鸣的情感波澜。作者的用词考究，遣词造句之间，流露出深厚的文学功底，尤其是一些比喻和拟人手法，用得恰到好处，使得原本可能枯燥的理论阐述，瞬间变得鲜活起来。阅读过程像是在品鉴一件精美的瓷器，每一个转折、每一处纹饰，都值得停下来细细摩挲，品味其中的匠心。

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坦率地说，这本书的结构精巧得有些令人惊叹。它将宏大的历史背景、复杂的家族传承，以及个体在艺术追求上的挣扎与妥协，编织得密不透风，却又毫无斧凿之痕。每一章的结尾，都像是一个精心设计的悬念，迫使你必须翻开下一页去探寻“然后呢？”。我特别欣赏作者对“传承”这一主题的探讨，它不是简单地讲述谁教了谁，而是深入挖掘了知识和技艺在代际间传递时所产生的“损耗”与“升华”。书中那些关于师傅对徒弟的苛求，以及徒弟对传统的反叛与继承的复杂心理描写，极其真实和尖锐。它让我意识到，每一次的舞台创新，背后都有着巨大的勇气和牺牲。

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这部书给我带来了一种极其独特的阅读体验，仿佛我的思绪被那位作者牵引着，一同走进了那个充满烟云雾气、古乐悠扬的旧日梨园。它不像我读过的那些流于表面的戏曲史，而是深入骨髓地描摹了台上光影交错下的那些灵魂。我尤其欣赏作者对于“行腔”与“做派”的细腻捕捉，那种字里行间流淌出的，是对舞台艺术近乎虔诚的敬畏。每一次舞台的起落，不仅仅是角色的生旦净丑，更是几代人心血与汗水的凝结。书中对某位名角的眼神、手势，甚至是舞台上的一个细微的转身，都有着令人拍案叫绝的刻画。它让我明白，戏曲绝非老旧的遗物，而是活生生的、需要用生命去传承的“道”。读完后，我感觉自己像是刚刚从一场漫长的、令人心神俱醉的戏曲盛宴中醒来，耳边似乎还萦绕着那高亢却又婉转的锣鼓点。

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这是一本需要慢下来才能品出其韵味的“老酒”。初读时，我急于了解故事的脉络，但很快发现，这本书的魅力恰恰在于它的“慢”。它愿意花上大篇幅去描写一出戏的排练细节，一个道具的制作工艺，甚至是一段音乐的变奏原理。这种极致的细节控，对于追求快速阅读的现代读者来说或许是个挑战，但对于真正热爱传统文化的人来说，简直是福音。它强迫你放慢呼吸，去感受那种仪式感，去体会“慢工出细活”的真正含义。书中对那些被时代洪流冲刷殆尽的旧剧目和老艺术家们所倾注的深情，充满了怀旧的温暖，但也带着一种对逝去美好的无奈叹息，令人回味无穷。

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我得说，这本书的叙事节奏处理得相当老道，它并非线性推进，而是像一幅徐徐展开的工笔画，时而聚焦于某个具体的小片段，时而又将视角拉远，展现出整个行业的兴衰轮替。初读时，我有些不适应这种跳跃感，但很快就被其间人物命运的张力所吸引。作者似乎很擅长在繁复的背景信息中，精准地锚定住那个最能牵动人心的情感节点。比如，书中对某位“刀马旦”在战乱时期坚持排练的描写，那种在绝境中对艺术的坚守，读起来令人热泪盈眶。它探讨的不仅仅是艺术本身，更是艺术与时代、与个体命运之间那种剪不断理还乱的纠葛。我仿佛能嗅到旧戏箱子里木料与油彩混合的味道，那种历史的厚重感扑面而来，让人久久不能平复。

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翻书党

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当年歪曲的戏曲入门（八卦入门？

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那会捧角，这就是从前的八卦啦

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大杂烩

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多数为梨园中人亲手书写的掌故，男女之艰难各有侧重。女性若出名貌美势必被大人物留意，运气不好的常被骚扰，生活处于举步维艰与名利双收之间徘徊；男性最有感触是荀慧生一章，荀郎一生坎坷，少时学戏艰辛甚于其他三旦，人格与心灵双重摧残，如踩跷等病态艺术，晚年又遭受文革打击，不由使人感慨。