二十世纪音乐的和声技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐学院出版社

作者:[德] 瓦尔特·基泽勒

出品人:

页数:272

译者:杨立青

出版时间:2006-10

价格:33.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806922200

丛书系列:上音译丛

图书标签:

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音乐之维：探索中世纪到浪漫主义时期的和声演变 一卷跨越千年的和声史诗，一部深入理解西方音乐结构之美的权威之作。 本书并非聚焦于二十世纪的音乐革新与技法，而是将读者的目光引向一个更为悠久、同样充满深刻变革的时期：从格里高利圣咏的单音世界，到浪漫主义晚期和声语言的无限延展。我们致力于描绘一幅宏大而精微的图景，展示西方音乐在长达千年时间中，如何从对神圣声音的模仿与规范，逐步演化为表达人类复杂情感与哲学思辨的强大工具。 第一部分：根源与奠基——中世纪与文艺复兴的和声萌芽（约 500 年 – 1600 年） 本卷伊始，我们将追溯西方音乐的“原初之声”。音乐不再是单纯的旋律线条，而是开始探索声音的垂直组合。 第一章：单音的遗产与早期复调的诞生 格里高利圣咏的结构特征： 分析中世纪早期音乐的调式系统，探讨其与教会礼仪的紧密关系。重点解析教会调式（Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian 等）的音高排列及其对未来调性的影响。 奥尔加农的形成： 详细考察复调音乐的起源，从平行的四度、五度进行（平行奥尔加农）到更为自由的“自由奥尔加农”（Free Organum），如诺特丹学派的莱奥宁和佩罗坦的作品，揭示对位法的初步实践。 记谱法的革新： 论述纽姆记谱法如何逐步精确化音高和节奏，为复杂的和声结构提供了记录的可能。 第二章：奥尔斯·诺瓦与对位艺术的成熟 固定音高的确立： 研究中世纪晚期音乐的标志——“有生之乐”（Ars Nova），特别是纪尧姆·德·马肖的作品。分析等时性节奏（Isorhythm）在和声织体中的应用，以及对三度、六度和声的初步接纳。 早期三和弦的地位： 尽管三度（Tertiae）在早期常被视为不协和音程，但本章将阐述它们如何通过对位法的巧妙编织，开始渗透到音乐的肌理之中，预示着“协和”概念的转变。 文艺复兴的宁静与平衡： 聚焦于十五、十六世纪，分析约斯坎·德普雷和帕莱斯特里那等大师如何将复调技巧推向巅峰。探讨和声在对位织体中的“自然流淌”，而非刻意构建。重点分析无伴奏合唱音乐（A Cappella）中对位线条之间的垂直关系，以及“普适和声”（Pervasive Harmony）的特征。 第二部分：理性与情感的交汇——巴洛克时期的和声革命（约 1600 年 – 1750 年） 文艺复兴的平衡被打破，音乐进入一个充满戏剧性、对比和明确结构感的时代。 第三章：数字低音的兴起与功能和声的奠基 “第二实践”的降临： 详述蒙特威尔第为表达戏剧情感而对前一时代的和声规范所做的“炫技式”偏离。解析“不协和音的必要性”如何从一种特例变为一种新的表达手段。 数字低音（Basso Continuo）的运作原理： 深入剖析这一革命性实践如何确立了清晰的“旋律-和声”二元结构。分析低音线如何通过数字暗示来指导即兴演奏者构建和弦，从而标准化了和声的垂直组织。 和声功能的确立： 阐述主、属、下属（Tonic, Dominant, Subdominant）三和弦体系如何初步形成，并确立了强烈的导向性。分析清晰的终止式（Cadence）如何成为音乐结构的基本“句点”。 第四章：巴赫与和声的集大成 对位与和声的统一： 重点分析巴赫的《平均律键盘曲集》，解析其如何在一个统一的调性框架内，探索了所有大小调的可能性。研究他如何将复杂的对位技巧（如赋格、卡农）与清晰的功能和声进行无缝结合。 和声的色彩探索： 探讨巴赫对次属和弦（Secondary Dominants）、减七和弦（Diminished Sevenths）的运用，展示这些色彩是如何在保持调性中心稳定的前提下，增加乐思的张力和戏剧性。 调性关系的扩展： 分析巴赫如何利用远关系转调（Chromatic Mediant Relationships）来增加音乐的深度，为后世浪漫主义的色彩探索埋下伏笔。 第三部分：清晰与冲突——古典主义时期的和声规范化（约 1750 年 – 1820 年） 从巴洛克复杂的织体中解放出来，古典主义追求清晰的结构、平衡的旋律和逻辑严谨的和声进行。 第五章：奏鸣曲式的和声骨架 主调音乐的确立： 阐述古典主义时期对“清晰”的追求如何使得功能和声体系更加成熟和规范化。分析乐句的结构化如何依赖于稳定的终止式和明确的终止感。 奏鸣曲式中的调性冲突： 详细解析奏鸣曲呈示部中，对比呈示部（第二主题）与主部之间的固定关系（通常是属调或关系大调），以及再现部如何解决这种调性紧张。 海顿与莫扎特的精妙平衡： 通过分析这两位大师的作品，展示如何在严格的结构框架内，运用细微的和声色彩变化来塑造人物和情绪。例如，对莫扎特如何使用借用和弦（Borrowed Chords）来营造转瞬即逝的忧郁氛围。 第六章：贝多芬的突破与和声的潜力释放 情感的强力驱动： 探讨贝多芬如何将和声语言从服务于结构（古典主义）转变为服务于表达极端情感（浪漫主义的先声）。 和声的长度与密度： 分析贝多芬如何拉伸和声的停顿时间（Harmonic Rhythm Slowdown），使听众长时间停留在特定的和声色彩上，增强戏剧张力。 非功能性和弦的出现： 研究他如何大胆使用增六和弦（Augmented Sixth Chords）和更复杂的半音色彩，挑战了传统的功能性连接，预示着浪漫主义对和声自由的渴望。 第四部分：色彩的沉醉——浪漫主义的和声拓展（约 1820 年 – 1900 年） 本部分聚焦于音乐如何日益将和声视为独立的审美实体，服务于对无限、崇高和个体情感的描绘。 第七章：调性的膨胀与色彩的深化 舒伯特与“即兴”的和声漫步： 分析舒伯特如何利用突然的、看似不合逻辑的远关系转调（如纯五度、大三度关系）来营造一种宿命感或诗意的冥想状态。 肖邦与钢琴的和声语汇： 深入研究肖邦如何通过在既有和声框架内大量使用装饰性音型和复杂的转位，来丰富和弦的音响质感。分析其对九和弦、十一和弦等高叠和弦的偏爱。 瓦格纳与“特里斯坦和弦”： 这一章节将集中探讨浪漫主义晚期对调性中心（Tonal Center）的侵蚀。详尽分析“特里斯坦和弦”的结构、功能模糊性及其在乐曲中对渴望与延迟的描绘，标志着功能和声体系开始面临崩溃的边缘。 第八章：印象主义与最后的挣扎 李斯特与和声的“纯粹化”： 考察李斯特如何通过全音阶（Whole-Tone Scale）和某些全音阶和弦，来消除传统调性的引导性，追求一种不确定的、漂浮的声音质感。 晚期德奥作曲家的和声饱和： 分析布鲁克纳和马勒作品中，和声如何变得极其厚重和复杂，常常使用多重延伸和弦（如十三和弦）来表达宏大叙事和存在的焦虑。 法国的色彩转向： 展望德彪西的前奏，尽管其创作活动已进入二十世纪，但其和声观念（如平行五度、非功能性和声的广泛使用）的根源，正是对瓦格纳式和声饱和的直接反叛和解放。 总结： 本书旨在为学习者提供一个清晰的脉络，理解西方和声语言是如何从神圣的、规范化的工具，演变为一种极具个性化、色彩斑斓且充满潜在张力的艺术媒介，为理解后续二十世纪音乐的巨变奠定坚实的历史与理论基础。

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20世纪的现代音乐中还存在和声么？作者首先对这一问题进行了充分论证，结果无疑是存在的。在作者对此问题的论证过程中，我们可以一窥20世纪作曲家和音乐学家对于和声在音乐中位置的不同看法，也是20世纪音乐观念发展的一个缩影。 20世纪的和声技法五花八门，不可能像传统和声那...

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20世纪的现代音乐中还存在和声么？作者首先对这一问题进行了充分论证，结果无疑是存在的。在作者对此问题的论证过程中，我们可以一窥20世纪作曲家和音乐学家对于和声在音乐中位置的不同看法，也是20世纪音乐观念发展的一个缩影。 20世纪的和声技法五花八门，不可能像传统和声那...

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20世纪的现代音乐中还存在和声么？作者首先对这一问题进行了充分论证，结果无疑是存在的。在作者对此问题的论证过程中，我们可以一窥20世纪作曲家和音乐学家对于和声在音乐中位置的不同看法，也是20世纪音乐观念发展的一个缩影。 20世纪的和声技法五花八门，不可能像传统和声那...

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这本厚厚的砖头书，拿到手里就沉甸甸的，封面设计得相当朴素，黑底白字，透着一股子严肃劲儿。我本来对二十世纪音乐抱持着一种敬而远之的态度，觉得那玩意儿听起来就像是乐器在互相打架，充满了不和谐音和怪异的节奏。可翻开这本书后，我才发现自己错得有多离谱。作者的叙述方式非常引人入胜，他没有一上来就抛出一堆晦涩的理论术语，而是像一位经验丰富的向导，带着我们一步步走进了那个音乐大变革的时代。 书的第一部分着重于对瓦格纳晚期和德彪西和声语言的深入剖析，这部分内容对我来说尤其受用。以往我总觉得印象派音乐只是色彩的堆砌，但书中清晰地梳理了这些作曲家如何系统性地打破了传统的调性框架，比如全音音阶、增三和弦的自由运用，以及如何通过和声色彩来营造特定的“氛围”而非推动功能性的和声进行。作者的讲解总是配有大量的乐谱实例，而且这些例子都选得恰到好处，让人能够立即将抽象的理论与听觉体验联系起来。我甚至花了好几个下午，对着乐谱对照着录音反复聆听，试图捕捉到那些微妙的和声色彩变化，那种豁然开朗的感觉真是美妙。

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对于一个业余的音乐爱好者来说，这本书的阅读体验是分层次的。初读时，你会被那些生僻的专有名词和复杂的分析图表吓退，觉得它更像是一本教科书。但如果你坚持读下去，尤其是在读到关于作曲家个人创作哲学和时代背景分析的那几章时，你会发现作者的笔触变得非常流畅和富有洞察力。他将和声技法置于整个二十世纪社会思潮的背景下考察，比如战争对音乐情绪的影响、技术进步对音色探索的推动。这种宏大的叙事视角，使得那些原本枯燥的和声规则，都披上了一层历史和人性的光环。它让我意识到，音乐的演变从来不是孤立的，而是人类精神活动最敏感的晴雨表。

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我特别欣赏作者在处理不同学派观点时的中立和平衡。在谈到新古典主义和序列主义的冲突时，他没有简单地站队，而是清晰地勾勒出斯特拉文斯基、欣德米特这些作曲家回归“秩序”的动机，以及布列兹、施托克豪森如何将序列化的思想推向极致。书中对节奏和复调织体分析的部分，篇幅虽然不如和声部分多，但同样精彩。他指出，二十世纪的和声革新往往伴随着节奏的碎片化和复杂化，比如多重节拍和非对称节奏的运用，这些如何反过来影响了和声的听感和结构。读完这部分，我再去听一些后期的电子音乐或极简主义作品时，忽然能听到其中隐藏的“古典”的、结构性的脉络，这种跨越流派的洞察力是这本书最大的价值所在。

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这本书的学术深度是毋庸置疑的，它绝不是那种走马观花的普及读物。尤其是在探讨勋伯格从晚期浪漫主义向无调性过渡的章节，简直是一场严谨的智力挑战。作者详细考察了十二音体系的形成过程，不仅限于介绍其规则，更着重分析了这种体系是如何从作曲家对传统调性的“厌倦”中自然而然地生长出来的。他运用了非常精密的分析工具来解构那些早期的无调性作品，比如《月光下的彼埃罗》，揭示了看似随机的音高组织背后所蕴含的严格的结构逻辑。坦白说，有些地方我需要查阅好几遍定义才能完全理解，但这种“咬着牙”去理解的过程，反而让我对二十世纪音乐的复杂性产生了更深的敬畏。它让你明白，那些听起来“奇怪”的音符，背后是经过深思熟虑的理性构建。

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这本书的“缺点”可能在于其详尽程度本身。对于仅仅想了解“二十世纪音乐听起来为什么怪”的普通听众来说，这本书的门槛有点高，它需要读者具备一定的基本乐理知识作为支撑。但我认为，正是这种不妥协的专业性，让它成为了一个可靠的参考工具。书后的索引做得非常完善，涵盖了主要作曲家、技术术语和特定的和声现象，方便我随时回查。总而言之，这是一部既有理论深度、又有历史广度的杰作。它成功地将一个令人生畏的音乐时期，系统化、可理解地呈现在读者面前，极大地拓宽了我对“什么是和谐”的理解边界。这本书放在我的书架上，我感到非常踏实。

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翻译太差，不通顺。但是后面有词汇表，能让你知道翻译得有多差。冲这份实诚，多一星。

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