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出版者:Routledge

作者:Susan Hayward

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-07

价格:USD 24.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415227407

丛书系列:

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《影史纵横：光影的叙事与变革》 这是一部深度剖析电影发展历程的巨著。本书并非对某部特定影片进行流水账式的叙述，而是聚焦于电影艺术本身，从其诞生之初的粗犷剪影，到如今数字时代下的无限可能，勾勒出一幅宏大而细腻的视觉文化演变图景。 本书将带领读者穿越时光的隧道，追溯电影作为一种新兴艺术形式如何从技术实验走向大众媒介。我们将审视那些奠定电影语言基础的早期实践，例如卢米埃尔兄弟的纪实风格，梅里的埃尔富有想象力的奇幻构建，以及格里菲斯在叙事结构和剪辑技巧上的开创性贡献。这些早期探索不仅塑造了电影最初的模样，也为后来的电影人留下了宝贵的遗产。 随后，本书将深入探讨电影艺术在不同国家和地区蓬勃发展所形成的独特流派和美学风格。从法国新浪潮的颠覆与革新，意大利新现实主义对社会现实的深刻关注，到好莱坞黄金时代的辉煌成就，再到东方电影的独特东方美学，每一章节都将通过精选的代表性作品和导演，剖析其核心思想、艺术手法以及在电影史上的重要地位。我们将考察这些流派如何回应各自的时代背景、社会思潮和文化语境，并如何以各自的方式拓展电影的边界。 除了对特定流派的分析，本书还将系统地探讨电影的内在机制与叙事策略。我们将深入研究镜头运动、景别运用、剪辑节奏、色彩调度、灯光设计等视觉元素如何共同构建影片的情感氛围和叙事张力。同时，本书也将关注电影的叙事结构，从古典叙事到非线性叙事，从经典三幕剧到后现代的碎片化表达，探讨不同叙事模式如何影响观众的观影体验和对影片意义的理解。 电影不仅仅是一种艺术形式，更是一种强大的文化和社会力量。本书将进一步考察电影如何反映、塑造甚至挑战社会观念、政治意识形态和性别认同。我们将审视不同时期电影中所蕴含的社会议题，例如阶级冲突、种族歧视、女性解放、战争创伤等，以及电影如何成为公众讨论和反思的平台。同时，本书也将探讨电影作为一种全球性媒介，如何在不同文化之间进行传播、交流和碰撞，催生出新的艺术形式和表达方式。 进入20世纪末和21世纪，数字技术的飞速发展为电影带来了前所未有的变革。本书将分析数字摄影、电脑特效、3D技术等新媒体形式如何重塑电影的制作流程、视觉呈现和观众体验。我们将探讨这些技术进步在带来无限创作可能性的同时，也引发的关于真实性、虚拟性以及电影本体性的讨论。从独立电影的独立精神到商业大片的工业模式，从流媒体平台的兴起到传统院线的转型，本书将全面审视当下电影产业的多元生态和未来走向。 《影史纵横：光影的叙事与变革》是一部面向所有对电影艺术抱有热情和好奇心的读者的作品。无论你是电影爱好者、学生，还是对视觉文化发展感兴趣的研究者，本书都将为你提供一个广阔而深刻的视角，让你重新认识和理解电影这项迷人的艺术。本书致力于通过严谨的学术分析和流畅的叙述，引导读者在光影的世界中进行一次深刻而富有启发性的探索之旅。

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这本书的章节划分着实考验了读者的耐心，坦白说，它的大部分内容都集中在对电影美学形式的极端技术化分析上。例如，书中花了相当大的篇幅来讨论变焦镜头（Zoom Lens）在特定历史时期（特别是20世纪60年代末）被赋予的政治含义，将其与运动和主体性的不稳定联系起来，这种挖掘深度令人叹服。但同时，对于当代数字电影技术和流媒体平台对电影定义的影响，似乎着墨不多，使得这部作品在时间跨度上略显保守。我个人最喜欢的是它对“景观社会”理论如何应用于大型商业大片（Blockbuster）的批判性分析，它成功地将大众文化现象置于严肃的哲学框架下进行拷问，让人在享受视觉奇观的同时，也能警惕被其麻痹。它的语言选择偏向于学术论辩，充满了德语哲学引用的痕迹，对于习惯于美式清晰叙事的读者来说，可能需要反复阅读才能完全消化其复杂的句式结构和术语体系。总而言之，它是一面审视电影作为一种意识形态工具的棱镜，而非一部简单的观影指南。

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读完这本书，我感觉自己对电影叙事的“潜文本”有了全新的认识。它没有停留在对情节和人物的表面解读，而是深入探讨了声音设计是如何在不被注意的情况下操纵观众情绪的。书中关于“非同步音响”（Asynchronous Sound）的章节，通过对希区柯克和希区柯克之外的导演作品对比，清晰地展示了声音如何成为叙事冲突的载体，而非仅仅是画面的附属品。我记得有一段分析，详细对比了古典好莱坞与意大利新现实主义在场面调度中对“空间感”的不同处理方式——前者追求封闭的戏剧性，后者则拥抱开放的、不可控的环境。这种细微的差别，正是构建不同意识形态的关键。文字风格上，作者展现出一种学者特有的克制与精准，但偶尔流露出的那种对电影艺术纯粹之美的热爱，还是能轻易地穿透那些坚硬的理论外壳，触动人心。这本书并非轻松的娱乐读物，它更像是一次对既有观看习惯的“视觉清洗”，迫使你放下习惯性的消费模式，转而用解剖刀去审视每一帧画面的意图。

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这本书的价值在于它提供了一种“反向工程”的思维方式。它不是教你如何拍摄出一部好电影，而是教你如何拆解一部电影，探究其内部的机械结构和驱动力。特别是关于光影处理的部分，作者将物理学知识与美学表达完美结合，详尽阐述了不同光源色温和硬度如何影响角色的心理状态和叙事氛围。我发现，通过书中对特定导演（例如塔尔科夫斯基或贝拉·塔尔）光线哲学的深度剖析，我对“慢电影”的理解上升到了形而上学的层面。他们笔下的光影，不再仅仅是照明，而是一种存在与虚无的对白。美中不足的是，书中对不同国家电影工业体系的比较研究略显不足，似乎更侧重于欧洲的艺术电影传统，对亚洲电影，尤其是当代东亚电影的叙事创新，缺乏足够的关注和系统分析，这是一个略感遗憾的遗漏。这本书对深度思考者的奖励是丰厚的，但它需要你投入大量的时间去沉浸其中，去与作者进行一场漫长而艰深的智力对话。

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这部作品的深度和广度令人惊叹，简直是一部关于电影语言的百科全书。作者在梳理经典理论流派时，不仅对巴赞的真实性理论和爱森斯坦的蒙太奇理论进行了透彻的阐释，还巧妙地引入了后结构主义对作者性（Authorship）的解构视角。我尤其欣赏它对“场域”（Field）概念的引入，它帮助我理解了电影制作中技术、资本与意识形态之间的复杂互动关系。书中的案例分析细致入微，从早期默片时代的节奏控制到新浪潮电影中手持摄影的颠覆性运用，每一个分析点都辅以具体的镜头描述和场面调度图示，让读者仿佛身临其境，亲自参与到电影的解剖过程中。然而，对于那些期待获得快速入门指南的初学者来说，这本书的理论密度可能略显挑战，它要求读者具备一定的电影史基础知识和批判性思维的准备。它更像是一份为严肃的电影研究者准备的工具箱，工具箱里的每一件工具都打磨得锃亮，但如何将它们组合成精妙的分析结构，还需要读者自己去实践和摸索。全书的结构严谨，章节间的逻辑推进如同精密的电影剪辑，层层递进，引人入胜。

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与其说这是一本研究电影的书，不如说它是一本关于“观看的伦理学”的著作。作者巧妙地利用了电影的视觉特性来探讨我们如何感知真实、如何与银幕上的他者建立联系。书中关于“凝视”（The Gaze）理论的讨论，超越了传统的男性凝视批判，深入探讨了技术设备（如无人机、监控摄像头）如何构建出一种全新的、去中心化的权力凝视。我被其中关于“缺席的在场”（Presence in Absence）的章节所震撼，它探讨了在剪辑中被删除的素材和被忽略的背景人物是如何反过来定义了主体叙事的边界。这种对“留白”和“未被言说之物”的关注，极大地拓宽了我对叙事空间的理解。这本书的行文风格非常具有个人特色，充满了一种近乎诗意的疏离感，仿佛作者本人就在一个高塔之上，冷静地俯瞰着整个电影史的潮起潮落。对于希望理解电影深层结构和哲学隐喻的读者来说，这是一次不容错过的思想旅程，尽管它的结论往往是开放的、充满悬而未决的张力，而非给出明确的答案。

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Bible of screen studies

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一本充斥着作者偏见的工具书我不知道能有什么用。。。

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一本充斥着作者偏见的工具书我不知道能有什么用。。。

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