具体描述
What the industry's most succcessful writers and directors have in common is that they have mastered the cinematic conventions specific to the medium.
作者简介
詹尼弗•范茜秋（Jennifer van Sijll），毕业于美国南加州大学影视系，获电影艺术硕士学位。她在旧金山教授编剧课程，在加州大学伯克利继续教育学院教了六年周末强化剧作课程，并定期在洛杉矶和旧金山担任影视剧顾问。此外，詹尼弗还为黄金时段的电视节目写故事大纲，并为环球影业公司、独立制片人及付费电视承担剧本分析的工作。1994年，她获得潘纳维申新影人奖（Panavision New Filmmaker award）；1995年，因丰硕的教学成果获得圣荷塞州立大学（San Jose State University）吉利安荣誉教职（Gilliand Chair）。
目录信息
读后感
这本书早前看过。 看到标题的确让人足够吸引的，但事实是在阅读过程中，这本书并不能满足此前过高的期待。 这本书的特点是全，也正是因为这个原因，作者只能浅。鉴于作者的职业背景，从本人的行业角度来看，尤其“声音”这一块的确是写得很外行，以致本人怀疑作者在这方面有...
就像是看文学理论教程之类的理论教科书一样，一些作家把习以为常的东西，揉碎了讲给你，让你恍然大悟。这本书也一样，对于我这种小影迷来讲，会更加理解一些场景安排，对话设计，人物动作等，而看到更加深厚的电影。
就像是看文学理论教程之类的理论教科书一样，一些作家把习以为常的东西，揉碎了讲给你，让你恍然大悟。这本书也一样，对于我这种小影迷来讲，会更加理解一些场景安排，对话设计，人物动作等，而看到更加深厚的电影。
就像是看文学理论教程之类的理论教科书一样，一些作家把习以为常的东西，揉碎了讲给你，让你恍然大悟。这本书也一样，对于我这种小影迷来讲，会更加理解一些场景安排，对话设计，人物动作等，而看到更加深厚的电影。
空间 X轴 从左往右是舒适的，营造反面角色的不适感，会让他从右入画。画面的观众舒适区。 下降对角线 ，重力有助于下降，左上到右下 上升对角线，从右往左的上升是最困难的运动，与视觉习惯相悖 Z轴，景深可以做到改变人物运动的大小和相对大小 Z轴，移焦镜头（转移焦点） 作用...
用户评价
这本书对于那些渴望突破自己叙事瓶颈的创作者来说，简直是一剂强心剂。我最近在尝试写一个短片剧本，卡在中间部分，感觉情节发展像一潭死水。翻阅这本书时，我无意中读到了关于“场景功能性”的探讨。作者强调，每一个场景都必须承担至少一个推动情节或揭示人物的任务，否则就应该被无情地删除。这个观点狠狠地震醒了我。我回去审视我的剧本，发现好几个场景纯粹是“过渡性废话”。这本书没有给我具体的“该怎么写”的答案，而是提供了一种强大的“筛选工具”和批判性思维框架。它的语言风格非常直接、有力，没有半点含糊其辞的地方，读起来让人有一种被激发出创作热情的冲动。它不是教你如何模仿大师，而是教你如何理解大师之所以成为大师的核心逻辑。对我来说，这本书的意义更像是一面镜子，让我看清了自己叙事思维中的盲点和惯性，是近年来我读到的最具启发性的创作指南之一。
说实话，我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论大部头，毕竟“电影叙事”听起来就挺学院派的。没想到，这本书的结构设计简直是教科书级别的优秀。它不是那种堆砌术语的百科全书，而是更像一位耐心的导师，牵着你的手，一步步从最朴素的“起因-经过-结果”开始，慢慢过渡到更复杂的“主题深化”和“多线叙事”。我特别欣赏作者在讨论“冲突设计”时的那种深入骨髓的洞察力。他不是简单地说“要有冲突”，而是详细分析了内部冲突、外部冲突以及两者之间的辩证关系，并配上了大量跨越不同时代和风格的影片片段作为佐证。特别是关于“悬念设置”的章节，它提供了一套实用的“信息不对称管理法”，让我茅塞顿开——原来高明的悬念不是藏着掖着，而是在恰当的时机给予观众恰到好处的已知信息，让他们在安全感和未知恐惧之间来回拉扯。这本书的价值在于，它既能满足专业人士对深度理论的需求，也能让业余爱好者从中找到实践的方向，真正做到了雅俗共赏，理论与实践的完美结合。
我是一个对“情绪渲染”特别敏感的观众，看电影时最在乎的就是被故事“抓住”的感觉。这本书中关于“情感共振点”的分析，简直太精准了。作者没有停留在泛泛而谈“要引起观众的共鸣”，而是深入剖析了如何通过蒙太奇手法、配乐的层次变化，乃至演员微表情的捕捉，来精确调控观众的情绪曲线。书里有一段关于如何利用“预期违背”来制造惊喜或悲剧效果的论述，分析得极其精妙，让我对过去那些经典反转桥段有了更深层次的理解。它用一种近乎科学的态度对待艺术创作中的“感性”部分，这使得这本书的指导性极强。我特别喜欢它引用的那些跨文化、跨媒介的例子，显示出作者的视野非常开阔。它强调的是“普世的人类经验”，而不是特定地域或时代的叙事套路。这本书的阅读体验，就像是在一位经验丰富的导演的脑海里进行了一次深度访谈，充满了洞见和对细节的极致追求。
这部电影制作的入门指南，简直是为我这种对幕后工作充满好奇的门外汉量身定制的。作者似乎拥有一种神奇的能力，能将那些看似高深莫测的叙事技巧，拆解成一个个清晰易懂的步骤。从最基础的场景构建，到如何用镜头语言烘托情绪，再到角色弧光的精妙处理，讲解得丝丝入扣。我印象最深的是关于“视觉节奏”那一章，它彻底颠覆了我以往看电影只关注情节的习惯。原来，剪辑点、运镜方式甚至是景深的运用，都在无声地调动着观众的呼吸。书里提供了大量的经典案例分析，比如对某部老电影高潮部分的镜头拆解，分析得极其到位，让我不得不佩服作者深厚的理论功底和丰富的实战经验。更难得的是，它不像很多技术书籍那样枯燥乏味，作者的文笔非常生动，总能用生动的比喻把复杂的概念讲得像在听一个有趣的故事。读完后，我再去重温那些熟悉的影片时，感觉就像是拿到了一份“幕后剧本”，看到的层次和细节完全不一样了，对“讲故事”这件事的理解上升到了一个新的维度。
从排版和配图的角度来看，这本书也做得非常出色，完全配得上它所探讨的主题——电影感。大量的留白、清晰的图示和精选的剧照，使得原本厚重的理论知识变得非常易于消化。我发现自己并非被动地接受信息，而是在主动地进行“阅读解码”的过程。作者在探讨“节奏控制”时，甚至用到了音乐的休止符理论来类比画面的停顿，这种跨学科的类比非常具有启发性。这本书的整体基调是鼓励探索和实验的，它不断地在提醒读者：规则是用来理解的，而不是用来束缚的。它似乎在对每一个读者说：“你心中有一个独特的故事，这本书给你提供一把钥匙，去开启它如何被最佳呈现的秘密。”我发现自己读完之后，不再满足于仅仅“看懂”一部电影，而是开始思考创作者在每一个关键决策背后的复杂权衡。这本书不仅是关于“如何讲故事”，更是关于“如何思考一个故事如何才能站得住脚”的思维训练手册。
电影创作元素的入门级读物，大量的图片实证是精彩亮点。有些校订小错。对各种元素的介绍都非常浅显，只适合入门粗读。
电影创作元素的入门级读物，大量的图片实证是精彩亮点。有些校订小错。对各种元素的介绍都非常浅显，只适合入门粗读。
m已看。
还不错一本书，不是技术是纯理论，很基础。用电影讲故事的形式有哪些，这种形式和文学和其他的艺术又有什么不同。对于初学者和对电影有兴趣的人很适合，总之很有收获，尤其是我非常需要快速熟悉关于电影的各种英文术语。有一个亮点是里面有很多公开和未公开的电影剧本可供参考。
还不错一本书，不是技术是纯理论，很基础。用电影讲故事的形式有哪些，这种形式和文学和其他的艺术又有什么不同。对于初学者和对电影有兴趣的人很适合，总之很有收获，尤其是我非常需要快速熟悉关于电影的各种英文术语。有一个亮点是里面有很多公开和未公开的电影剧本可供参考。
