中国电影专业史研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国电影出版社

作者:杨远婴

出品人:

页数:611

译者:

出版时间:2006-1

价格:76.00元

装帧:

isbn号码:9787106023348

丛书系列:中国电影专业史研究

图书标签:

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影视流变：二十世纪西方电影的叙事与美学革新 图书简介 本书深入剖析了二十世纪西方电影（主要聚焦于1900年至1990年间）在叙事结构、视觉语言和美学思潮上的关键演变历程。我们避开了对特定国家电影产业史的宏观梳理，而是着重考察那些具有普适性和颠覆性的电影技术、风格范式以及理论思潮，如何共同塑造了当代电影的“语法”。全书分为三个主要部分，力图呈现一部关于“电影如何讲述故事”以及“电影如何观看世界”的批判性编年史。 第一部分：静默的张力与早期叙事基础（1900–1927） 本部分聚焦于默片时代，电影作为一种新兴艺术形式，在摸索中建立其核心的视觉沟通机制。我们首先考察了早期梅里爱（Méliès）和卢米埃尔兄弟（Lumières）对影像记录与奇观构建的奠基性贡献。重点分析了“格里菲斯时代”的叙事规范化过程，特别是对平行剪辑、景别变化和镜头运动的系统化运用，这些规范如何高效地服务于传统的线性、因果驱动的故事讲述。 然而，我们同时强调了对这些既有规范的反叛与探索。例如，对苏联蒙太奇学派（爱森斯坦的知识性拼贴、普多夫金的情感逻辑）的深入解读，展示了电影如何超越单纯的“记录”和“讲述”，转向对观众心理和意识形态的直接干预。我们详细剖析了如《战舰波将金号》中“敖德萨阶梯”段落的节奏切割、时间拉伸和对立意象的并置，这些技术元素被视为对传统好莱坞连续性剪辑（Continuity Editing）的第一次重大美学挑战。 此外，本部分还探讨了早期欧洲先锋派电影（如德国表现主义和法国印象派）如何将主观情绪、梦境逻辑和非现实主义的布景与灯光引入叙事结构，预示了日后“作者电影”对客观现实的疏离与重构。重点分析了魏斯（Wiene）和穆瑙（Murnau）如何通过光影对比、变形的景深和非自然主义的空间设计来外化人物的内在焦虑。 第二部分：有声时代的风格化与类型实验（1927–1960） 有声电影的出现并非简单地增加了对白，而是引发了一场深刻的“声景”革命。本章首先研究了声音如何被整合进原有的视觉语言体系，并探究了早期音乐剧和有声惊悚片（如弗里茨·朗的回归）中，声音如何被用作叙事推进、烘托气氛或制造戏剧性反转的工具。我们着重分析了声音的“去同步化”和“画外音”的创造性使用，以避免声音成为束缚镜头的枷锁。 这一时期，好莱坞的经典制片厂体系将类型片推向成熟。本书侧重于分析“类型片”如何成为美学实验的载体，而非仅仅是公式的重复。例如： 1. 黑色电影（Film Noir）的视觉哲学： 探讨其受德国表现主义影响的低角度、深阴影布光，以及对宿命论叙事的结构性偏好。黑色电影并非一个单一的风格，而是一种在战后语境下对美国社会幻象破灭的视觉化表达。 2. 边际化的作者声音： 审视一些导演如何在其被严格监管的商业制作中，植入个人化的视角和晦涩的潜台词。我们考察了希区柯克（Hitchcock）如何通过对悬念的精妙控制和对人物心理的聚焦，将类型片提升至对人类道德困境的探讨层面，强调他如何通过“限制视角”和“信息不对称”来操纵观众的感知。 3. 意大利新现实主义的去戏剧化： 作为对战时华丽制作的反动，新现实主义摒弃了复杂的剪辑和布景，转而采用即兴表演和自然光，这实际上是对“电影真实性”概念的重新定义，它挑战了传统好莱坞对“可信度”的单一标准。 第三部分：反传统与后现代的碎片化（1960–1990） 后五十年代的电影运动标志着对电影“文法”的彻底质疑和解构。本部分重点探讨了法国新浪潮（Nouvelle Vague）对电影时空观的颠覆。我们分析了特吕弗（Truffaut）和戈达尔（Godard）如何系统性地运用“跳接”（Jump Cut）、即兴手持摄影、对摄影机运动的自我意识展示，以及打破第四面墙，目的在于揭示电影制作的虚构本质，强迫观众成为主动的解读者，而非被动的接受者。 随后，我们将目光投向更具颠覆性的美学形式： 慢速电影与冗余时间： 考察如安东尼奥尼（Antonioni）后期作品中，对“非事件”和人物疏离感的长时间凝视。这种对时间的拉伸，旨在表达现代都市生活中意义的消解和主体性的迷失，与早期快速叙事形成鲜明对比。 欧洲的“慢镜头”与沉浸： 深入分析伯格曼（Bergman）和塔可夫斯基（Tarkovsky）如何利用极慢的推轨、长时间的固定镜头和对自然元素的深度描绘，构建出一种近乎宗教体验的“雕塑在时间中”的美学。这是一种对叙事效率的彻底背离，转而追求一种内省式的、形而上的沉思。 后现代的元叙事： 探讨七十年代末至八十年代，电影如何开始自我指涉和挪用。我们分析了诸如菲利普·迪科的文学改编作品如何渗透到影像语言中，探讨了电影对自身历史的引用、戏仿与拼贴，反映出一种对宏大叙事终结的文化感知。 全书的结论部分总结了这些技术与美学的创新如何共同作用，为当代电影的多元化发展奠定了基础，强调了西方电影史中，创新往往源于对既有美学范式的系统性反叛与重构。

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阅读这本书的过程，更像是一场穿越历史的深度访谈，作者的叙事功力实在高超。他不像某些历史学家那样，只抛出冰冷的年代和事件，而是擅长挖掘那些隐藏在光影背后的时代精神与个体挣扎。我仿佛能听见默片时代那些伶人高亢的唱腔，也能感受到新中国成立初期，电影人肩负的意识形态重任。他将宏大的历史背景与微观的个体命运巧妙地编织在一起，使得那些原本抽象的“发展阶段”鲜活了起来。每当读到一个关键的转折点，比如某一重要电影流派的兴衰，作者总能提供多重视角进行剖析，既有对创作手法的精妙解读，也有对当时社会土壤滋养的深刻洞察。这种多维度、立体化的叙事，极大地丰富了我对电影作为一种社会文化现象的认知深度。

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这部书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那深邃的靛蓝色调，配上烫金的标题字体，散发出一种沉稳而又不失厚重的学术气息。初次捧起时，那种纸张细腻的触感和微微散发的油墨香，立刻将我带入了一种专心研读的氛围。内页的排版也极为考究，字体大小适中，行距疏密得当，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。尤其值得称赞的是，书中的一些关键概念和历史节点，都配有清晰的图表和辅助说明，这对于理解复杂的历史脉络无疑提供了极大的便利。我特别喜欢它在章节过渡时所采用的留白设计，让读者在思维切换时有片刻的喘息，保持阅读的连贯性和节奏感。整体来看，从触觉到视觉，这本书在物理层面的呈现，完全符合一本严肃研究著作应有的水准，体现了出版方对学术品质的尊重与追求。

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读完后，我的第一感受是，这部作品对当下电影创作者的启发性是惊人的。它不仅仅是一部历史回顾录，更是一份充满智慧的“使用说明书”。作者在分析过去成功案例时，并未停留在赞美，而是犀利地指出了那些辉煌背后的限制与局限。例如，在论及特定历史时期商业类型片的探索时，他深入剖析了艺术追求与市场接受度之间的永恒张力，这种对复杂性的坦诚揭示，比简单的成功学解读要宝贵得多。它促使我反思：今天的中国电影，在追求国际化表达的同时，如何更有效地提炼和释放我们独特的文化能量？这本书就像一面镜子，映照出历史的路径，也照亮了未来的可能方向。

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这本书的学术价值，体现在其严谨的考据和前瞻性的理论框架构建上。作者显然花费了大量精力在档案挖掘和一手资料的整理上，许多被学界忽视的早期电影人访谈记录和内部报告被重新引入视野，这为后续研究提供了坚实的基石。我尤其欣赏书中对于“中国特色”电影美学体系的界定和辨析。它没有盲目套用西方既有的理论模型，而是扎根于本土的文化土壤，提出了自己独到的解释路径。在论述过程中，作者的逻辑链条清晰且密不透风，每一个论点都有扎实的文献支撑，使得整本书的论证力量非常强劲。对于任何想要进行深入学术探索的后继者来说，这本书无疑是一座难以逾越的里程碑，是必须反复参阅的“案头书”。

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不得不提的是，作者在处理那些敏感和复杂的历史时期时的笔触，显示出极高的职业素养和人文关怀。在描述某些关键历史转折点对电影产业带来的冲击时，他既保持了客观中立的立场，没有采取简单的道德审判，同时也饱含着对受影响个体的深切同情。这种平衡的姿态，使得全书的阅读体验非常“干净”——没有不必要的煽情，却处处流露出对历史的敬畏。在我看来，一部真正的史学著作，其力量不仅在于记录“发生了什么”，更在于引导读者思考“为什么会发生”以及“我们应该如何铭记”。这本书在这方面做得尤为出色，它提供了一种成熟、审慎的视角来审视我们集体记忆中的影像遗产。

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女性电影的专题不错呀

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第一章在杨远婴《电影作者与文化再现》中全有；第七章战争片、第十三章女性电影非常好；印象深刻的还有第二章明星研究。第八章武侠研究和第十一章样板戏研究挺有意思，其他的看看思路。补：突然觉得《白毛女》从民间故事到舞剧创作的修改非常值得研究，这其中的意识形态转述机制真是精巧！

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强烈推荐这套论文集。顶尖的选题和内容，读完真的受益匪浅。尤其喜欢早期电影的都市形象研究，武侠电影类型研究和性别研究。

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在原有电影纵向发展史的基础上，分类横向研究，对史论研究方法很有帮助，杨老师的书理论性很强。

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体大虑丰