日本传统艺术第4卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:重庆

作者:田军

出品人:

页数:101

译者:

出版时间:2002-1

价格:75.00元

装帧:

isbn号码:9787536655744

丛书系列:日本传统艺术

图书标签:

• 日本
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日本传统艺术第4卷：内容提要 《日本传统艺术第4卷》 聚焦于日本美学思想在不同艺术门类中的深刻体现与流变，尤其侧重于江户时代中后期至近现代转型期中，传统技艺如何应对社会变迁、吸收外来影响，并最终确立其在世界艺术史中的独特地位。本卷将不再停留于基础的风格介绍，而是深入剖析构成日本艺术精神内核的哲学基础、审美范畴及其在具体艺术实践中的物化过程。 --- 第一部分：物哀、幽玄与侘寂的深化理解 本部分旨在对构成日本艺术灵魂的三大核心审美范畴——“物哀”（Mono no aware）、“幽玄”（Yūgen）和“侘寂”（Wabi-sabi）进行超越文本引用的深入辨析，并探讨它们在特定艺术形式中的具体操作规制。 1.1 物哀的现代回响：移情与瞬间的永恒 “物哀”并非单纯的感伤，而是对事物短暂性所激发出的深刻共鸣。第四卷将分析在十九世纪，随着生活节奏的加快和版画、文学主题的世俗化，“物哀”如何从古典雅乐和《源氏物语》的氛围中，渗透到浮世绘对风俗场景的捕捉中。重点研究歌川派、特别是广重和北斋晚期作品中，对自然灾难、旅途艰辛与日常劳作中闪现的瞬间美感的捕捉，这种捕捉如何体现了对“逝去之美”的执着。我们将考察“哀愁”如何成为一种积极的审美体验，而非消极的悲观，探讨其与日本佛教“无常观”的复杂互动关系。 1.2 幽玄的结构性解析：空间的隐喻与暗示 “幽玄”强调的“深奥、微妙、难以言喻”的美感，在本卷中将通过能剧（Noh） 的舞台实践和茶道的器物陈设进行结构性解构。在能剧中，幽玄体现在面具（能面）的微妙角度、动作的克制与留白，以及“地谣”（Jiutai）对人物内心世界的间接描绘上。我们会详细分析面具在不同光照下的“表情”变化，论证这并非表演者的主观发挥，而是基于一套严格的、代代相传的视觉语法。在茶道中，我们将考察“露地”（Roji）的造景哲学，如何通过对路径、石灯笼的精确布局，引导参与者进入一种超脱尘世的、暗示性的精神境界。 1.3 侘寂的物质化：器物中的时间痕迹 “侘寂”被视为日本美学最难被西方理解的部分。第四卷将从陶艺和花道（Ikebana） 两个角度，具体考察侘寂的“不完全性”与“不完美的美”。我们将深度剖析如乐烧（Raku ware）等流派的烧制工艺，如何刻意保留火痕、釉滴和粗糙的质地，使器物本身成为时间流逝的记录者。在本卷中，我们不再仅谈论“简朴”，而是分析“简朴”背后隐藏的对材料本性的尊重，以及对“物之宿命”的接受。对花道中“不对称”和“枯枝”的使用，也将被视为侘寂美学在动态生命体上的应用实例。 --- 第二部分：江户时代的艺术革新与世俗化浪潮 江户时代（1603-1868）是日本艺术从贵族主导向市民阶层转移的关键时期。本卷重点分析在这一稳定且高度商业化的社会背景下，传统艺术如何实现自身的“大众化”与“技术精进”。 2.1 浮世绘的成熟与技术巅峰 浮世绘不仅是绘画，更是一门综合的印刷工业。本卷将详述从手绘到多色套印（锦绘，Nishiki-e）的技术飞跃，特别是对雕版技术（Woodblock Printing） 的精细化研究。我们会分析不同时期雕师、绘师、摺师之间的合作模式，以及这种工业流程如何影响了艺术的最终呈现效果。重点分析对风景画（如东海道五十三次）中透视法和色彩运用如何吸收了有限的西方传入技术（南蛮流），并将其完全“日本化”，服务于本土叙事需求。 2.2 歌舞伎（Kabuki）：视觉叙事与符号系统 歌舞伎作为大众娱乐的最高形式，其舞台美术、服装和脸谱（隈取，Kumadori）构成了极为复杂的视觉符号系统。第四卷将解析隈取如何通过色彩（红为正义，蓝为邪恶等）和线条的粗细，迅速传达角色的性格、情绪和命运。同时，对见得（Mie） 这一定格瞬间的分析，将揭示歌舞伎如何通过瞬间的肢体语言，凝固并强化“物哀”与“幽玄”在戏剧中的体现。 2.3 建筑：从庄严到精巧的转变 江户时代的建筑艺术在保持传统木结构体系的同时，展现出对精细装饰和功能性的追求。本卷将对比分析武家（大名宅邸） 与町家（市民住宅） 的建筑差异。重点研究町家内部“通り庭”（土间）的空间功能转换，以及在受限空间内如何利用障子、拉门等灵活隔断，实现室内环境对光线和季节变化的精确调控，体现了对居住美学的极致追求。 --- 第三部分：艺术的近代化转型与“传统”的再定义（明治维新后） 明治维新后，日本艺术面临着前所未有的冲击：西方艺术思潮的涌入和国家推行“脱亚入欧”的政策。本卷考察传统艺术如何“自我保护”和“转型升级”。 3.1 日本画（Nihonga）的创立与挣扎 “日本画”一词的诞生本身就是一种对“西方油画”（洋画）的回应。本卷将详细梳理这场“日本画复兴运动”的幕后推手（如冈仓天心）和主要流派的理论建构。重点分析画家如何在外形（如对传统材料和技法的坚持）与精神（如如何表达现代情感和知识分子思辨）之间寻求平衡。例如，对传统矿物颜料（岩絵具）的坚持，如何在现代审美中被重新赋予“厚重感”和“历史感”。 3.2 传统工艺的“国宝化”与制度保护 面对工业化对传统手工艺的冲击，政府采取了一系列保护措施，催生了“人间国宝”制度的前身。本卷将分析工艺美术（如漆器、金属工艺）如何在维持传统工艺路线的同时，通过参与国际博览会来确立其“高艺术价值”。重点研究这一时期，传统匠人如何从单纯的“生产者”转型为“艺术家”和“文化遗产的守护者”，其身份认同的转变。 3.3 对“异质性”的吸收与消化 日本艺术在近代并未完全闭关自守，而是有选择地吸收了西方现代主义元素。本卷将考察装饰艺术（如金缮技术与Art Nouveau的简洁线条的结合）以及建筑设计中，对现代结构逻辑的初步探索，展示了日本传统审美体系在面对外来冲击时所展现出的高度适应性和选择性整合能力。这种整合不是简单的模仿，而是将外来形式融入既有的“间”（Ma）的哲学框架之中。 --- 总结： 《日本传统艺术第4卷》是一部着重于“深度剖析”与“历史脉络梳理”的学术专著，它力图揭示日本传统艺术在特定的历史阶段，如何通过精湛的技术、深刻的哲学内涵和灵活的应对策略，完成了自身的审美体系的构建与传承。本书对于理解艺术如何作为文化身份的载体，在动荡的时代背景下保持其精神核心，具有重要的参考价值。

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这本书的语言风格极其独特，它糅合了高度专业化的艺术术语与一种近乎诗歌的抒情笔调，读起来有一种既严谨又迷醉的体验。在描述那些需要精确测量的建筑结构或色彩理论时，它毫不含糊地使用了精准的术语，确保了信息的准确性，显示出作者深厚的学术功底。然而，一旦进入对作品的审美评价层面，语言的切换便如同从干燥的实验室进入了一片迷雾缭绕的竹林。例如，描述一把日本刀的“刃文”（刀纹）时，它会用“如同初雪覆盖的山峦在晨曦中泛起的冷光”这样的比喻，将冰冷的钢铁赋予了生命和情绪。这种双重语言的使用，使得即便是初次接触这些艺术领域的读者，也能感受到其魅力所在，同时又为资深爱好者提供了足够深入的理论支撑。这种平衡的艺术，非常高明，它既满足了学术上的求证欲，也极大地愉悦了感官上的审美体验，让每一次阅读都像是在品鉴一壶陈年的清酒，回味悠长，层次丰富。

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我花了整整一个下午的时间，试图梳理清楚这本书中对于“物哀”与“侘寂”思想的阐述脉络，结果发现它采取了一种极其微妙、近乎游离的叙事方式。它不是那种教科书式的、列举定义、再举例证的结构，而更像是一系列散落的、相互呼应的观察笔记。作者似乎并不急于给出明确的结论，而是通过大量对特定器物、园林空间乃至茶道仪式的微观描述，引导读者自行去体会那种由时间沉淀和不完美中涌现出的美感。例如，对一盏釉色不均的茶碗的描述，寥寥数语，却将“残缺之美”的哲学意境描摹得入木三分，让我重新审视了日常生活中那些被忽略的细微之处。这种叙事上的克制和留白，虽然在初次阅读时会带来一定的理解障碍，但随着思考的深入，那种醍醐灌顶的感觉便会油然而生。这本书成功地避开了枯燥的理论说教，而是用一种更为接近艺术实践本身的方式，将抽象的审美概念植入了读者的感官体验之中，让人在不知不觉中完成了对日本美学体系的深度内化。

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与其他探讨日本艺术史的著作相比，这本书最大的特色在于其非线性的时间结构和出人意料的跨界融合。我本来预期会看到一个从绳文时代稳步推进到昭和时期的编年史，但事实并非如此。它更像是一张由无数节点构成的网络，偶尔会突然将一个17世纪的屏风画与20世纪初期的染织工艺并置对比，探讨它们在构图或色彩运用上微妙的共性。这种跳跃性的安排，极大地挑战了传统的历史认知框架，迫使我必须放弃按部就班的阅读习惯，转而用一种更具空间感和联想性的思维去构建知识体系。例如，当它把能剧面具的雕刻技法与木刻版画的线条处理放在同一章节讨论时，那种豁然开朗的感觉非常强烈，瞬间打通了不同艺术门类之间看似坚固的壁垒。这种结构安排，无疑更贴合当代人碎片化、多维度的信息接收模式，使得学习过程充满了探索的乐趣和智力上的挑战，让人欲罢不能，总想知道下一个“不搭界”的组合会带来怎样的惊喜。

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这部书的装帧设计真是让人眼前一亮，从封面那古朴的墨色调和烫金的纹饰就能感受到它对于传统美学的尊重。一拿到手里，那种沉甸甸的质感，就让人觉得这不是一本随随便便的画册，而是经过精心打磨的艺术品。内页的纸张选择也十分考究，细腻光滑，即便是印刷色彩极为丰富的插图，也丝毫没有那种廉价的影印感，色彩的过渡自然、层次分明，特别是那些需要微妙光影捕捉的浮世绘复制品，细节处理得近乎完美。我尤其欣赏编者在版式设计上的匠心独运，大片的留白恰到好处地烘托出了主体图像的意境，让阅读的过程本身就像在进行一场缓慢的、沉浸式的观摩。翻阅时，总感觉不是在“看”图片，而是在“进入”那个时代背景，感受那份独属于江户或明治时期工匠们倾注其中的心血与哲学。这种对物质载体的极致追求，本身就是对日本传统艺术精神的一种致敬，让人在接触内容之前，就已经被这份诚意深深打动。无论是对装帧材质的偏好，还是对排版美学的苛求，这本书都达到了一个极高的水准，绝对是值得藏书家们细细品味的上乘之作。

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这本书在图像的选取上，展现出一种近乎偏执的、聚焦于“手工艺人精神”的视角，这对我这个对技术细节非常着迷的读者来说，简直是一场饕餮盛宴。它很少将笔墨集中在那些宏大叙事的宫廷艺术或大众传播最广的符号上，反而将聚光灯打在了那些默默无闻的匠人身上——无论是制作一把和弓的工匠，还是专注于雕刻能剧服饰上细微纹样的职人。书中大量收录了不同制作环节的特写照片，那种刀具划过木材的痕迹、丝线在织物上留下的物理凹凸感，甚至能通过图片“触摸”到。最让我震撼的是关于金属错综复杂的镶嵌工艺的解析，图文并茂地展示了层层叠叠的金属片如何通过冷锻和加热，最终融合成一个浑然一体的装饰。这种对“如何完成”的深度挖掘，远胜于仅仅赞叹“成品之美”。它让我意识到，支撑起日本艺术高度的，不是灵感的突然迸发，而是日复一日、近乎冥想般的技艺磨砺，是对材料极限的不断试探与驯服。

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线条不如国画的多变，但形式精巧，颜色的搭配十分独特。

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浮世绘所透露出的悲艳之美。里面艺妓的脸型长的真方，真像我。

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国产去血去色

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对浮世绘感兴趣的可以看一下～印刷得不错，只是东西不多。附有相关的一些小知识。用浮艳之悲、浮世间多忧来涵盖浮世绘给当代人的审美感受似乎有点不当了～

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仅为图鉴