器乐作曲基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:人民音乐出版社

作者:赵行道

出品人:

页数:368

译者:

出版时间:1999-1

价格:18.20元

装帧:

isbn号码:9787103019337

丛书系列:

图书标签:

• 作曲
• 音乐人
• 音乐
• 教材
• music
• compose
• 配器与指挥
• 歌词
• 器乐作曲
• 基础教程
• 音乐创作
• 作曲技巧
• 乐器演奏
• 音乐理论
• 基础训练
• 作曲学习
• 音乐教育
• 创作实践

钢琴演奏技巧精要：从入门到精通的实践指南 书名：钢琴演奏技巧精要 内容简介： 《钢琴演奏技巧精要》是一本旨在为钢琴学习者提供全面、系统且深入的演奏技术指导的权威性著作。本书超越了单纯的乐理知识传授，专注于将理论与钢琴键盘上的实际操作紧密结合，致力于解决学习者在不同技术层面上普遍遇到的瓶颈与难题。全书结构严谨，内容涵盖了从基础手型建立到复杂复调作品驾驭的全过程，力求成为学习者案头常备的实践手册。 第一部分：基石的构建——身体与键盘的和谐 本部分首先探讨了钢琴演奏中最基础却最核心的物理基础——身体姿态与手型构建。我们深入分析了正确的坐姿、手臂、手腕、手指的支撑与放松机制。不同于传统的僵硬要求，本书提倡一种基于人体工程学的、高效且持久的演奏姿态。 手型与触键的科学：详细解析了五指独立、关节支撑的必要性，并通过大量图示和对比练习，阐明了不同触键方式（如重量触键、手指触键、手掌滚动）在处理不同音色和力度要求时的适用性。着重讲解了如何培养“重量感”的传递，而非单纯依靠手指的力量。 手腕的灵活性与缓冲：手腕被誉为演奏的“减震器”。本章剖析了手腕在八度、和弦连奏以及快速音型中的动态作用，教授如何利用手腕的自然弧度和微小运动来保持流畅性，避免僵硬和疲劳。 前臂的旋转与支撑：探讨了前臂在处理八度、和弦、跨度较大的跳跃等技术中的主导作用。通过特定的练习，引导学习者理解前臂的内外旋如何自然地引导手指到达目标琴键，提高跨越的准确性和效率。 第二部分：核心技术模块的攻克 本部分是本书的技术核心，系统地分解了钢琴演奏中所有的基本技巧元素，并提供了针对性的、循序渐进的训练方法。 音阶与琶音的深度训练：音阶和琶音绝非简单的机械重复。本书将它们视为音乐的“骨骼”。我们不仅涵盖了所有调式和指法，更进一步探讨了不同速度、不同力度、不同触感下的音阶演奏。例如，如何演奏“歌唱性的”音阶（Legato），如何处理“清晰透明的”琶音（Staccato/Portato）。特殊强调了复调性音阶（即双手交织，旋律线独立）的练习方法。 流畅性（Legato）的艺术：流畅演奏是钢琴的生命线。本书提出了“连续的重量传递”理论，解释了如何通过精确控制手指离键与落键的时间差，实现真正意义上的“歌唱性连奏”，即使在跨越较大音程时也能保持线条的完整性。 清晰度（Staccato/Non-Legato）的掌控：分析了快速断奏、轻巧跳音和清晰重音的区别。重点在于如何通过手腕和手指的快速释放与控制，在保持速度的同时，赋予音符清晰的轮廓，而非粘滞或僵硬的断奏。 八度和和弦的爆发力与均衡：针对八度的演奏，本书提供了手掌张弛、小臂摆动等多种解决方案，确保在保证速度和均匀度的前提下，能产生足够的音量。和弦部分则侧重于“同时性”的训练，以及如何根据和弦的音乐功能，调整内部声部的平衡。 第三部分：进阶挑战与音乐性整合 技术训练的最终目的是服务于音乐表达。本部分将技术融入到复杂的音乐语境中，应对演奏中常见的难点。 复调思维与声部独立：这是从技术员向音乐家过渡的关键。我们通过巴赫的赋格、中提琴声部练习等范例，详细讲解如何运用不同的手指力度、不同的触键质感来凸显和分离对位声部。强调“听到”多条旋律线的能力。 节奏的精准与弹性：技术训练往往使演奏变得机械。本书探讨了节奏的“精确性”与“弹性”的辩证关系。在保证基础节奏稳定的前提下，教授如何在特定风格（如浪漫主义的自由速度处理）中，运用微妙的速度变化（Tempo Rubato）来增强音乐的感染力，同时又不失整体结构。 颤音、装饰音与快速跑动：对于颤音、回音、震音等装饰性技巧，本书提供了一套由慢速到快速的渐进式训练方案，尤其关注如何使这些技巧在不同速度下保持均匀的密度和清晰度。 跨越与跳奏的准确性：处理大幅度的跳跃是许多学习者的噩梦。本书引入了“视觉锚点”和“肌肉记忆预位”的训练方法，帮助学习者在不看键盘的情况下，依靠身体感知来提高跳跃的准确率，减少因过度关注键盘而导致的节奏中断。 第四部分：练习方法的优化与效率提升 本书的最后一部分聚焦于“如何练习”——科学的练习是技术进步的加速器。 分段与集中训练：提供了一套结构化的练习流程，指导学习者如何将复杂的乐曲分解成最小的技术单元，进行饱和训练，而不是从头到尾盲目重复。 慢速与变速训练法：详细阐述了“超慢速练习法”的原理，以及如何通过系统性的速度递增表（Metronome Schedule）来确保技术在高速下的稳定性。 听觉反馈与自我纠错：强调演奏者必须成为自己最严苛的听众。教授如何录音、如何使用镜子辅助观察，以及如何有意识地去“听”出技术瑕疵（如粘连、沙沙声、力度不均），并立即对应到正确的技术调整上。 《钢琴演奏技巧精要》以其严谨的科学性、实用的操作指导和对音乐表现力的不懈追求，为所有致力于提升钢琴演奏水平的学习者——无论是初学者寻求扎实基础，还是进阶者寻求突破瓶颈——提供了一张清晰而全面的技术地图。它不是替代教师的工具，而是辅助学习者实现自我精进的得力助手。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书在处理**旋律写作与动机发展**时，展现出了一种近乎建筑师般的严谨与美感。我过去写出来的旋律总感觉是“一根筋”，缺乏内在的驱动力和连贯性，听起来像是随意的音符堆砌。但教程中对**动机（Motive）**的解构和重组技巧讲解得极其细致入微。它不仅讲解了**节奏动机、音高动机**的建立，更深入探讨了如何通过**移位、增值、减值、倒影**等一系列“变脸”手法，将一个简单的四音动机扩展成一个完整乐句，乃至一个乐章的核心骨架。让我印象深刻的是，作者用莫扎特或贝多芬的某个主题为例，一步步地展示了作曲家是如何“玩弄”这些动机的，那种抽丝剥茧的过程，让人茅塞顿开。它教会我的不是如何“编造”旋律，而是如何“提炼”旋律——从一个最初的灵感火花，通过逻辑化的发展，最终形成一个结构完整、逻辑自洽的音乐叙事线索。这种对微观结构的重视，极大地提升了我对音乐形态的掌控力。

评分☆☆☆☆☆

这本《器乐作曲基础教程》简直是为我这种对音乐创作心存向往却又无从下手的“小白”量身定做的启蒙读物！我尤其欣赏它在**和声学基础**部分的处理方式。很多教材上来就抛出一堆复杂的规则和历史渊源，让人望而却步，但这本书却非常注重“可操作性”。它没有直接去深究巴赫时代和声的微妙差异，而是精选了最常用、最核心的**功能和声**概念，比如主属和弦的建立、终止式的构建，都配有极其直观的钢琴键盘图示和简短的旋律示例。读起来感觉就像是跟着一位耐心又有点幽默的老师在一步步搭积木，每完成一个小练习，我都能立刻在脑海中听到声音的逻辑变化，而不是仅仅停留在符号层面。书中对**导向音**在解决不协和音程中的作用，讲解得极为透彻，用到了类比手法，将原本抽象的音响概念转化为了空间感上的“拉力”与“推力”。对我来说，最大的收获是掌握了如何“听”和声，而不是仅仅“看”和声。这种从听觉体验出发的教学路径，极大地激发了我将理论付诸实践的欲望，现在我写小练习曲时，脑子里不再是空的，而是有了一张清晰的和声地图可以依循。

评分☆☆☆☆☆

这本书在探讨**现代音乐元素与风格借鉴**时，展现了令人耳目一新的广度和深度，这绝非一本普通的“基础教程”所能企及的。它没有固步自封于古典时期的技法，而是将目光投向了二十世纪初的**印象派色彩运用**，以及如何借用**爵士乐的和声色彩**（比如九和弦、十三和弦的使用时机）。更令人惊喜的是，它甚至非常审慎地讨论了如何将**电子音乐的节奏概念融入器乐写作**中，虽然只是点到为止，但为有抱负的年轻作曲家指明了探索的方向。最让我受用的是，作者非常强调**“风格的融合而非盲目模仿”**，他列举了几个范例，展示了如何将德彪西的和声色彩与巴赫的对位技巧巧妙地结合起来，形成一种既有现代感又不失逻辑性的个人声音。这种开放和鼓励探索的精神，让读者在夯实传统根基的同时，也敢于在自己的创作中尝试那些看似“离经叛道”的元素，真正体会到作曲是门永无止境的创造性学科。

评分☆☆☆☆☆

对于初学者来说，最大的障碍往往不是理论本身，而是**如何将理论转化为有效的音乐实践**，这本书的**“项目式学习”**设计可以说是教科书级别的典范。它没有停留在理论的阐述上，而是紧密结合了**小型曲式结构**的创作要求。比如，在讲解了基础的二部曲式（A-B）和三部曲式（A-B-A）后，它立刻给出了一个“作业”——要求读者以一个给定的简单节奏型和两个和弦走向为基础，创作一个A段，然后用对比性的材料创作B段，最后再回到A段的材料进行再现或变化。这种边学边做的模式，极大地缩短了知识到技能之间的距离。而且，书中还非常务实地探讨了**“卡壳”**时的应对策略，比如如何通过改变配器、调整节奏的切分点、或者简单地引入一个转调来“打破僵局”，而不是陷入创作的无底洞。这种非常接地气的指导，让我感觉自己真的拥有了一个可以随时求助的、实战经验丰富的导师。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我原本对手册类的教程抱有一种敬而远之的态度，总觉得它们难免枯燥乏味，充斥着干巴巴的术语堆砌。然而，这本《器乐作曲基础教程》在**配器法与织体设计**这一块，完全颠覆了我的预期。它没有像传统配器教材那样，仅仅罗列各种乐器的音域、音色和演奏技巧，而是巧妙地将**织体（Texture）**的概念置于核心地位。作者似乎非常强调“少即是多”的艺术哲学，通过对比**主调织体、复调织体和厚板式织体**在不同情感表达上的细微差别，引导读者去思考“什么乐器组合能更好地服务于我的旋律？”书中对**弦乐四重奏**的几种经典配置分析得入木三分，例如如何利用大提琴的低音区和第一小提琴的高音区创造出宽广的声场，而中提琴和第二小提琴则负责“填充”或“连接”。更让我眼前一亮的是，它竟然花了整整一个章节讨论**非传统乐器组合**的潜力，比如木管乐器之间如何进行声部交织，以及如何用打击乐器来增加节奏的“颗粒感”。这部分内容对于我这种想尝试小型室内乐创作的人来说，简直是打开了一扇新的大门，不再被局限于传统的“弦乐加木管”的刻板印象之中。

评分☆☆☆☆☆

为数不多的讲“作曲”的好教材

评分☆☆☆☆☆

为数不多的讲“作曲”的好教材

评分☆☆☆☆☆

为数不多的讲“作曲”的好教材

评分☆☆☆☆☆

为数不多的讲“作曲”的好教材

评分☆☆☆☆☆

为数不多的讲“作曲”的好教材