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出版者:湖北教育

作者:蒋锡武

出品人:

页数:310页

译者:

出版时间:1997年5月

价格:13.4元

装帧:32开

isbn号码:9787535121684

丛书系列:

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《昆曲之美：流动的音乐史诗》 导言：一曲穿越时空的清音雅韵 《昆曲之美：流动的音乐史诗》并非一本关于戏曲形式的枯燥理论汇编，而是一部深情而细腻的文化田野考察记录，旨在揭示被誉为“中国戏曲之母”的昆曲，其超越时间的艺术魅力与深厚的历史底蕴。本书以一种近乎诗意的笔触，带领读者潜入这个以水袖、唱腔和精致服饰构建起来的精致世界，探索其作为人类非物质文化遗产的独特光辉。我们不探讨京剧的板式结构或舞台革新，而是专注于昆曲那“一唱三叹，余音绕梁”的独特声腔体系，以及它如何不动声色地承载了明清文人阶层的审美情趣与哲学思考。 第一部分：源起与流变——从玉山雅集到盛世清音 本书的首章深入追溯了昆曲的萌芽阶段。它细致描绘了元末明初，以梁辰渔、徐渭等为代表的文人雅士，如何在苏州、南京等地的园林深处，将南戏的粗犷叙事与吴地雅乐完美融合的过程。我们聚焦于昆山腔的形成，探讨其区别于北方声腔的腔调特质——那种委婉、细腻、注重气口与韵味的“水磨腔”。 书中详尽分析了昆曲从早期雅集清唱，逐步发展为成熟舞台艺术的历程。重点剖析了汤显祖及其《牡丹亭》的出现，如何将昆曲推向了其艺术的顶峰。这不是简单的剧目介绍，而是对特定历史时期，社会思潮如何塑造艺术表达形式的深入探讨。例如，万历年间的市民阶层崛起与文人阶层的隐逸情怀，如何共同催生了对“至情至性”舞台呈现的渴求。我们考察了当时戏班的组织结构，以及知识分子群体对昆曲表演程式的规范与提升所起到的决定性作用，侧重于其“载道”与“娱情”的双重功能。 第二部分：声腔的奥秘——“水磨腔”的呼吸与哲学 昆曲的灵魂在于其唱腔。《昆曲之美》用相当篇幅解析了“水磨腔”的内在逻辑。它并非仅仅是高低音的组合，而是一套对人体气息控制和情感表达进行精细雕琢的系统。书中通过对不同行当（如小生、花旦、老生）唱腔风格的对比，阐释了“一字一腔，一腔一韵”的内涵。 我们引入了音乐人类学的视角，对昆曲的板式（如[中吕·脱靴]、[双调·牌子]）进行了详尽的结构分析，但分析的目的并非学术化，而是为了展现这些结构如何精准地服务于剧本的情感起伏。例如，在表现人物极度哀婉或沉思时，唱腔如何故意放慢速度，运用大量的拖腔和滑音，营造出一种“时间停滞”的美学效果。书中还穿插了对现代昆曲流派传承人的访谈，记录了他们在保持传统腔调的“韵味”与适应现代剧场传播之间的艰难平衡。 第三部分：程式的诗意——身段、水袖与留白 昆曲的表演艺术被称为“无声的舞蹈”。本书的第三部分，将焦点从听觉转向了视觉——对昆曲的舞台程式进行细致入微的解构。我们详细描述了昆曲特有的“起、承、转、合”的身段语言，这些动作是如何高度凝练和符号化的。 重点研究了“水袖”这一核心道具的功能。水袖不仅是服饰的一部分，更是角色情绪的延伸。书中通过对《玉簪记》中“寄柬”一折的分析，展示了水袖如何从一个单纯的摆动，转化为表达犹豫、期盼、拒绝等复杂心理状态的媒介。与某些强调写实主义的舞台艺术不同，昆曲的表演强调“写意”与“留白”，即舞台上展现的动作总是未尽其意，留给观众充分的想象空间。我们探讨了这种留白如何与中国古典哲学中“虚实相生”的美学观念相契合。 第四部分：园林、闺阁与美的极限——昆曲的生存空间 昆曲的审美高度，与其生存环境密不可分。本书探讨了昆曲在明清时期，主要依附于江南富庶士绅阶层的私家园林和王府之中的现象。园林，以其精巧的空间布局和曲折幽深的意境，为昆曲提供了最理想的观演场所。这种“在园中听戏，在戏中观园”的互动性，塑造了昆曲特有的私密性与雅致性。 同时，书中也关注了昆曲在闺阁中的传播，特别是对女性命运的描摹。昆曲的许多经典剧目，如《墙头马上》、《拜月亭》，都深刻反映了封建礼教下女性的自我觉醒与情感压抑。这些剧目成为女性在有限的生活空间内，对自由与爱情进行想象和表达的出口。本书试图揭示，昆曲的精致与脆弱，正是特定历史时期，精英文化在世俗变迁中所能达到的“美的极限”。 结语：在“逝去”中寻找永恒的回响 面对现代社会娱乐方式的冲击，昆曲的传承无疑是艰难的。本书的最后一部分，是对昆曲作为“活化石”的当代意义的思考。我们回顾了二十世纪以来，昆曲在特定历史事件中的沉浮，以及近几十年来，在保护与复兴浪潮中的努力。 《昆曲之美》并非宣告昆曲的没落，而是试图通过细致入微的剖析，让更多人理解其艺术的复杂性和深刻性。它提醒读者，在喧嚣的时代背景下，昆曲所代表的慢节奏、重内敛、求韵味的审美传统，仍具有穿透人心的力量。它是一部关于精致、关于时间、关于人性深处那份永不磨灭的“雅”的探索史诗。

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我发现这本书的结构安排极其巧妙，它似乎有意地在宏大叙事和微观体验之间进行切换。前半部分可能在探讨流派的起源和传播规律，涉及了地域、票友文化等大背景，读起来气势磅礴。然而，紧接着，作者会突然将焦点收缩到一出戏中某个演员的某个“亮相”动作上，详细分析这个亮相如何凝聚了数代人的艺术经验，包括眼神的聚散、手腕的翻转甚至是衣袖的拂动幅度。这种由大到小的跳跃，有效地避免了长篇论述可能带来的枯燥感。读到某一章关于“行头”制作的描述时，我差点以为自己在看一部精细的手工艺品的图志，那些关于油彩、水袖、髯口材质和配饰讲究的描述，细致到让人叹为观止，仿佛能闻到舞台上那种特有的油彩和香粉混合的味道。这本书不是在“讲述”艺术，它是在“展示”艺术的每一个构成元素，并试图还原其三维立体的生命力。

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这本书的学术支撑做得非常扎实，但它巧妙地将考据性的内容隐藏在了流畅的论述之下，使得即便是初次接触这方面知识的读者，也能轻松消化。我尤其欣赏它对不同历史时期剧本改编手法的对比分析。它不像一般的文化史著作那样笼统地概括，而是选取了同一部经典剧目在清代、民国和建国后不同版本之间的细微差异进行交叉比对。这种精微的比较，清晰地揭示了社会思潮、审美变迁对舞台艺术形式的潜移默化影响。比如，书中对某一经典武戏桥段的动作分解，结合了对当时武术流派传承的考证，逻辑链条非常清晰且令人信服。此外，书中对文献资料的引用也十分审慎，它不会为了显得权威而罗列一大堆晦涩难懂的古籍名称，而是精准地指出某一种观点或技法首次出现的历史依据，这种严谨的态度，让整本书的观点都站得住脚，让人在阅读时感到心安理得。

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这本书最让我惊喜的是它对“活态传承”的探讨。它没有将目光仅仅停留在已经定型的经典之上，而是敏锐地捕捉到了这门古老艺术在当代社会中如何自我调适和呼吸。作者花费了大量篇幅去关注那些致力于创新和实验的年轻一代艺术家们，他们如何在新媒体环境下，既保留了核心的审美规范，又尝试融入新的叙事节奏和灯光技术。这种对“进行时”的关注，使得整本书的基调非常积极和富有生命力，它不像很多文化研究那样，带着一种对逝去黄金时代的怀旧与哀叹，而是充满了对未来的期许和理性分析。书中对演员“悟性”的讨论也十分精彩，它没有将其简单归结为天赋，而是拆解为对生活体验、对角色内心世界的深度共情能力，以及多年舞台实践积累下的肌肉记忆的完美融合。这让我理解到，艺术的生命力，恰恰在于它永远在寻找新的平衡点，永远在对观众的精神世界进行一次新的叩问。

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读完第一章，我立刻意识到这本作品的叙事视角非常独特，它并没有采取那种教科书式的线性梳理历史脉络的方法，反而更像是一位资深戏迷的私人札记，充满了真挚的情感和细微的观察。作者似乎对每一个行当的“行话”都了如指掌，那些描述演员身段、唱腔处理的专业术语，不是生硬地堆砌，而是自然地融入到对具体某位大师表演片段的剖析之中。比如，书中对“念白”中“咬字归音”的处理，提到了一种近乎于口技的训练法，以及如何通过气息的微调来表达人物内心的波澜，这种深入到肌理层的细节描写，让我对表演艺术的复杂性有了全新的认知。书中还穿插了一些作者本人的听戏经历，这些片段非常接地气，让人感觉作者不是一个高高在上的理论家，而是一个真正热爱并长期浸淫其中的观察者。这种带着温度的叙述，极大地拉近了文本与读者的距离，让那些遥远的名字和历史事件，一下子鲜活了起来，仿佛作者正坐在我旁边，轻声为我讲解每一个精彩的“点儿”。

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这本书的书脊设计得很有意思，那种深沉的墨绿色，配上烫金的字体，拿在手里沉甸甸的，一看就知道不是那种轻飘飘的娱乐读物。我最初对它的兴趣，很大程度上来源于封面那种古典又不失大气的设计感。书里的装帧工艺也看得出来是用心了，纸张的质感摸上去很舒服，油墨的印刷清晰锐利，即便是那些早期剧照的黑白影像，细节也保留得相当到位。我花了很长时间只是翻阅那些配图，那些老一辈艺术家的神态，那种刻在骨子里的精气神，仅仅通过静态的图像，就能感受到一股强大的舞台张力。尤其是其中几页关于舞台服装色彩学的解析，简直就像打开了一个隐藏的视觉宝库，那些朱红、玄黑、绛紫在不同灯光下的变化，那种仪式感和象征意义的复杂交织，让我一个外行人看得如痴如醉。这本书的排版很讲究，留白恰到好处，使得阅读的节奏非常舒缓，不会让人感到信息量的压迫感，更像是在欣赏一本精美的艺术画册，而不是在啃食艰涩的学术文本。光是这些视觉上的享受，就值回票价了，它提供了一种沉浸式的体验，让人在翻阅的过程中，就能初步感受到一种深厚的文化底蕴，仿佛已经走进了那个光影交错的戏台上。

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很奇怪蒋锡武先生为啥要写这么学院派的东西。太雅了，没人会读，也就没有影响力了。

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