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出版者:清华大学出版社

作者:王锐

出品人:

页数:470

译者:

出版时间:2002-5

价格:50.00元

装帧:

isbn号码:9787900643445

丛书系列:

图书标签:

• 电脑音乐
• 音乐制作
• 音频处理
• 数字音乐
• 音乐软件
• 编曲
• 混音
• 录音
• 音乐技术
• 音乐入门

创世之音：电子音乐的拓荒史诗 一部深入探讨电子音乐从萌芽到鼎盛的宏大叙事，聚焦那些塑造了我们听觉世界的先驱者、技术革新与文化思潮的交织。 本书并非一部关于具体软件操作或流行曲目制作的指南，而是一次对电子音乐艺术形态的深度溯源和文化剖析。我们追溯的旅程始于二十世纪初那些大胆的实验者，他们不再满足于传统乐器所能提供的音色，开始将电力和机械的嗡鸣视为创作的原材料。 第一部：电声的幽灵——先驱者的拓荒 (1900-1950) 本部分详述了在“电子音乐”这个概念尚未成形时，那些孤独而前瞻的灵魂是如何用早期的电气设备制造出前所未有的声音景观。 1. 机械的预言家：特雷门与特尔敏 我们将详细描绘莱昂·特雷门（Léon Theremin）的发明——特雷门琴（Theremin）的诞生及其神秘的演奏方式。这种无需接触即可发声的乐器，如何激发了科幻电影配乐的早期想象，以及它在古典音乐实验中的短暂尝试。同时，我们将考察莫里斯·马尔泰诺（Maurice Martenot）的“琴”（Ondes Martenot）在法国音乐界的扎根，以及它如何被奥利维埃·梅西安（Olivier Messiaen）等作曲家纳入严肃音乐的体系。 2. 磁带的魔力：录音技术的解放 二战结束后，录音技术，特别是磁带录音机的普及，彻底改变了音乐创作的范式。本章聚焦于具体音乐（Musique concrète）的诞生。在巴黎，皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）如何从日常环境音（如火车、水流、敲击声）中提取“声音物体”，并通过剪切、拼接、倒放、变速等手段，构建出全新的听觉结构。我们细致分析了他的开创性作品《噪音练习曲》（Études de bruits），探讨了“声音”本身如何取代了传统“音符”的地位。 与此同时，在科隆的西德广播电台（WDR），卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）领导的电子音乐（Elektronische Musik）学派，坚持使用纯粹的电子振荡器和信号发生器来合成声音，追求数学般的精确性和逻辑性。我们对比分析了“具体音乐”的经验主义与“电子音乐”的纯粹主义之间的理论张力，这是早期电子音乐发展的两条核心脉络。 第二部：合成器的革命与学院的突破 (1960-1975) 随着晶体管技术的进步，笨重的实验室设备开始小型化，为音乐家提供了前所未有的合成能力。 1. 模块化的诞生：声音的积木 本部分深入探讨了模块化合成器的商业化浪潮。罗伯特·穆格（Robert Moog）和唐·布赫拉（Don Buchla）的设计哲学差异——前者倾向于键盘控制和稳定振荡器，后者则追求开放式、非线性的实验路径——如何共同定义了“合成器”这一概念。我们分析了早期电子音乐专辑，如温迪·卡洛斯（Wendy Carlos）的《乐曲时钟》（Switched-On Bach），如何利用这些新设备将电子音色带入主流听众的视野，并引发了关于“人与机器”创造力边界的广泛讨论。 2. 跨界的融合：前卫摇滚与太空漫游 电子音乐不再局限于实验室和前卫音乐会。本章考察了它如何渗透到摇滚乐领域。例如，德国的“柏林学派”（Krautrock）乐队，如 Tangerine Dream、Klaus Schulze 等，如何将冗长的即兴演奏、重复的节奏动机与合成器的持续音景结合，创造出具有催眠性质的“环境音乐”雏形。他们的作品如何描绘出冷战时期欧洲的科技焦虑与对宇宙的向往，成为了电子音乐文化中不可或缺的一部分。 第三部：迪斯科的律动与人机共舞 (1975-1985) 随着技术的成本下降和易用性提升，电子音乐开始大规模地走向舞池，并与城市文化紧密结合。 1. 节拍的标准化：鼓机的统治地位 本章重点分析了节奏箱（Rhythm Box），尤其是罗兰（Roland）公司的TR系列鼓机，如何简化了节奏的编程。我们审视了 TR-808 那标志性的、深沉且可调控的低音鼓（Kick Drum）和清脆的军鼓（Snare），这些非真实乐器的音色如何被Funk、Hip-Hop 和早期的电子舞曲（EDM）所采用，成为定义特定时代律动的“签名声响”。 2. 模拟到数字的过渡：MIDI的统一语言 1983年 MIDI（乐器数字接口）协议的发布是历史性的转折点。它解决了不同制造商电子乐器之间的兼容性难题。我们探讨了MIDI如何促进了音乐家对多设备系统的控制，使得复杂的音色编排成为可能，为后续的Techno、House 音乐的爆发奠定了技术基础。这一技术解放了创作者，使他们能以更低的成本构建起完整的虚拟电子乐队。 第四部：地下文化的觉醒——舞曲的几何学 (1985-1995) 本书的后半部分聚焦于电子音乐如何从一种实验工具转变为一种全球性的社会现象和地下文化运动。 1. 底特律的脉搏：Techno的哲学 我们深入分析了底特律“贝尔维尔三巨头”（The Belleville Three：胡安·阿特金斯、德里克·梅、凯文·桑德森）的创作哲学。他们如何将欧洲合成器的冷峻未来感与非裔美国人对工业衰退的反思相结合，创造出强调重复、机械精确性和催眠感的 Techno。这不仅仅是音乐，更是一种对后工业城市身份的宣言。 2. 芝加哥的火花：House的灵魂 本章对比了芝加哥 House 音乐的起源，重点解析了其与迪斯科文化的内在联系以及对福音音乐精神的继承。在“仓库”（Warehouse）等场所，DJ们如何利用混音技术和鼓机，将老唱片重构成一种具有强烈包容性和解放精神的集体舞曲体验。我们研究了合成贝斯线和高亢的口哨声（Acid House中的“尖叫”）如何定义了这一流派的早期听觉特征。 3. 破碎的节拍：英国的次文化 最后，我们将目光投向英国，分析了电子音乐如何与特定的青年亚文化结合，催生了 Jungle/Drum and Bass 等更加复杂和快速的节奏结构。我们考察了采样技术（Sampling）的成熟如何使得音乐家能够从雷鬼（Reggae）和放克（Funk）的碎片中重构出全新的、碎裂的鼓点模式，以及这种音乐如何成为反主流文化的重要载体。 结语：回响的未来 本书旨在揭示，电子音乐的发展史是一部关于技术限制、理论抗争与社会渴望的史诗。它不是偶然流行起来的潮流，而是对声音本质持续探索的必然结果。从特雷门的幽灵般的声音到现代电子舞曲的宏大低音，每一次技术革新都催生了新的艺术表达，并在深刻影响着我们对“音乐”的定义。

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