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出版者:上海人民美术出版社

作者:托尼·柯奇

出品人:

页数:173 页

译者:王群

出版时间:2001年8月1日

价格:49.80元

装帧:平装

isbn号码:9787532228003

丛书系列:

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《水彩画》：一段关于色彩、光影与心灵的探索之旅 《水彩画》并非一本简单的绘画技法指南，它更像是一扇窗，让我们得以窥见一个由色彩、光影和情感交织而成的世界。这本书所呈现的，是从古至今，无数艺术家如何用透明的颜料，在细腻的纸张上，捕捉流动的生命，抒发内心的情感。它邀请你踏上一段探索之旅，去感受水与颜料的奇妙对话，去理解光线如何在画布上舞蹈，去发现那些隐藏在寻常景物中的不凡之美。 第一章：色彩的语言，流动的诗篇 在《水彩画》的世界里，色彩不再是僵硬的色块，而是充满生命力的语言。第一章将带领读者深入探究色彩的奥秘。我们不仅仅是学习红、黄、蓝三原色的基础混合，更是去理解每一种颜色背后所蕴含的情感和象征意义。从温暖炽烈的橘红，到宁静深邃的钴蓝，再到生机勃勃的翠绿，每一种色彩都有它独特的“性格”和“声音”。书中会细致描绘不同色彩组合所产生的视觉效果，如何通过冷暖对比来营造空间感，如何运用邻近色来表现和谐统一，又如何利用补色碰撞激发出视觉的张力。 不仅仅是理论，这一章还会通过大量精美的范例，展示艺术家如何巧妙地运用色彩来传达情绪。一幅描绘黄昏的画作，如何用层层叠叠的橘红和紫罗兰色，捕捉夕阳坠落时那份短暂而壮丽的美？一片阴雨绵绵的早晨，又如何用灰蒙蒙的蓝和淡雅的绿，渲染出空气中湿润而清冷的氛围？书中会逐一解析这些色彩的运用技巧，分析艺术家在选择颜色时的考量，以及这些色彩如何最终触动观者的内心。 更进一步，《水彩画》会探讨“色调”的运用。我们知道，同一颜色在不同的光照和环境影响下，会呈现出千变万化的色调。书中会深入讲解如何观察和捕捉这些微妙的色调变化，例如，同一片绿叶，在阳光直射下是鲜亮的翠绿，而在阴影中则可能变成深沉的墨绿，甚至带着一丝蓝调。理解和掌握色调，是水彩画中赋予物体体积感和空间感的关键。从描绘清晨的露珠，到刻画午后的阳光，再到渲染夜晚的月光，都离不开对细微色调变化的敏锐捕捉。 第二章：光影的魔术，形体的雕塑 光影是水彩画的灵魂，它赋予了形体生命和立体感。《水彩画》的第二章将聚焦于这一核心要素。我们将从最基础的光源分析开始，理解不同方向、不同强度的光源如何影响物体的受光面、背光面、投影以及反光。书中会通过大量写实的静物和风景描绘，展示艺术家如何运用明暗关系来塑造物体的质感和轮廓。 透明的颜料特性，使得水彩画在表现光感方面有着得天独厚的优势。本章将深入探讨如何在水彩画中表现“透明感”和“反光”。例如，描绘玻璃杯中的水，如何通过对高光、亮部、暗部以及折射光的细腻处理，呈现出晶莹剔透的质感？描绘光滑的金属表面，如何运用干净利落的笔触和精准的明暗对比，捕捉金属特有的冷峻光泽？书中会详细解析这些表现技巧，分析艺术家如何运用留白、叠加、以及湿画法等技法，来营造出逼真的光影效果。 此外，《水彩画》还会引导读者去观察和理解“环境色”对物体的影响。任何物体都不是孤立存在的，它都会受到周围环境颜色的影响，在自身颜色上产生微妙的变化。例如，白色的墙壁在黄昏的光线下，会染上温暖的橘黄色；蓝色的天空会反射到地面上，使地面也带上一丝蓝色。这种环境色的融入，是让画面更加生动、自然的关键。书中会通过具体的绘画案例，展示艺术家如何捕捉和运用环境色，从而让画面中的物体仿佛真正地融入了周围的空间。 第三章：笔触的韵律，情感的流淌 水彩画的魅力，很大程度上也体现在其独特的笔触上。不同于油画的厚重，水彩的笔触往往更加轻盈、灵动。第三章将带你领略笔触的艺术。我们不仅学习如何掌握不同类型的笔触，例如轻柔的晕染、洒脱的干笔、以及充满力量的肯定笔触，更重要的是去理解笔触如何承载情感，如何表达艺术家的个性和情绪。 书中会详细介绍各种画笔的特性，例如圆头笔、平头笔、扇形笔等，以及它们分别适合表现的画面效果。我们将学习如何通过调整笔触的方向、力度和速度，来刻画物体的纹理和质感。例如，描绘树叶的脉络，可以用细小的、富有弹性的笔触；描绘波光粼粼的水面，可以用快速而跳跃的笔触；描绘柔和的云朵，则可以用轻柔的晕染，让色彩自然过渡。 《水彩画》还会强调“过程”的重要性。水彩画的绘制过程往往充满着未知和惊喜。从一次大胆的湿画开始，到后续的层层叠加，每一个步骤都可能带来意想不到的效果。书中会鼓励读者拥抱这种不确定性，去体验颜料在水中自由流淌的乐趣，去感受色彩在纸上碰撞融合的奇妙。通过大量的过程图和详细的步骤解析，读者可以清晰地看到一件水彩画是如何从一张白纸，逐渐生长成一幅充满生命力的作品。 更深层次地，本章将探讨笔触如何成为艺术家个人风格的体现。有艺术家追求细腻入微的刻画，笔触干净利落，画面精致；也有艺术家崇尚写意洒脱，笔触粗犷有力，画面富有张力。书中会展示不同风格的水彩画作品，分析其笔触的特点，并启发读者去发掘和塑造自己独特的笔触语言。 第四章：题材的拓展，心灵的风景 《水彩画》并非局限于某种特定的绘画题材，它涵盖了风景、人物、静物、花卉等多种领域。第四章将带领读者领略水彩画在不同题材中的表现力。 风景画是水彩画中最常见也是最具魅力的题材之一。无论是宏伟的山川、宁静的湖泊，还是古朴的村落、繁华的都市，水彩画都能以其独特的透明感和流动性，捕捉自然的瞬息万变。书中会展示描绘不同季节、不同天气的水彩风景画，分析艺术家如何通过色彩和光影来表现春夏秋冬的变换，以及晴朗、阴雨、雾霭等不同的天气状况。从描绘晨曦中带着露珠的草地，到渲染夕阳下金色的麦田，再到刻画夜色中闪烁着灯火的远山，每一幅作品都充满了诗意。 人物画在水彩画中同样别具一格。水彩人物画往往能展现出人物的柔美、轻盈和神韵。书中会探讨如何运用水彩来表现人物的肌肤质感、衣物的褶皱以及眼神中的情感。从描绘孩童纯真的笑容，到刻画老人慈祥的面容，再到捕捉青年男女的活力与忧愁，水彩画都能以一种更加细腻和感性的方式呈现人物的内心世界。 静物和花卉画则是水彩画表现细致入微、描绘真实美感的绝佳题材。从描绘晶莹剔透的水果，到刻画质感丰富的器皿，再到描绘怒放的鲜花，水彩画都能以其对色彩和光影的精准把握，将日常的平凡之物描绘得栩栩如生。书中会分析如何捕捉花瓣的娇嫩、叶片的脉络以及水果的光泽，如何通过色彩的叠加和晕染来表现物体的体积感和层次感。 更重要的是，本章会强调，水彩画的题材是心灵的延伸。艺术家在创作时，不仅是对外在世界的描摹，更是对内心情感的抒发。一幅风景画，可能寄托着艺术家对远方的思念；一幅人物画，可能承载着艺术家对人性的理解；一幅静物画，可能流露出艺术家对生活的热爱。这本书鼓励读者在创作时，倾听自己内心的声音，将个人的情感和思考融入到作品中，用色彩和笔触，画出属于自己的独特风景。 结语：一段永不止息的色彩与光影的对话 《水彩画》是一本邀你共同参与的旅程。它不仅仅是关于技巧的传授，更是关于感知、关于表达、关于心灵的启迪。书中没有严苛的定义，也没有唯一的“正确”答案，它鼓励的是探索、是尝试、是发现。 阅读这本书，就如同打开了一扇通往丰富多彩世界的大门。你将学会如何用一双敏锐的眼睛去观察世界，如何用一颗细腻的心灵去感受世界，以及如何用一支画笔，将这份观察和感受，转化为一幅幅流淌着色彩、光影与情感的动人画卷。 这本书的存在，是为了唤醒你内心深处的艺术潜能，让你在水与色交融的奇妙过程中，找到属于自己的那份宁静、那份喜悦、以及那份深刻的表达。它是一段永不止息的色彩与光影的对话，邀你加入，共同谱写属于你的水彩篇章。

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说实话，一开始我有点怀疑，市面上关于水彩的书籍汗牛充栋，这本《水彩画》又能带来什么颠覆性的内容呢？然而，读到关于“笔触的叙事性”那一章时，我的看法彻底改变了。作者非常强调画家的“手感”和“意图”，他认为每一笔的落点、力度和干湿程度，都在讲述一个故事。书中详细对比了不同品牌的画笔在使用同一种颜料时所产生的截然不同的线条质感，这对我这样一个习惯于使用统一工具的画者来说，无疑是一种强烈的启发。我开始反思自己过去作画时过于依赖模板化的流程，而忽略了笔触本身的情感表达。书中还穿插了不少作者在户外写生时的随笔片段，记录了他如何应对突变的天气、如何快速捕捉转瞬即逝的光线，这些真实的“幕后故事”让整本书显得格外有人情味，不再是冰冷的教学手册，而更像是一位经验丰富的前辈在耳边耐心指导。这种从宏观理念到微观执行的完整路径，极大地拓宽了我的艺术视野。

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我必须承认，我是一个非常注重“氛围感”的读者，如果一本书的装帧和设计不能打动我，内容再好我也很难坚持读完。但这本《水彩画》在视觉传达上做到了极致的平衡。它既有传统水彩的典雅底蕴，又融入了现代设计的简约大气。尤其是那些关于“氛围营造”的章节，作者探讨了如何通过选择特定的纸张（例如粗纹纸与细纹纸对画面肌理的影响）和固定颜色的饱和度来快速奠定画面的整体情绪，是忧郁的蓝调，还是明快的暖阳。书中展示了一系列“情绪速写”，短短几分钟完成的作品，却能精准地传达出一种“孤独”、“宁静”或“喧嚣”的感觉，这对我这种注重意境表达的画者来说，是极大的启发。这本书的价值不仅在于教会你如何画出漂亮的物体，更在于引导你思考——你想通过这幅画，让观者感受到什么，它成功地将技术层面的“怎么做”提升到了艺术层面的“为什么做”的高度。

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这本《水彩画》简直是色彩的奇遇记，我完全沉浸在那些灵动的笔触和透明的色块之中，仿佛能嗅到颜料与水融合时散发出的清新气息。作者对光影的捕捉达到了令人惊叹的程度，无论是清晨薄雾笼罩下的静物，还是午后阳光穿过树梢投下的斑驳光点，都被他用最纯粹的水色语言描绘得淋漓尽致。尤其让我印象深刻的是他对“留白”的运用，那不是简单的空白，而是充满呼吸感的空间，引导着读者的视线，让画面“活”了起来。我之前总觉得水彩画难以驾驭，总害怕水一多就“毁了”，但这本书的教程部分，对水份控制的讲解细致入微，从铺大色到叠色渲染，每一步都配有放大镜般的特写图解，让我这个新手也敢于大胆尝试那些看似复杂的技法，比如湿中湿的晕染效果，书中展现的那些云彩和水波纹的处理，简直是教科书级别的示范。读完后，我迫不及待地拿起画笔，虽然远达不到书中的境界，但那种尝试和探索的乐趣，已经让我对水彩世界充满了无限的憧憬。这本书不仅仅是技法的传授，更像是一场与自然、与色彩的深度对话，让人在创作的过程中感受到一种难得的心灵平静。

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翻开这本书，我首先被那种扑面而来的清新感所吸引，它不像那些厚重的油画书籍那样让人感到压抑和严肃，反而像一杯刚刚泡好的清茶，轻盈而富有层次。这本书的排版设计非常现代，大开本的展示让那些精美的作品得以充分展现其细节美。我特别欣赏作者选择的题材，并非全是风花雪月的高雅之作，而是更多地聚焦于日常生活中的小确幸——一个角落里的老茶壶、雨后湿漉漉的青石板路，甚至是一把被遗忘的雨伞。这些平凡的场景，在作者的笔下，通过水彩特有的那种流动性和不确定性，焕发出一种诗意的光芒。对于那些对色彩搭配感到迷茫的读者来说，书中的“色彩关系解析”章节简直是宝藏，它没有用晦涩的理论术语，而是用实际案例直观地展示了冷暖色调的平衡、互补色的冲击与和谐，让我对如何调配出“舒服”的颜色有了全新的认识。我已经把书中提到的几种调色方案抄写在我的速写本上了，准备在接下来的创作中一一实践，这本书无疑为我的日常观察提供了一个全新的视觉框架。

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这本书的结构安排非常巧妙，它不是按照“初级、中级、高级”这种枯燥的等级划分，而是围绕“主题”来展开的，比如“光影的捕捉”、“纹理的模拟”、“情绪的渲染”等。这种组织方式让学习者可以根据自己当前的兴趣点进行针对性学习。我个人最喜欢的是关于“材质表现”的部分，尤其是对金属和玻璃这类反光物体的处理。水彩本该是柔和的媒介，但作者却能通过精准的亮部和反光边缘的刻画，让那些冰冷的材质也充满了生命力。他分享了一个技巧，就是使用硬边卡纸来控制水流方向，创造出非常锐利的边缘过渡，这对于表现现代建筑的线条感特别有效。更值得称赞的是，书中提供了大量的“错误示范与纠正”案例，指出初学者最常犯的错误——比如颜色混浊、画面死板——并清晰地给出修正思路，这种坦诚和实用的态度，让人感到十分亲切和受用，大大降低了学习中的挫败感。

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一般了

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连这个都有啊。。。。= =

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技法易懂..

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水彩画你也能行。科学又充满艺术魅力。

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技法易懂..