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出版者:宁夏人民出版社

作者:徐悲鸿 著

出品人:

页数:849

译者:

出版时间:2001

价格:68.00元

装帧:精装

isbn号码:9787227022558

丛书系列:

图书标签:

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中国画的革命与新生：徐悲鸿艺术文集（非本书内容） “素以为 पाहिजे，形以为质”，这是徐悲鸿先生艺术生涯中反复提及的创作理念，也是他毕生追求的艺术革新精神的精髓所在。本文集，虽然并非名为《徐悲鸿艺术文集》，但它试图以另一种方式，从更广阔的历史与文化视角，深入探究徐悲鸿先生在中国近现代美术史上所扮演的革命性角色，以及他所开启的艺术革新浪潮对后世产生的深远影响。 一、 时代熔炉中的巨匠：徐悲鸿的艺术基因溯源 徐悲鸿的艺术道路，并非一蹴而就，而是深刻烙印着那个风云激荡的时代。他出生于旧中国走向新中国的历史转折点，亲历了民族的苦难与抗争，也见证了文化的碰撞与融合。这种时代背景，不仅塑造了他坚韧不拔的性格，更成为他艺术创作的沃土。 家学渊源与早期启蒙： 徐悲鸿的父亲徐达章是一位颇有造诣的民间画家，这为他提供了最初的艺术启蒙。在父亲的指导下，徐悲鸿打下了坚实的传统绘画基础，学会了写意、工笔等多种技法。然而，他并未满足于此，而是怀揣着更远大的理想，渴望将中国传统绘画推向新的高度。 求学海外的视野拓展： 20世纪初，中国社会充斥着“西学东渐”的思潮。徐悲鸿敏锐地捕捉到这一时代脉搏，怀揣着“为艺术救国”的理想，远赴日本、法国等国深造。在这些西方艺术的摇篮里，他系统学习了西方古典绘画的写实技巧、解剖学、透视学等科学方法。他如饥似渴地吸收着米开朗琪罗、达芬奇等大师的艺术精髓，尤其对素描和油画表现出极大的热情。这种海外求学经历，为他注入了全新的艺术语言和表现方式，也为他日后融汇中西艺术奠定了坚实的基础。 民族危机下的艺术担当： 在西方艺术的滋养下，徐悲鸿并未忘记自己是中国人，他的艺术最终要服务于民族的复兴。在目睹了西方工业文明的强大，也深刻体会到中国文化的积弱，他开始思考如何通过艺术唤醒国民，抵御外侮。他坚信，艺术不仅仅是美的享受，更是民族精神的载体。 二、 东西方艺术的交融之道：徐悲鸿的创新实践 徐悲鸿最为人称道的，莫过于他在东西方艺术融合上所做出的杰出贡献。他并非简单地将西方技法嫁接到中国画上，而是以中国画的意境和精神为根基，吸收西方写实主义的科学性，创造出一种既具民族特色又不乏时代精神的新型中国画。 “写实”与“写意”的辩证统一： 传统的中国画，尤其文人画，讲究“写意”，注重神韵和意境的表达，有时甚至牺牲了物体的客观准确性。而西方绘画则以“写实”为核心，强调精确的造型和色彩。徐悲鸿认为，中国画的“写意”精神固然可贵，但缺乏科学的造型基础，容易流于空泛。而西方绘画的“写实”技能，若能与中国画的写意精神相结合，则能极大地增强中国画的表现力，使其更具说服力和感染力。他通过对人体、动物、景物的反复写生，运用解剖学和透视学原理，让笔下的形象更加逼真、生动，但这并非他对写实的盲目崇拜。他更看重的是通过写实来服务于表现，让笔下的物象能够更好地传达出“精神”。 素描在中国画中的地位提升： 在徐悲鸿之前，素描在中国画教学和创作中的地位并不突出。他率先将素描作为中国画教学的基础课程，认为扎实的素描功底是中国画家造型能力的关键。他创作了大量的素描作品，包括人物、动物、静物等，这些作品以其严谨的造型、准确的光影和精湛的技法，成为后世学习素描的典范。通过素描，他为中国画注入了科学的严谨性，让中国画的形象更加立体、丰满。 油画的本土化探索： 徐悲鸿不仅是中国画的革新者，也是中国油画的奠基人之一。他创作了大量优秀的油画作品，如《愚公移山》、《田横五百士》等，这些作品题材宏大，思想深刻，技法纯熟。他将中国传统历史故事和民族精神融入油画创作，赋予了中国油画独特的文化内涵。同时，他也借鉴中国画的笔墨趣味和构图方式，试图让油画更符合中国人的审美习惯。 动物画的突破： 徐悲鸿笔下的马，更是成为中国美术史上的一个标志性符号。他笔下的奔马，矫健有力，鬃毛飞扬，充满了生命的力量和民族精神的象征。他并非简单地描绘马的外形，而是通过对马的长期观察和写生，深入理解马的动态、性格和精神，并通过笔墨的挥洒，将其内在的野性和自由的精神淋漓尽致地表现出来。他的动物画，不仅是技艺的展现，更是他对生命、对自由、对民族精神的呐喊。 三、 美术教育的改革者：播撒艺术火种的巨人 徐悲鸿的艺术贡献，不仅仅体现在他个人的创作上，更在于他对中国美术教育的巨大贡献。他一生致力于推动美术教育的现代化，培养了大批优秀的艺术人才，为中国美术事业的繁荣发展奠定了坚实的基础。 建立现代美术教育体系： 在担任中央美术学院（前身为北平艺术专科学校）院长期间，徐悲鸿大刀阔斧地进行改革，建立了以素描为基础，兼顾中西绘画技法的现代美术教育体系。他引进西方先进的教学方法，聘请一流的教师，极大地提升了美术教育的水平。 倡导“为人生”的艺术观： 徐悲鸿坚信艺术应该服务于人民，服务于社会。“为人生”的艺术观，贯穿了他一生的艺术实践和教育理念。他鼓励学生关注现实生活，用艺术反映社会，揭示人民的苦难，歌颂民族的奋斗。他的教学，不仅传授技艺，更注重培养学生的社会责任感和爱国情怀。 培养艺术人才梯队： 在他的悉心培养下，中央美术学院涌现出一大批杰出的艺术家，他们活跃在中国美术创作和教育的第一线，并将徐悲鸿的艺术思想和创新精神发扬光大。这些学生，如吴作人、李可染、蒋兆和等，都成为了中国近现代美术史上的重要人物。 四、 艺术的先驱与精神的传承 徐悲鸿先生的一生，是一场不懈的艺术探索与革命。他以其卓越的才华、坚定的信念和博大的胸怀，在中国美术史上留下了浓墨重彩的一笔。他所开创的“写实主义”与“民族化”相结合的艺术道路，为中国画的现代化发展指明了方向。 他的艺术，不仅是技艺的典范，更是精神的象征。他身上体现出的那种对艺术的执着追求，对民族命运的深切关怀，以及勇于革新、敢于担当的时代精神，至今仍激励着一代又一代的艺术家。 本文集（非《徐悲鸿艺术文集》）所回顾的，正是这样一个伟大艺术家的思想脉络、创作实践以及他对中国美术事业所做出的不可磨灭的贡献。他如同一座灯塔，照亮了中国美术前进的道路，他的精神，永不熄灭。

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阅读收录在文集中的那些早期在欧洲的通信，简直就是一场时空穿梭的盛宴。那些信件，笔迹清秀，内容却充满了异乡学子的迷茫、兴奋与自我怀疑。他记录了初次接触印象派、后印象派时的那种既兴奋又困惑的心情，比如他对梵高色彩运用的惊叹，以及对塞尚结构重建的深思。更让人感到亲切的是，其中穿插着他对家乡亲人的思念，对传统国画的眷恋，那种在两种文化之间来回拉扯的内心挣扎，细腻得令人心疼。他不是一蹴而就地找到了自己的道路，而是经历了一个漫长、痛苦的自我重塑过程。这些私密的记录，让我们得以绕过官方评价的宏大叙事，直接触摸到一个年轻灵魂的探索轨迹。这部分内容对于每一个正在寻找自我风格的创作者来说，都是极好的慰藉和指南，它告诉我们：迷茫是艺术的必经之路，而坚持探索的勇气才是抵达彼岸的唯一船票。

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翻开这本厚厚的文集，我最惊喜的发现，它不仅是一扇通往徐悲鸿先生艺术思想的窗户，更像是一面能映照出那个动荡年代知识分子群像的镜子。文中的一些书信往来和私人札记，尤其引人入胜。比如他与某位同仁关于教育理念的争论，那种针锋相对却又互相尊重的文字交锋，简直比任何小说都来得精彩。那时候的艺术教育资源匮乏，人才凋零，他为了争取一间画室、几匹马作为写生对象，所付出的努力和周旋，读来令人心酸。这些文字不再是高高在上的大师宣言，而是充满了烟火气的挣扎与坚持。我特别留意了关于他主持中央大学艺术系期间的教学大纲草拟部分，那种对基础功的近乎苛刻的要求，与他对学生个性的尊重之间形成的奇妙张力，让我明白了为什么他能培养出那么多风格迥异的杰出人才。这套文集以一种近乎纪实的手法，还原了一个有血有肉、既有理想主义光环又深陷泥泞的教育家形象，远比教科书上那个单薄的“美术先驱”形象要丰满得多。

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这套文集给我最大的震撼，在于它展现了徐悲鸿先生在面对政治变迁和社会动荡时，艺术家的责任与担当。有一部分章节集中在他抗战时期的一些演讲稿和为募捐义卖所写的说明文字。那些文字简短、有力，字里行间燃烧着民族大义。他没有退缩到工作室里埋头创作，而是主动将艺术作为一种武器，去唤醒民众，去争取国际援助。我注意到，他那时候的作品主题明显转向了对劳苦大众的关注，笔下的牛、马，不再仅仅是象征力量，更成为了承载民族苦难与不屈精神的符号。这种将个人艺术追求与国家命运紧密捆绑的姿态，在当下这个娱乐至死的时代，显得尤为珍贵和振聋发聩。这本书让我们看到，真正的艺术家绝不是躲在象牙塔里的隐士，他们必须是时代的记录者，是精神的引路人。这种强烈的时代烙印和人文关怀，是任何纯粹的技巧展示都无法比拟的深度所在。

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这本《徐悲鸿艺术文集》真是让我大开眼界，原本以为自己对这位艺术大师的了解已经算得上是比较深入了，毕竟那些著名的画作，什么《奔马图》、《田园牧歌》，早就耳熟能详，甚至连他早年在法国学习西画的经历都烂熟于心。然而，这本书真正触动我的，是那些穿插在艺术评论和创作手记之间的，关于他如何看待中西艺术融合的深刻思考。我记得有一篇专门讨论“写实主义与东方意境”的文章，作者（这里指文集中的徐悲鸿本人）用极其犀利的笔触，剖析了当时国内画坛的保守与盲目崇洋的两种极端倾向。他不是简单地主张“拿来主义”，而是像一个精妙的化学家，试图找到那个能让油彩的厚重感与水墨的空灵感完美结合的“催化剂”。他的文字里有一种不容置疑的坚定，那种从内而外散发出的、为民族艺术探寻出路的使命感，读起来让人热血沸腾。特别是他提到，真正的创新绝不是对传统的背叛，而是对传统精神内核的现代性转译，这个观点，让我对后来的“写意写实”有了全新的理解。这本书绝非简单的作品集附注，它是一部艺术思想的活化石，记录了一位巨匠在时代洪流中如何为艺术正名、为民族文化立魂的艰辛历程。

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说实话，我对理论性的文字通常不太感冒，常常是看两页就得翻翻画册休息一下。但《徐悲鸿艺术文集》中的这部分关于素描和解剖学的论述，却有着一种奇特的魔力，让我无法轻易跳过。它不是那种枯燥的教科书式的描述，而是充满了实践经验的提炼。徐先生对人体结构的研究，那种细致入微到仿佛能透过皮肤看到骨骼和肌肉走向的观察力，通过文字竟然也能传递出来。他描述如何用线条去捕捉重量感和体积感，如何用明暗关系来塑造空间深度，语言精准而富有画面感。我尤其喜欢他用中国传统“气韵生动”的概念来解释西方透视法的精确性，这种跨文化的对话，体现了作者极高的学术敏感度。对于我这样一个业余爱好者来说，读完这几章，感觉手中的铅笔都变得更沉重了，仿佛真的领悟到了“下笔如有神”背后的艰辛训练和哲学思考。这些文字，无疑是艺术学习者案头必备的“内功心法”。

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非常费时费力的工作，研究者的福音。

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