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出版者:山东美术出版社

作者:姜超

出品人:

页数:22 页

译者:

出版时间:2004年4月1日

价格:12.00

装帧:平装

isbn号码:9787533019204

丛书系列:

图书标签:

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《山水意境：中国古典山水画的传承与创新》 作者： 李明德 出版社： 翰墨轩文化艺术出版社 装帧： 精装，含高清彩图与研究论文索引 字数： 约58万字 --- 内容梗概： 本书《山水意境：中国古典山水画的传承与创新》是一部深入探讨中国山水画发展脉络、理论体系及当代实践的学术专著。全书以时间为轴，以地理区域为节点，系统梳理了自魏晋南北朝萌芽期至近现代的数千年间，山水画在题材选择、笔墨技法、哲学思想渗透以及审美范式演变上的核心特征与关键转折。本书旨在揭示中国山水画如何从纯粹的“写景”逐步升华为承载文人情怀、寄托宇宙哲思的独特艺术门类。 全书共分五大部分，三十个章节，力求在宏观梳理与微观分析之间取得平衡，为读者提供一个全面而深入的认知框架。 --- 第一部分：山水画的源流与奠基（魏晋至唐代） 本部分重点剖析山水画从独立画科的艰难确立到初具体系的过程。 第一章：图画肇始——早期山水母题的萌芽。 探讨佛教造像背景下，山水元素作为辅助背景的早期形态，以及先秦两汉辞赋中对自然景物的文学描摹如何为后世山水画提供了精神资源。 第二章：形神之辩——顾恺之与谢赫的理论基石。 详细考证“六法”中“随类赋彩”与“骨法用笔”对山水画造型与笔墨的基础性影响。重点分析顾恺之《洛神赋图》等作品中对环境气氛的初步营造。 第三章：气韵生成——荆浩、关仝与北派的磅礴气象。 聚焦五代十国时期，特别是北方画派如何确立“巨碑式”山水画的宏大叙事。深入分析荆浩的“可行、可望、可游、可居”的审美理想，以及其“斧劈皴”的技法意义——如何用硬朗的线条表现山石的雄浑结构，体现北方土地的厚重感。 第四章：江南烟雨——董源、巨然与南宗的温润之美。 对比北方画派，详细阐述江南水墨画的温和性与内敛性。重点阐述董源“平淡天真”的审美取向，分析“披麻皴”如何巧妙地表现江南丘陵的湿润植被与柔和地貌，并探究其与当时江南士族文化氛围的内在联系。 第五章：盛唐气象——李思训、李昭道父子的金碧山水。 考察盛唐时期，宫廷艺术对色彩与装饰性的推崇。分析金碧山水在唐代都城长安的文化定位，以及这种重彩风格在结构处理上对北宋院体画的影响。 --- 第二部分：宋代山水画的学术高峰与院体规范（北宋与南宋） 此部分聚焦于山水画体系化、理论化和院体制度化的高峰期。 第六章：全景式构图的形成——范宽的“近观取其势，远观取其势，仰视取其势，俯视取其势”。 深入分析范宽在秦岭一带的写生实践，如何通过“雨点皴”和多层次的结构安排，构建出高耸入云、气势压倒一切的“可畏”之景。 第七章：高远与深远的辩证——郭熙的理论贡献。 详述郭熙《林泉高致》中关于“三远法”的系统论述，将其置于宋代视觉文化史中进行考察。分析郭熙如何将主观的情绪融入客观的描绘中，实现“可行”与“可居”的完美统一。 第八章：南宋院体的转向——马远、夏圭的“边角之景”。 重点研究南宋对北方山水的继承与“瘦硬”化的转变。分析马远“一角”、“半边”构图的精妙之处，探讨这种处理手法如何反映出南迁王朝在现实处境下的审美取向——由全景的自信转向局部意境的营造。 第九章：水墨之变——米芾、米友仁的“米点”。 专题研究“米家山水”如何彻底解放笔墨，使其从描绘物象的束缚中脱离出来。分析“米点”在表现烟岚云雾、湿润空气方面的革命性意义，以及对后世写意画的深远影响。 --- 第三部分：文人画的崛起与笔墨的本体论（元代） 本部分深入探讨元代文人画如何实现艺术本体的转向，将山水画推向了哲学与个人精神的表达高峰。 第十章：复古与反叛——元四家的历史使命。 考察赵孟頫“书画同源”思想对山水画的重塑。分析其强调用笔的“篆隶意”，将线条提升至与内容同等重要的地位。 第十一章：以书入画的极致——黄公望的笔墨演化。 详尽剖析《富春山居图》的创作过程与笔墨语言。重点分析黄公望“皴法如其所见，不求形似”的实践，以及其如何将平淡、内敛的水墨技巧推向“有墨无色”的极致境界。 第十二章：写意与写胸次——倪瓒的孤高清冷。 探讨倪瓒的“折笔”、“干皴”如何服务于其“一丘一壑，不涉人事”的隐逸心态。分析其作品中留白（计白当黑）的艺术处理手法，以及这种“空”如何成为文人精神世界的象征。 第十三章：墨分五色的探索——吴镇的水墨实验。 研究吴镇在水墨变化上的大胆尝试，特别是其对浓墨、焦墨的运用，以及如何通过墨色的层次变化来表现自然的生命力和个人激昂的情感。 --- 第四部分：地域的特色与技法的融合（明清） 此部分关注明清时期山水画在地域流派上的分化，以及对前代技法取舍、融合的复杂过程。 第十四章：江南的繁盛与“吴门画派”。 分析沈周、文徵明、唐寅、仇英四家如何继承元代衣钵，但在表现上走向专业化和世俗化。重点对比唐寅的秀逸与文徵明的典雅。 第十五章：折衷与变化——董其昌的“南北宗论”。 深入解析董其昌提出的“南北宗论”对后世山水画定性与评价体系的巨大影响。分析其“平淡简逸”的个人风格，以及他对笔墨“有余不尽”的追求。 第十六章：黄山派的壮阔与奇崛。 聚焦于清初“四僧”：弘仁的禅意与萧疏，髡残的浑厚与苍莽。分析他们如何通过强烈的个人情感，对山水进行高度的象征化表达。 第十七章：浙派与徽派的地域风格。 考察蓝瑛等浙派画家对院体画的继承与地方化的努力，以及徽州画派在版画影响下形成的独特线条感。 第十八章：宫廷的典范——清初“四王”的集大成。 探讨王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何通过对历代名家笔墨的“集大成”式梳理，确立了清代山水画的官方审美标准。重点分析王原祁晚年“点垛法”的成熟。 --- 第五部分：近现代的转型与当代探索（晚清至今） 本部分关注在西方文化冲击下，中国山水画如何在题材、媒介和思想上进行艰难的现代化转型。 第十九章：传统在晚清的坚守与挣扎。 分析晚清“四僧”精神在“岭南画派”等地域流派中的回响，以及对西方写实主义的初步接触。 第二十章：现代的开端——吴昌硕的写意革新。 详细分析吴昌硕如何以金石入画，通过厚重、浑厚的笔触，为衰落的文人画注入了新的生命力与时代感。 第二十一章：融合与探索——徐悲鸿、张大千的路径。 考察徐悲鸿如何借鉴西方的素描结构与透视学来改造中国画的骨架，以及张大千如何以“泼墨泼彩”的方式，将传统水墨推向抽象表现主义的边缘。 第二十二章：时代语境下的山水精神。 讨论当代艺术家如何面对全球化背景，在“守正”与“创新”之间寻找新的平衡点。分析当代山水画对传统皴法和意境的继承，以及其在当代艺术批评中的地位。 --- 附录： A：中国山水画重要名词术语解析（如：披麻皴、斧劈皴、点景、高远、三远法等） B：历代山水画名家生卒年表及代表作索引 C：研究论文精选目录（收录了对山水画理论与技法有重要贡献的中外学者的论述摘要） 本书特点： 本书不仅是历史梳理，更是对中国山水画核心精神——“天人合一”思想的深度解读。它强调笔墨作为哲思载体的作用，将技法分析与时代背景、文人哲学紧密结合，力求呈现一个立体、鲜活且富有学术深度的中国山水画全景图。书中收录的上百幅经典范例均附有详细的笔墨技法分析图解，对专业学习者和普通爱好者均具有极高的参考价值。

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这本画册的装帧设计真是让人眼前一亮，从拿到手的那一刻起，就能感受到一种沉静而典雅的气息。纸张的选择非常考究，那种略带纹理的米白色，使得画面中的墨色层次感更加丰富和耐人寻味。尤其值得称赞的是，装裱的工艺处理得极为细致，书脊的装订牢固而不失灵活性，便于翻阅。内页的印刷色彩还原度极高，那些微妙的干湿浓淡变化，即使是初学者也能清晰地感受到画家对笔触的精准控制。每一幅作品的留白都恰到好处，仿佛为观者提供了一片可以自由呼吸的空间，而不是将信息一股脑地灌输进来。整本书的排版布局也很有章法，不是简单地罗列作品，而是巧妙地将一些写意的书法题跋穿插其中，使得阅读过程变成了一种与艺术家精神对话的体验。合上书卷，那种特有的墨香和纸张的质感残留指尖，让人久久不愿放开，它不仅仅是一本画册，更像是一件值得珍藏的艺术品，光是放在书架上，就已经能提升整个空间的文化氛围。

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这份画册的价值，绝不仅仅停留在艺术技法的展示层面，它更像是一本关于东方审美情趣的教科书。通过对不同身份、不同神态人物的刻画，作者构建了一个丰富而多维度的精神世界。观察那些神态自若的老者，以及眼神中带着坚定与憧憬的青年形象，你会发现画家对“人”这一主题的深沉关怀。他笔下的人物，没有刻意的美化，却拥有着一种超越世俗的尊严感。这种尊严，源自于内在的修养和对生命历程的坦然接受。对于我们这些致力于学习水墨艺术的人来说，它提供了一个绝佳的范本，教导我们如何用最简洁的语言，去表达最复杂的情感和最深邃的人文关怀，这种深度和广度，是很多同类出版物所不具备的，实在令人敬佩。

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从技法的角度来看，作者对于水与墨的掌控已臻化境，这在水墨画中无疑是最为核心也最难拿捏的部分。我注意到，在处理衣纹和背景的晕染时，他似乎总能找到那个完美的平衡点——既有水墨交融时产生的自然洇化效果，又避免了墨色过于混沌而失去骨架。特别是几处人物的动态捕捉，那种瞬间的凝固感处理得极为高明。你能清晰地感受到线条的“力量感”，它们不是僵硬的轮廓，而是随着形体结构和光影变化而产生的弹性线条。这种线条的运用，无疑是建立在扎实的传统功力之上的，但又跳脱出了僵化的窠臼，融入了现代人对观察和表现力的理解。这种融合使得作品既有古韵，又不失时代气息，展现出一种非常成熟且自信的艺术语言。

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深入赏析其中几幅场景描绘，我立刻被那种扑面而来的“气韵生动”所震撼。它不是那种描摹皮相的写实，而更侧重于捕捉人物内心深处的情绪波动与精神状态。比如有一幅展现古代文人独坐松下的作品，那寥寥几笔勾勒出的衣袂飘飘，以及头部微微低垂的姿态，就将那种超脱尘世的孤傲与一丝难以言喻的落寞感表达得淋漓尽致。画家似乎深谙“不着一笔，尽得风流”的奥秘，很多细节的处理都显得极为克制，但恰恰是这种克制，使得观者必须调动自己的想象力去填补那些未被描绘出来的部分，从而产生一种更深层次的共鸣。与我以往看过的许多工笔或半工笔的画集相比，这里的作品更强调一种“意在笔先”的境界，笔墨的走势仿佛是心念的自然流淌，充满了东方的哲学意味，让人在凝视中不断地反思“美”的本质究竟是什么。

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这本书的整体阅读体验，更像是一次节奏舒缓的冥想之旅。不同于那些追求视觉冲击力的画册，这里的每一页都需要你慢下来，去感受空气的流动，去体会墨色的呼吸。我发现自己会不自觉地沿着画作的边缘反复摩挲，试图捕捉到笔尖的轨迹，那种从浓黑到浅灰，再到近乎透明的“飞白”状态，每一次都带给我不同的感触。这种沉浸式的观赏体验，极大地缓解了我日常工作中积累的焦虑。作者似乎在用他的画笔告诉我们，生命的美好往往隐藏在那些最不起眼、最简单的事物之中，不需要过多的装饰和堆砌。它成功地在喧嚣的现代生活中，为我们开辟了一方“采菊东篱下”的精神净土，让人在欣赏艺术的同时，也完成了对自身内心世界的梳理和净化。

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