吴山明人物画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:山东美术出版社

作者:吴山明

出品人:

页数:22 页

译者:

出版时间:2004-5

价格:16.0

装帧:平装

isbn号码:9787533015220

丛书系列:

图书标签:

• 人物画法
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笔墨丹青：传统国画人物造型与神韵探微 书籍简介 本书并非探讨当代或特定地域的绘画技法，而是致力于深入挖掘中国传统绘画艺术中，特别是对人物形象塑造与精神气质捕捉的精髓与脉络。全书以史为鉴，以法为基，旨在为致力于继承和发展中国水墨人物画的爱好者、学习者及研究者提供一个全面、系统且富有启发性的参照体系。 本书的视角着眼于中国绘画史中数个关键历史节点上，对“人”这一核心母题的不同理解与处理方式，力求超越单一画派或技法的局限，构建一个宏观的、关于人物“形”与“神”关系的理论框架。 第一部分：形神溯源——古代人物画的哲学基础与审美范式 本部分首先探讨了中国传统美学中“气韵生动”的哲学根源，分析了魏晋时期“以形写神”观念的确立过程。我们不讨论具体的笔墨操作，而是聚焦于古代画家如何通过对人体结构的理解，将生命力、道德情操乃至宇宙哲思融入到二维的平面表达中。 从顾恺之到六朝遗风： 细致剖析了“传神写照”在早期理论中的体现。重点分析了“骨法用笔”的最初内涵，并非指线条的刚劲程度，而是一种内在结构支撑力的体现。通过对古代文献中关于“似与不似之间”论述的梳理，阐明了传统人物画对“意象”的追求如何超越单纯的写实。 唐宋人物画的成熟体系： 考察了唐代画院制度对人物造型规范化的影响，以及宋代文人画兴起后，对人物精神世界挖掘的深化。这里将重点辨析唐代周昉、吴道子的人物衣纹处理，是如何奠定后世对“褒衣博带”的结构认知，并对照宋代李公麟的白描技法，论述“不着颜色而气韵自足”的审美境界。 第二部分：结构解析——人体骨骼、动态与比例的传统语汇 本部分摒弃了现代解剖学的视角，转而深入研究古代画家在“经验性人体结构”上的独特观察与归纳。我们将传统人物画中的“结构”视为一种符号化的语言体系，而非纯粹的科学再现。 “立骨”与“匀称”的法则： 详细解读了古代画论中对人体各部分比例关系的经验性描述，如“三停五眼”在不同朝代的细微调整和理解差异。重点分析了如何通过对关键骨点（如肩、胯、膝）的把握，形成稳定而不僵硬的内在支撑。 动态的内在逻辑： 探讨了中国画中处理人体动态的独特方式——即“应力线”的把握。研究了“S形”或“反弓形”等动态结构的生成，并非简单地模仿人体扭曲，而是通过线条的起伏变化，表现内在的张力与平衡感。例如，对古代飞天形象中“衣带当风”的结构解析，展示了如何用抽象的线条来暗示物理运动。 衣纹的“塑形”作用： 这一节将深入剖析衣纹不仅仅是覆盖在人体的布料，更是塑造人物体态、性格乃至环境氛围的重要手段。分析了“高古游丝描”、“铁线描”等经典线条类型，如何通过线条的粗细、转折和虚实，来表现人物肌肉的体积感和衣料的质地。 第三部分：神采捕捉——眼神、面部表情与瞬间情绪的凝练 人物画的灵魂在于“神”，本部分聚焦于如何通过高度程式化的面部特征，传达出丰富的情感层次。 五官的程式化与个性化： 研究了古代对眼睛、眉毛、嘴唇的描绘规律。例如，对“丹凤眼”或“柳叶眉”的描摹，在何种情境下被用于表达威严、哀愁或喜悦。着重分析了如何在有限的笔墨内，通过眼神的“点睛”处理，实现人物精神的瞬间注入。 面部气色的处理： 探讨了古代画家中对“晕染”技巧的运用，这与后世油画中的明暗处理有本质区别。中国画的晕染（如淡墨渲染或赭石的微用）更多地是为了表现人物的气色、疲惫或光照下的肤质，强调的是“润”与“柔”。 情境融合与心理暗示： 考察了人物的姿态、手势（如手部结构的简化与强调）与面部表情如何共同作用，营造出特定的叙事场景。例如，一个侧身回望的姿态，其手部的轻微张开，如何与略微低垂的眼睑共同暗示人物的犹豫或沉思。 第四部分：笔墨与载体——传统媒材对人物表现的影响 本部分从媒介物质性角度，反思特定材料对人物画风格形成的反向塑造作用。 宣纸的“渗化”与人物的“虚实”： 探讨了生宣纸的洇化特性如何迫使画家必须在落笔前预设好墨色的层次，以及这种不确定性如何转化为人物形象的“空灵感”和“气流感”。 墨色的层次与体积： 分析了如何仅凭墨的浓淡干湿，来区分不同年龄、身份人物的皮肤质地与衣物厚薄，对比了焦墨的力度与淡墨的柔和，在塑造不同性格人物时的表现力。 本书旨在提供一套立足于中国传统文化语境的、关于人物画“如何看”和“如何构建”的方法论，而非提供具体名家技法的简单复制指南。它引导读者回到对“人”的本质理解上去，领悟传统笔墨语言背后所蕴含的深厚人文精神。阅读本书，即是与数千年来的中国艺术大师进行一场关于“人”的对话。

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说实话，我之前对“国画人物”这一块了解得非常有限，感觉那是大师们才能触及的领域，充满了神秘感。直到我偶然间翻阅了这本书，才发现原来学习人物画也可以是如此引人入胜。这本书的叙事方式非常平易近人，没有使用太多晦涩难懂的术语，对于我这种初学者来说简直是福音。它最让我惊喜的地方在于，对于不同年龄段、不同性别角色的刻画，都有非常具体的案例和分析。比如，在刻画老年人物时，作者是如何通过皱纹的走向和皮肤松弛的程度来体现岁月的痕迹，讲解得细致入微。再比如，对儿童形象的塑造，那种天真烂漫的感觉是如何用几根线条来传达的，书中都有独到的见解。我印象最深的是其中关于“衣纹处理”的章节，它不是简单地教你画褶皱，而是深入剖析了布料的材质、重力和人物动作对手法的影响，真正做到了理论与实践的完美结合。这本书更像是一部“人物速写心法”，它强调的是抓住神韵和动态，而不是陷入细节的泥潭。这本书让我对中国传统人物画产生了浓厚的兴趣，甚至开始尝试将书中学到的技法融入到我日常的速写练习中去。

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这本书，刚拿到手的时候，我就被它那个厚重的质感给吸引住了。封面设计得很有韵味，那种淡淡的墨香仿佛都能透过纸张飘出来。我本来对人物画法这个题材就挺感兴趣的，但市面上很多教程都讲得太理论化，要么就是步骤特别繁琐，让人望而却步。这本书不同，它更像是一位经验丰富的老先生坐在你身边，手把手地教你。一开始的章节，对于基础的骨骼结构讲解得特别透彻，那种对人体动态的把握，简直是教科书级别的范本。我特别喜欢作者在讲解人物神态描绘那一部分的笔触，寥寥几笔，就能把人物的喜怒哀乐表现得淋漓尽致。特别是对于眼睛的处理，简直是点睛之笔，让人感觉画中的人物仿佛活了过来。我尝试着按照书中的方法去练习，发现自己的进步速度比以往任何时候都要快。这本书的价值不仅仅在于教你“怎么画”，更在于它教会了你“如何去观察”生活中的形体和光影关系。对于想要提升自己写实功底的画友来说，这本书绝对是案头必备的良师益友。我已经把这本书翻得有些旧了，但每次重温，总能发现新的领悟。

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我买这本书主要是冲着它对“意境营造”的介绍去的。现在市面上教技法的书太多了，但很少有能谈到如何通过人物画来表达作者心境和环境氛围的。这本书在这方面做得非常出色。它不仅仅是教你画一张“像”的人像，更是教你如何通过人物的姿态、眼神以及周围环境的衬托，去构建一个完整的故事感。比如，作者在讲解“高士图”的创作时，会详细分析选择特定场景和光线角度的重要性，如何用稀疏的几笔勾勒出山涧的清冷感，如何通过人物的背影来烘托出“空山不见人”的意境。这种对氛围的强调，是很多纯粹技法书所忽略的。这本书教会了我，人物画不应该只是人物的集合，而是情景交融的艺术。我尝试着用书中的方法去创作了一张描写雨中行人的小品，虽然画得还很稚嫩，但我明显感觉到自己开始有意识地去思考“我在画什么感觉”，而不是仅仅停留在“画准轮廓”的层面。这本书的阅读体验，更像是进行了一场关于艺术哲学的深度对话。

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坦白说，我以前学习素描和油画的人体结构基础比较扎实，但一拿起毛笔画人物，就感到束手无策，总觉得线条僵硬、气韵不足。这本书的出现，极大地弥补了我在“线造型”上的短板。它非常细腻地讲解了不同线条的“力度”和“速度”对人物性格的影响。例如，表现强健的武士时，作者推荐使用快速、有力的“中锋”线条，让肌肉线条充满张力；而在描绘闺秀时，则会使用柔和、回旋的“侧锋”笔法，体现其温婉气质。这种对线条语言的精妙区分和指导，对于我这种习惯了用块面塑造形体的画者来说，简直是醍醐灌顶。书中大量的“解剖线条图”，清晰地展示了线条是如何跟随人体结构流动的，让我迅速掌握了用笔的诀窍。我以前总觉得国画人物的线条是随意的，但这本书让我明白，每一根线条背后都蕴含着作者深思熟虑的结构考量。通过这本书的练习，我的毛笔线条开始变得“有生命力”了，这对我来说是一次质的飞跃。

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这本书的装帧和内容呈现，给我一种非常古典、沉稳的感觉。它没有采用那种花哨的、当下流行的快餐式教学套路，而是更注重传统功力的打磨。我特别欣赏作者在讲解“墨分五色”在人物塑造上的应用。在很多传统画论中，墨色的层次变化往往是纸上谈兵，但在这本书里，作者通过大量的范图对比，清晰地展示了淡墨、浓墨、焦墨如何在人物的面部结构、衣物阴影和背景烘托中起到决定性作用。看完相关章节后，我感觉自己对“用墨”的理解上升了一个层次，不再是简单的“涂黑”或“晕染”，而是充满了目的性和情感的表达。另外，书中对于人物动态的解构也非常到位，它不像西方解剖学那样死板，而是将人体结构巧妙地融入到中国画的写意精神之中，既保证了准确性，又不失洒脱的韵味。这本书的价值在于它搭建了一座从传统到现代的桥梁，让传统技法在当代审美中焕发新的生命力。对于那些追求传统韵味和深厚内涵的绘画爱好者来说，这本书的价值无可替代。

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宿墨法 积墨法

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