具体描述
Art has always been contested terrain, whether the object in question is a mediaeval tapestry or Duchamp's "Fountain". But questions about the categories of "art" and "art history" acquired increased urgency during the 1970s, when new developments in critical theory and other intellectual projects dramatically transformed the discipline. The first edition of "Critical Terms for Art History" both mapped and contributed to those transformations, offering a spirited reassessment of the field's methods and terminology. Art history as a field has kept pace with debates over globalization and other social and political issues in recent years, making a second edition of this book not just timely, but crucial. Like its predecessor, this new edition consists of essays that cover a wide variety of "loaded" terms in the history of art, from "sign" to "meaning", "ritual" to "commodity". Each essay explains and comments on a single term, discussing the issues the term raises and putting them into practice as an interpretive framework for a specific work of art. For example, Richard Shiff discusses "originality" in Vija Celmins's "To Fix the Image in Memory", a work made of eleven pairs of stones, each consisting of one "original" stone and one painted bronze replica. In addition to the 22 original essays, this edition includes nine new ones -"performance", "style", "memory/monument", "body", "beauty", "ugliness", "identity", "visual culture/visual studies" and "social history of art" - as well as new introductory material. All help expand the book's scope while retaining its central goal of stimulating discussion of theoretical issues in art history and making that discussion accessible to both beginning students and senior scholars.
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用户评价
这本书的深度是毋庸置疑的，但它的“可及性”却是个巨大的问号。我尝试把它推荐给几位对当代艺术有兴趣的朋友，结果大家的反馈惊人地一致：他们觉得这本书“很有分量”，但“读不进去”。这种“高冷”的学术姿态，仿佛在说：“如果你不理解这些术语，那说明你还不够格”。书中对某些流派的描述，简直是高密度的理论轰炸，比如在解析结构主义与后结构主义的交锋时，那种论述的密度，比我大学时读的任何一本哲学原著都要让人感到窒息。它对“什么是艺术”这个问题采取了一种解构一切的姿态，最终的结果是，当我们合上书本时，我们可能更清楚地知道哪些词汇不能再被随意使用了，但对某幅画为什么动人，却依然感到迷茫。它更像是一把精密的外科手术刀，用来剖析语言的骨架，而不是一支画笔，用来描绘色彩的温度。
评分阅读这本书的过程，更像是一场智力上的马拉松，而不是一次轻松的知识漫步。它最大的特点，或者说最大的挑战，在于它彻底颠覆了传统艺术史教科书的叙事方式。没有流畅的叙事曲线，没有引人入胜的轶事，只有冷峻、严谨、层层递进的术语界定。我发现自己不得不频繁地使用搜索引擎，去查询那些书中引用的其他领域专家的名字和他们的核心观点，因为这本书显然不打算为这些“外围知识”提供任何缓冲。每一次查阅，都像是在搭建一个更加复杂的知识脚手架，才能勉强支撑起对当前概念的理解。这本书的价值，也许在于它提供了一套“内部语言”，让进入特定学术圈子的人能够进行高效沟通，但对于渴望跨越这道门槛的局外人来说，它设置的门槛实在太高了。它成功地让我开始质疑我过去对许多艺术史概念的理解，但这种质疑带来的，更多是学术上的焦虑，而非豁然开朗的喜悦。
评分我购买这本书的初衷，是希望能够系统地梳理一下现代艺术从古典主义转向后现代的那个关键的“概念断裂点”。然而，这本书并没有给我一个清晰的时间线索或地理坐标。它更像是将艺术史拆解成了无数个原子级别的概念碎片，然后将这些碎片按照某种抽象的逻辑重新排列。例如，讨论“再现”这个概念时，它会立刻跳跃到福柯的权力理论，然后又迅速地转向德里达的“延异”，中间几乎没有给出一个明确的艺术品案例来锚定这些理论。这就导致我的阅读体验非常跳跃和破碎，读完一页，我需要花更多时间去回顾前面几页，试图将这些抽象的术语串联起来。它对艺术品的描绘非常克制，更像是把艺术品当成了某种理论阐释的“载体”而非研究主体本身。这使得我对“美学”或“风格”这些传统概念的直观感受被大大削弱了，取而代之的是一种对语言和定义的执着。
评分坦率地说，这本书的排版风格简直是一场视觉上的“暴动”。想象一下，你期望阅读一本讲述视觉艺术的书籍，结果却拿到一本更像法律条文集的东西。大量的粗体字、斜体字、脚注，以及那些在页边反复出现的引用来源，让人在阅读过程中几乎无法保持一口气读完一个句子的流畅性。我必须频繁地停下来，对照着注释去理解作者试图强调的那个微妙的语境转折。更有趣的是，有些概念的解释前后存在着微妙的张力，仿佛作者故意设置了几个互相矛盾的视角，逼迫读者自己去做出最终的判断和综合。这种“互动式”的阅读体验，对于一个只想轻松了解艺术史脉络的普通读者来说，无疑是种折磨。我甚至怀疑，这本书的设计初衷是为了提供一个知识框架，还是为了培养一批能够精准引用这些术语的“专业人士”。它更像是一套内部培训手册，而不是一本面向大众的入门读物，你需要有足够的耐心，才能从这些密集的文本迷宫中找到属于自己的出口。
评分这本书的定价实在让人有些摸不着头脑，感觉就像是走进了一家装修极尽奢华但菜单上全是问号的餐厅。拿到手沉甸甸的，封面设计冷峻得像是某个上世纪中叶的极简主义宣言，让人忍不住在想，这背后到底藏着多少“硬核”的内容？内页的纸张质量倒是无可挑剔，那种略带粗粝感的米白色，散发着一股知识分子的气息，但翻开第一页，扑面而来的术语列表，简直就像是直接把我扔进了一个我完全不熟悉的语境里。我花了将近半个小时，试图理解为什么某些看似日常的词汇，在这里被赋予了如此复杂且相互关联的定义。比如“谱系”这个词，书里给出的解释横跨了哲学、社会学乃至精神分析，读完后我感觉自己对艺术史的理解更像是一团迷雾，而不是拨云见日。它似乎预设了读者已经拥有某种背景知识，否则，每一个词条都像是一个需要用额外一本词典来解码的密码。我尝试着去寻找一些关于具体艺术运动或艺术家的介绍，但这些内容似乎被极度压缩，最终都导向了对概念本身的不断解构和重塑，让人有一种在做学术攀岩的感觉，每进一步都异常费力。
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