陆秀竞山水画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:第1版 (2004年4月1日)

作者:陆秀竞

出品人:

页数:22

译者:

出版时间:2004-4

价格:16.00

装帧:平装

isbn号码:9787533019136

丛书系列:

图书标签:

• 陆秀竞
• 山水画
• 绘画技法
• 中国画
• 艺术
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• 技法
• 水墨画
• 风景画
• 传统绘画

好的，这是一部名为《松风雅韵：宋代文人山水画的审美变迁》的图书简介： --- 松风雅韵：宋代文人山水画的审美变迁 一卷画史，半世风骨。深入探究北宋至南宋近两百年间，中国文人山水画由“格物穷理”到“抒写胸臆”的深刻转向。 导言：从宫廷气象到士人笔墨 宋代，是中国艺术史上一个至关重要的转折点。特别是山水画，不再仅仅是描摹自然景物的精确再现，而是开始承载起士人阶层日益复杂的精神诉求与哲学思考。本书《松风雅韵》以严谨的考据和深入的文本分析，力图勾勒出这一时期文人山水画审美趣味的内在脉络与外在表征。我们聚焦于“文人”这一主体身份的崛起，探讨他们如何将儒家的“中和之美”、道家的“逍遥出世”以及禅宗的“顿悟空灵”熔铸于笔端，最终形成了中国绘画史上独树一帜的“士人笔墨”。 全书结构清晰，从北宋初期的画院体系与早期文人画的萌芽，逐步推进到范宽、郭熙等巨匠对山川体势的把握，再到南渡后米芾父子对“意写”的开拓，最终落脚于南宋中晚期以马远、夏圭为代表的“边角之景”所蕴含的深沉家国之思。 第一部：北宋前期——“格物致知”与雄伟气象的奠基 北宋初期，山水画的主流仍依傍着晚唐五代的遗风，但一股新的学术思潮——程朱理学——正悄然兴起，强调“格物致知”，这对绘画产生了深刻影响。 第一章：庙堂的典范与学院的规范。本章详述了李成、荆浩、关仝等北方山水画派的继承与发展。重点剖析了李成如何将树法与文人诗意相结合，形成“惜墨如金”的风格特征。并深入探讨了以李成衣钵传人范宽为代表的“势”的哲学。范宽的《溪山行旅图》并非简单的写生，而是融入了儒家“立德、立功、立言”后，对巍峨山川的敬畏与自身渺小之间的辩证思考。 第二章：郭熙与“可行、可望、可游、可居”的审美空间。郭熙的《林泉高致》不仅是重要的绘画理论文献，更是理解北宋山水画空间哲学的钥匙。本章着重分析了郭熙如何超越了前人的单纯描摹，提出了多层次的观赏体验。他的“卷中”世界，是如何在有限的画幅中，构建出一个可供士人精神自由翱翔的无限空间。我们对比研究了《早春图》中那层层叠嶂、大气磅礴的“可行”之境与《秋山平远图》中趋于平缓、更具“可居”之感的空间处理，揭示了北宋山水画中蕴含的秩序感与生命力。 第二部：审美转向——米氏父子的“尚意”革命 北宋中后期，随着士大夫阶层自我意识的觉醒，艺术表达开始倾向于内在的精神投射，米芾父子无疑是这场变革的先锋。 第三章：米芾的“刷”与“拙”的艺术观。米芾对传统笔墨的颠覆性在于其对“古意”的追求和对“天真烂漫”的赞美。本章详细考察了米芾如何以“刷笔”和“墨戏”的手法，简化山石的结构，强调墨色的晕染与干湿的对比。他的山水画不再是宏大的叙事，而是对瞬间感受的捕捉，这为后来的文人画彻底脱离画院体系铺平了道路。 第四章：米友仁的“小米平远”与禅宗的渗透。米友仁在继承其父的基础上，进一步将画面推向了虚静的境界。通过对淡墨、留白的大胆运用，他创造出“云山烟雨”的朦胧意境，这种意境与当时禅宗思想中“空”与“无”的观念高度契合。本章探讨了“平远”构图在米氏笔下如何成为一种表达宇宙本体、消解物象实体的哲学工具。 第三部：南渡后的沉郁与精微——“意在笔先”的深化 靖康之变是宋代历史的断裂点，这场国破家亡的悲剧，深刻影响了流亡江南的文人士大夫，山水画的审美也随之转向内敛、悲怆与精细。 第五章：马远、夏圭的“边角之景”与深沉的忧患意识。南宋初期，李唐、刘松年、马远、夏圭并称“南宋四家”。其中，马远和夏圭的构图革新尤为引人注目。他们频繁采用“一角半边”的构图，极度压缩空间，将观者的注意力导向画面的有限区域，却引发无限的联想。这种对“边角”的偏爱，是士人对“残山剩水”的写照，是对故国之思的含蓄表达，充满了强烈的历史感和个人情感的张力。本章细致分析了马远的“水月空濛”与夏圭的“笔简意赅”，及其如何将“尚意”推向了高度凝练的“精微”境界。 第六章：诗意的回归与笔墨的文人化。南宋中后期，在院体画依然存在的同时，以赵孟坚、柳应龙等为代表的文人画家进一步强化了笔墨的主体性。他们更注重以书入画，将线条的韵律、墨色的浓淡变化视为独立于描绘对象的审美本体。本章梳理了这一时期，山水画如何彻底摆脱了对“逼真”的追求，成为纯粹的“墨戏”，为元代文人画的全面兴起积蓄了必要的内在动力。 结语：留白的哲学与千年的回响 《松风雅韵》的最终落脚点，在于揭示宋代文人山水画对后世中国艺术的决定性影响。从北宋对“理”的追寻，到南宋对“情”的抒发，宋代画家们在山水之间寻找到了安顿生命、超越现实的文化坐标。他们对“留白”的运用，不仅是技法上的突破，更是对东方哲学“虚实相生”观念的艺术化诠释。本书旨在为读者提供一套完整的宋代山水画审美分析框架，领略那一时期士人阶层如何将自然之景，淬炼为足以映照千年心性的精神图景。 ---

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对于研究中国美术史的角度来看，这本书的价值在于它提供了一个观察当代山水画发展脉络的绝佳切片。它在继承传统的基础上，展现出一种面向未来的创新精神。书中对不同地域山水风格的比较分析尤为精彩，比如它对比了北方山势的雄浑和南方丘壑的秀润，并且给出了各自对应的皴法和点苔技巧。这种宏观的视角帮助我构建起一个完整的中国山水画的知识框架，不再是零散的技法点。更难得的是，作者非常坦诚地分享了自己在创作过程中遇到的困惑以及如何通过观察自然来解决问题的经验。读完后，我不仅学会了画山水，更学会了如何去观察生活、感受自然，这对于任何从事艺术创作的人来说，都是无价的财富。

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作为一个资深的书画爱好者，我见过市面上形形色色的画谱，大多是徒有其表，要么就是临摹范本的简单复制，缺乏对创作精神的深入探讨。然而，这部作品却在技法铺陈之外，展现出一种深邃的哲学思考。它不仅仅告诉你“怎么画”，更重要的是告诉你“为什么要这么画”。书中对传统笔墨精神的阐释极为独到，尤其是在论及“墨分五色”时，作者没有停留在简单的深浅变化上，而是将其上升到了对自然光影和时间流逝的捕捉层面。我读到关于云雾处理的部分，那份对虚实相生的把握，简直令人叹服。它不像一本教科书，更像是一场与智者的对话，每一次翻阅都能带来新的领悟。我尝试按照书中的思路去处理一幅小品，结果惊喜地发现，原本僵硬的画面突然间有了流动感和呼吸感，这种突破性的体验，绝对是这本书带给我最大的收获。

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坦白说，我当初购买这本书是抱着试一试的心态，因为市面上很多关于传统绘画的书籍，要么是过于陈旧，要么就是翻译腔太重。但这本书的语言风格非常现代、流畅，充满了活力，读起来毫无压力。我最欣赏它在“章法布局”上的讲解，它打破了传统的固定范式，鼓励读者去大胆构图，去打破对称与平衡的刻板印象。书中对于如何处理前景、中景和远景的层次关系，提供了许多行之有效的小窍门，比如如何利用飞白的干笔法来营造遥远山峰的雾霭缭绕感。我过去总是在细节上纠缠不清，忽略了整体的气势，这本书让我学会了“抓大放小”。它教会我，一幅好的山水画，重点不在于你画了多少树木或岩石，而在于你如何引导观者的目光在画面中游走，感受到画家的胸襟和气度。

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这本书简直是为我这种痴迷于山水画却苦于不得其门而入的初学者量身定制的。我本来以为学习山水画得从枯燥的理论和难以捉摸的笔墨技法入手，结果这本书以一种极其亲切和循序渐进的方式，将复杂的概念拆解得非常清晰。它不像某些教材那样堆砌术语，而是通过大量的图例和清晰的步骤指导，让我能够立刻上手尝试。特别是对于“气韵生动”这种抽象的追求，作者通过对不同山石皴法的讲解和示范，让我明白了如何用线条去表现山体的质感和生命力。我尤其喜欢其中关于“留白”的章节，它彻底颠覆了我过去那种“画满即是完成”的观念，让我体会到画面空间与意境的平衡之美。读完后，我感觉自己像是被领进了一个大师的画室，亲眼目睹了他们是如何观察自然、提炼意象，最终将其转化为笔端神韵的全过程。这本书的价值远超一本技法书，它更像是一部引导心灵进入东方美学世界的钥匙。

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这本书的装帧和印刷质量简直是艺术品级别的享受，纸张的纹理和墨色的呈现都达到了极高的水准，这对于学习用墨的读者来说至关重要，因为只有在高质量的纸张上，才能真正分辨出墨的层次变化。内容上，我特别留意了关于“点景”的章节，它不像其他书那样只是简单地列出点苔的几种标准画法，而是深入剖析了点景在整个画面中所起到的“画龙点睛”的作用，比如如何用几笔苔点来暗示季节、湿度乃至气候。作者对于细节的执着和对整体意境的把握达到了完美统一。它引导我从一个纯粹的模仿者，逐步转变为一个有自己思考和表达欲望的创作者。这本书无疑是我案头常备的工具书，每次研习都会有新的启发，强烈推荐给所有追求技进德修的书画同道。

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