陈磊山水画法

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出版者:山东美术出版社
作者:陈磊
出品人:
页数:22
译者:
出版时间:2004-4
价格:16.00元
装帧:
isbn号码:9787533015213
丛书系列:
图书标签:
  • 山水画
  • 国画
  • 绘画技法
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  • 艺术
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具体描述

《当代中国画名家技法:陈磊山水画法》主要讲解山水画的技法,以图解向读者阐述。《当代中国画名家技法:陈磊山水画法》由山东美术出版社出版发行。《当代中国画名家技法:陈磊山水画法》适合山水画技术爱好者使用。

书籍简介:《古韵新声:中国传统音乐的传承与创新》 一、引言:时代的和声与传统的脉搏 本书并非关于绘画技法,而是深入探讨中国传统音乐的浩瀚世界。我们将带领读者穿越历史的长河,探寻自先秦至近现代,中国音乐如何与社会、哲学、美学思想交织共生,形成独树一帜的东方声响。《古韵新声》旨在系统梳理中国音乐的演变脉络,剖析其独特的审美特征,并着重探讨在当代全球化背景下,如何实现创造性转化与创新性发展。本书力求摆脱僵硬的学院派叙述,以生动、深入的笔触,揭示中国音乐内在的生命力与艺术魅力。 二、卷一:宫廷雅乐与民间遗音——历史的声景重构 本卷将聚焦于中国音乐史上的关键节点与重要流派,构建一个多维度的历史声景图。 1. 先秦的礼乐制度与五音体系: 追溯《诗经》、《楚辞》中的音乐形态,分析周代“礼乐”如何作为国家治理的工具,奠定中国音乐的哲学基础——天人合一的和谐观念。重点阐述“宫、商、角、徵、羽”五音的象征意义及其与五行的对应关系。 2. 汉魏六朝的融合与变奏: 探讨佛教音乐的传入对中原音乐的影响,以及“胡汉合流”在乐器(如琵琶的定型)和曲调上的体现。分析玄学清谈背景下,士大夫阶层对音乐精神性追求的转向。 3. 盛唐的辉煌与外延: 详述唐代“燕乐”的成熟与“燕乐三十调”的体系构建。通过对敦煌壁画及古谱的考证,重现大唐宫廷音乐的恢宏气象,并考察日本雅乐(雅乐)等东亚文化圈对唐代音乐的吸收与保留。 4. 宋代“词乐”的精致化: 分析宋代文人阶层在音乐审美上的转向,从宏大的宫廷宴乐转向精致内省的“词牌”音乐,探讨这一时期“散曲”的萌芽及其对后世戏曲音乐的深远影响。 5. 元明清的定型与戏曲的兴盛: 详细剖析昆曲、梆子戏等主要声腔系统的形成,探讨“板式”的结构逻辑与板眼体系的严谨性。关注文武场的配置与不同地域戏曲音乐的差异化发展。 三、卷二:器物与心声——中国传统乐器的民族志 本卷将聚焦于那些承载着历史记忆与民族情感的中国传统乐器,探究其形制、音色与文化内涵。 1. 弦声的叙事: 从古琴的七弦、十三徽之制出发,深入剖析“减字谱”的阅读方法与弹奏技法。探讨古琴音乐的“空、静、和、雅”的审美境界,及其在文人修养中的核心地位。对比二胡、板胡等拉弦乐器在不同地域文化中的角色转换,尤其是在近现代民乐合奏中的功能。 2. 管乐的呼吸与气韵: 分析笛、箫、笙的音色特性。重点解析竹笛的“打音”、“花舌”等技巧如何模拟自然之声,以及笙在和声体系中承担的独特功能。探讨唢呐在民间庆典中的“穿透力”与象征意义。 3. 弹拨的韵味: 考察琵琶的“轮、推、扫、扣”等十八般武艺,及其在文人音乐与说唱音乐中的双重身份。对比古筝的“指力”与“韵度”,分析其在不同流派中的表现差异。 4. 打击的节奏: 考察大鼓、堂鼓在戏曲与仪式中的节奏驱动力,以及小件打击乐器(如板、响板)在构建音乐结构上的精准作用。 四、卷三:理论与美学——音乐思维的东方密码 本书的理论核心部分,旨在揭示中国音乐区别于西方体系的根本性思维模式。 1. 结构观:从线性到循环: 探讨中国音乐对“旋律进行”的理解,强调片段的循环往复、动机的展开与主题的“意在言外”,而非西方音乐严格的奏鸣曲式或赋格结构。分析中国音乐中“呼吸”与“间歇”(留白)的结构意义。 2. 音高与调式: 系统梳理七声体系与五声体系的运用逻辑,解析“工尺谱”与“简谱”在记录和理解上的差异。深入讨论中国传统音乐中对“旋律性”的极致追求,以及对固定和声的相对疏离。 3. 意境的捕捉:音乐的写意性: 阐述中国音乐美学中“状物写志”的特征,即音乐旨在描绘一种心境或自然景象,而非叙述一个完整的故事。引用相关美学理论,探讨“韵味”、“神采”等难以量化的艺术标准。 五、卷四:传承与未来——当代语境下的音乐复兴 本卷关注中国传统音乐在现代社会中的生存状态与发展路径,探讨如何让古老的声响适应现代听众的耳朵。 1. 戏曲的保护与普及: 考察当代戏曲教育面临的困境与抢救性整理工作,探讨如何通过多媒体手段和新的舞台呈现方式,吸引年轻一代关注。 2. 民乐的“合奏化”与“交响化”: 梳理二十世纪以来,中国民族管弦乐团的建立历程,分析其在确立民族管弦乐团编制、创作新体裁作品(如民族管弦乐套曲)方面取得的成就与面临的挑战——如何在保持民族音色识别度的同时,运用现代配器法提升音乐的张力。 3. 跨界与融合的探索: 探讨传统音乐元素与爵士乐、电子乐、世界音乐的有效结合案例。强调“融合”的基础必须建立在对传统精髓的深刻理解之上,避免肤浅的元素拼贴。 4. 数字化与数据库建设: 分析现代科技在古谱整理、音乐考古、虚拟演奏等领域的应用前景,为传统音乐的学术研究和传播提供新的工具。 结语:不息的河流 《古韵新声》试图证明,中国传统音乐并非博物馆中的陈列品,而是一条流淌不息的文化河流。它以其独特的哲学深度、精妙的技艺和深厚的人文关怀,持续为当代艺术创作提供灵感源泉。本书期望能激发更多人,无论专业与否,去倾听、理解并珍视这份宝贵的听觉遗产。

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这本书的叙述风格非常接地气,完全没有那种高高在上的学院派腔调。作者似乎很清楚初学者在学习过程中会遇到哪些具体的“卡点”和“误区”,所以很多章节都是以“过来人”的身份在分享经验。例如,在讲解如何处理画面的“虚实”关系时,作者没有用复杂的几何学概念,而是用了一个非常形象的比喻——像在讲述一个秘密,该说的要说透,不该说的就留白让观者自己去体会,这种贴近生活的语言,使得原本晦涩的理论变得易于接受和消化。我尤其欣赏的是作者对“取舍”的强调,在山水画创作中,如何做减法常常比如何做加法更难。书里反复强调了“意在笔先”,但又细致地教导如何用最少的笔墨去暗示最多的物象,比如只用几点苔色来点活一整片山壁的生机,这种点睛之笔的技巧,对于提升作品的灵动性有着立竿见影的效果。

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我花了很长时间研究不同地域画派的差异,发现很多书籍在介绍时,往往只是简单地将它们并列罗列,缺乏对地域文化如何渗透到笔墨语言深层的探讨。这本书在这方面做得非常细致入微。它不是简单地介绍“江南山水”或“北方山水”的特点,而是深入挖掘了特定地域的气候、植被乃至当地士大夫的哲学观,是如何潜移默化地影响了画家选择的皴法和墨色的浓淡。例如,书中对蜀中山水那种湿润、厚重感的表现力分析得尤其到位,它将这种厚重感归因于特定区域的云雾缭绕,并展示了如何通过“破墨法”来模拟水汽弥漫的效果。这种将自然环境与艺术表达紧密结合的分析框架,让我对“一方水土养一方画派”有了更深刻的理解,不再是死记硬背地域特征,而是真正理解了地域精神在画面中的具体物质化体现。

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阅读过程中,我最大的感受是作者对“时间维度”在山水画中处理的独到见解。山水画本身就是对自然界多重时间点的浓缩——远山可能是千年的沉寂,近处的飞瀑则是瞬间的动感,树梢的枯荣则代表着季节的更替。这本书似乎将这个时间的概念具象化了。它不仅仅停留在教你如何画出“此时此刻”的景象,更在于如何用笔墨的层次感来暗示“过去”和“未来”。例如,在表现云海翻腾时,作者展示了如何通过水墨晕染的扩散边缘来营造一种正在发生、尚未定格的动态感,而对坚实的岩石部分,则运用了干笔皴擦,强调其亘古不变的质感。这种对时间流逝和永恒存在的辩证处理,使得画面不仅仅是静止的风景,而更像是一首被凝固下来的交响乐,充满了节奏感和生命力,极大地提升了作品的思想深度和观赏的耐人寻味性。

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我之前学习传统山水画时,最大的困惑点总是在于“气韵生动”这四个字,总是觉得那些名家作品里有一种难以言喻的“活气”,而自己临摹时却总是落入匠气的窠臼。这本书虽然没有直接给出“如何获得气韵”的公式,但它深入剖析了历代大师在处理特定题材时所遵循的结构逻辑和笔墨转换规律,这种由表及里、由技入道的讲解方式,真正触及了问题的核心。比如,书中对“斧劈皴”和“披麻皴”在不同地形上的应用场景进行了细致的对比分析,不仅展示了图例,还结合了当时的地理环境和文人画的审美倾向来解释其成因,这种结合了历史学、地理学和艺术学的多维视角,极大地拓宽了我对传统笔墨语言的理解深度。看完之后,再去看那些经典的画作,脑子里不再是单纯的“模仿笔触”,而是开始理解每一根线条背后所蕴含的能量走向和结构支撑,感觉整个视野都豁然开朗,这种对“理”的阐释,比单纯的技法罗列要深刻得多。

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这本书的装帧设计实在太精美了,光是捧在手里,就能感受到印刷厂的匠心独运。封面那种略带磨砂质感的纸张,配合着烫金的书名,在光线下会反射出低调而华贵的光泽,让人忍不住想要反复摩挲。内页的用纸也极其讲究,墨色在这样的纸面上显得尤为饱满和富有层次感,即便是最浅淡的皴擦,细节也清晰可见,这对于研究中国画的层次感来说至关重要。装订的处理也十分扎实,完全不用担心频繁翻阅会导致脱页。我特别留意了配图的色彩还原度,毕竟山水画的精髓很大一部分就在于墨分五色以及色彩的微妙变化,这本书在这方面做得非常出色,那些远山的黛青、近水的赭石,都准确地传达了原作的意境,让人仿佛身临其境,即使不看文字说明,光凭视觉冲击力也足以让人沉醉良久。这样的书籍,放在书架上本身就是一种艺术陈列,更别提它内在的学术价值了,光是这外在的品质,就值回票价了。

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