具体描述
☆古典音乐不是古板音乐，古典音乐跟流行音乐没什么不同。
☆每天轻松一课，不知不觉中完全掌握古典音乐知识。
☆铜版纸全彩印刷，软精装既方便阅读，也适合收藏。
本书是对古典音乐的完美阐释，它能让你透过音乐知识表面，探寻音乐史、乐理和科学对大音乐家们的思维和创作方法产生了怎样的影响。同时，它还揭示出中世纪古典音乐是如何发展成为今天的实验音乐的。
不明白恰空舞曲和萨拉班德舞曲是怎么回事？想在生活中添加点无调性音乐？还在犹豫明年夏天去参加哪个古典音乐节？不知道约翰•贝里斯是谁，也不清楚他对巴赫的作品做了什么？那就每天读一下这本书吧，你可以找到所有这些问题的答案，品味无与伦比的听觉艺术。这本书是一间教室、一个音频工作室，也是一座音乐厅，跟随它开始一段美妙的环球之旅吧！
学习音乐知识：概览古典音乐的各个时期、乐理、乐器和曲式。
获取音乐灵感：了解伟大的作曲家，聆听璀璨的作品。
享受音乐盛宴：前往世界各地著名的博物馆，体验异彩纷呈的音
乐嘉年华，欣赏歌剧精品和流行文化集锦。
作者简介
莱斯利·丘（LMC）是加利福尼亚洛杉矶的一名录音工程师，曾获获格莱美奖提名。他几乎为现代交响乐团中的每一件乐器都录制过唱片，同时帮助艺术家们制作了各种获奖的专辑、影片、电视节目或（音频类）软件。他非常热爱音乐，并对这份职业充满激情。他会弹吉他，也会唱歌，是StuccoRainbow-重奏组中的一员。
目录信息
一、古典音乐的各个时期
中世纪音乐（400—1400）：一切都从这里开始
中世纪早期（1150年前）：不光是用耳朵听
中世纪中期（1150—1300）：律动的诗
中世纪晚期（1300—1400）：当诗歌和音乐相遇
文艺复兴（1400—1600）：音乐的发展被分为三部分
文艺复兴——记谱法（1400—1600）：他们的记谱法和现在的不太一样
文艺复兴——乐器（1400—1600）：来见见演奏家们
文艺复兴的三个时期（1400—1600）：舞曲开始流行
巴洛克音乐（1600—1750）：挂满果实的树
巴洛克早期（1600—1650）：作曲家说了算
中期巴洛克（1650—1700）：宫廷乐长万岁！
晚期巴洛克（1680—1750）：大人物开始登场了
古典主义时期（1750—1825）：维也纳是中心
洛可可——华丽的音乐：越多越好
古典主义：第一维也纳乐派（1760—1775）：海顿给了我们不止一种感觉
古典主义：第一维也纳乐派（1775—1790）：莫扎特出现了
古典主义：第一维也纳乐派（1790—1825）：再见，巴洛克
浪漫主义：一切源于情感
狂飙突进运动：令人震惊和敬畏的音乐
浪漫主义早期：通向另一个时空
晚期浪漫主义：音乐变得越来越个性化
20世纪的音乐：作曲家们自由了
新浪漫主义：音乐史中的过渡时期
印象主义：法国人领衔
表现主义：打破常规，重新创造
未来主义（1910—1930）：机器时代的产物
第二维也纳乐派：阿诺德•勋伯格和十二音体系
新古典主义：中庸路线
电子音乐（混声音乐）：面向未来
当代音乐（1945—1970）：新的一代
后现代音乐：无声而随意的音乐
极简主义（20世纪六七十年代）：先拆卸，再组装
新浪漫主义（20世纪30年代、50年代和现在）：这次更有感觉了
后简约主义（全体主义）：什么都要
新极简主义和新复杂主义：让人有点迷惑，不过还挺刺激
摇滚的影响力：感受节奏，并引以为豪
世界音乐的影响：全球交响曲
二、曲式
二部曲式：我们知道自己想要什么
三部曲式（三段体）：想要回归，先得离开
音乐的内部结构之一：动机——你能不能重复一遍？
小步舞曲和三重奏：一、二、三，一、二、三……
音乐的内部结构之二：乐句——研究一下音乐的复杂性
再现咏叹调：一个炫技的机会
音乐的内部结构之三：乐句和分乐句——学一学音乐语言的语法
组曲：巴洛克时期的DJ们
主题与变奏：旋律的潜力无穷无尽
音乐的内部结构之四：乐段——有问就有答
回旋曲：回到开始、回到开始、回到开始……
大协奏曲：人人为我，我为人人
卡农：不停地追赶！
谐谑曲：没错，你肯定是在开玩笑
萨拉班德：舞蹈音乐
赋格：这就是最后的应答吗？
奏鸣曲：是Sonata，而不是Sinatra
华尔兹：我要不停地整夜跳舞
协奏曲：以一对多
牧歌：非宗教音乐中的对位
叙事曲：很久很久以前……
托卡塔：让人眼花缭乱！
帕萨卡里亚：低音为王
马祖卡：优美的民间舞蹈
室内乐：几个好友一起演奏
交响曲：所有乐器一起！
进行曲：一、二、三、四！
弥撒：用歌声赞美上帝
三重奏鸣曲：美好的事物总是成三，或者成四
旋转曲式：转过去，又转回来
前奏曲：嗨，我开始啦！
恰空：最喜欢这种和弦的发展形式了！
幻想曲：想到哪，写到哪
特性曲：有个性的歌曲
套曲曲式：等等，我是不是听过这个？
音诗：每一首都讲述着一个故事
二部创意曲：一种人们很难跟上的音乐对话
三、伟大的音乐家
路德维希•凡•贝多芬（1770—1827）：他头脑中的音乐
约翰内斯•勃拉姆斯（1833—1897）：瞻前顾后
菲利克斯•门德尔松•巴托尔迪（1809—1847）：短暂而辉煌的一生
理查德•瓦格纳（1813—1883）：要么爱他，要么恨他
阿诺德•勋伯格（1874—1951）：兜了一大圈
沃尔夫冈•阿玛德乌斯•莫扎特（1756—1791）：小童星
克劳德•德彪西（1862—1918）：打破传统束缚
弗里德里克•肖邦（1810—1849）：琴键上的浪漫
弗朗茨•李斯特（1811—1886）：上帝、女人和音乐
埃克托•柏辽兹（1803—1869）：一个偏执的天才
安东宁•德沃夏克（1841—1904）：波希米亚的作曲家
朱塞佩•威尔第（1813—1901）：“威尔第万岁！”
约翰•塞巴斯蒂安•巴赫（1685—1750）：不只是一位出色的管风琴师
阿朗•科普兰（1900—1990）：一位美国作曲家
查尔斯•埃夫斯（1874—1954）：生活在压力之中
伊格尔•斯特拉文斯基（1882—1971）：发展、变化的一代
贝拉•巴托克（1881—1945）：无可比拟
古斯塔夫•霍尔斯特（1874—1934）：他不属于这个世界
弗兰茨•舒伯特（1797—1828）：艺术歌曲之王
爱德华•格里格（1843—1907）：挪威音乐先驱
纳迪亚•布朗热（1887—1979）：有影响力的音乐家们都受到过她的教诲
谢尔盖•普罗科菲耶夫（1891—1953）：可怕的少年天才
安东尼奥•维瓦尔第（1678—1741）：不是忠心的牧师，却是全心的作曲家
理查•施特劳斯（1864—1949）：平衡的艺术
克劳迪奥•蒙特威尔第（1567—1643）：一位先于时代的浪漫主义者
迪米特里•肖斯塔科维奇（1906—1975）：不得不为苏维埃工作
让•西贝柳斯（1865—1957）：不是那么纯正的芬兰作曲家
乔治•弗里德里克•亨德尔（1685—1759）：全世界的教会音乐家
弗朗茨•约瑟夫•海顿（1732—1809）：古典音乐的“爸爸”
爱德华•埃尔加爵士（1857—1934）：改变自己的命运
弗朗索瓦•库普兰，库普兰家族的“大库普兰”（1668—1733）：潜移默化的影响
罗伯特•舒曼（1810—1856）：一条完美的路径
克拉拉•舒曼（1819—1896）：在阴影下创作
艾米•比奇（1867—1944）：掩藏不了的光芒
毛里斯•拉威尔（1875—1937）：不只是印象派
彼得•伊里奇•柴可夫斯基（1840—1893）：灵魂的音乐
四、璀璨的作品
《c小调第五交响曲》（1808）：路德维希•凡•贝多芬
《小夜曲》（1787）： 沃尔夫冈•阿玛徳乌斯•莫扎特
《G弦上的咏叹调》（1720）：约翰•塞巴斯蒂安•巴赫
《为弦乐队而作的柔板》（1936）：萨穆埃尔•巴伯
《四季》（1725）：安东尼奥•维瓦尔第
《月光》（1890）：克劳德•德彪西
《c小调第二钢琴协奏曲》（1900）：谢尔盖•拉赫玛尼诺夫
《蓝色狂想曲》（1924）：乔治•格什温
《降E大调第二号夜曲》（1830—1832）：弗里德里克•肖邦
《D大调卡农》（约1700）：约翰•帕赫贝尔
三首《裸体舞曲》（1888）：埃里克•萨蒂
《自新大陆》（1893）：安东宁•德沃夏克
《圣母颂》（1825）：弗朗茨•舒伯特
《惊愕交响曲》（1791）：弗兰茨•海顿
《彼得与狼》（1936）：谢尔盖•普罗科菲耶夫
《月光》（1801）：路德维希•凡•贝多芬
《蓝色多瑙河》（1867）：小约翰•施特劳斯
《马尔采鲁斯教皇弥撒》（1567）：乔万尼•皮耶路易吉•帕勒斯特里那
《培尔•金特》（1874—1875）：爱德华•格里格
《春之祭》（1911—1913）：伊格尔•斯特拉文斯基
《慢板》（1945）：雷莫•贾佐托
《包莱罗》（1928）莫里斯•拉威尔
《d小调托卡塔与赋格》（约1708）：约翰•塞巴斯蒂安•巴赫
《安魂曲》（1887—1900）：加布里埃尔•弗雷
《胡桃夹子》（1892）：彼得•伊里奇•柴可夫斯基
《阿巴拉契亚的春天》（1943—1944）：阿伦•科普兰
《仲夏夜之梦》（1842）：菲利克斯•门德尔松
《为十八位音乐家而作》（1976）：斯蒂夫•莱奇
《g小调第四十交响曲》（1788）：沃尔夫冈•阿玛德乌斯•莫扎特
《沉思》（1892）：朱尔斯•马斯涅
《匈牙利狂想曲第二号》（1847）：弗朗茨•李斯特
《弥赛亚》（1741）：乔治•弗里德里克•亨德尔
《梦幻曲》（1838）：罗伯特•舒曼
《d小调第九交响曲》（1824）：路德维希•凡•贝多芬
《天鹅》（1886）：卡米耶•圣桑
《b小调弥撒》（约1733—1748）：约翰•塞巴斯蒂安•巴赫
《摇篮曲》（1868）：约翰内斯•勃拉姆斯
五、歌剧精品
《狄多与埃涅阿斯》：亨利•普塞尔（1659—1695）
《费加罗的婚礼》：沃尔夫冈•阿玛徳乌斯•莫扎特（1756—1791）
《堂•乔万尼》：沃尔夫冈•阿玛徳乌斯•莫扎特（1756—1791）
《女人心》：沃尔夫冈•阿玛徳乌斯•莫扎特（1756—1791）
《魔笛》：沃尔夫冈•阿玛徳乌斯•莫扎特（1756—1791）
《塞维利亚的理发师》：焦阿基诺•罗西尼（1792—1868）
《灰姑娘》：焦阿基诺•罗西尼（1792—1868）
《梦游女》：文森佐•贝利尼（1801—1835）
《诺尔玛》：文森佐•贝利尼（1801—1835）
《爱的甘醇》：葛塔诺•多尼采蒂（1797—1848）
《拉美莫尔的露琪亚》：葛塔诺•多尼采蒂（1797—1848）
《弄臣》：朱塞佩•威尔第（1813—1901）
《茶花女》：朱塞佩•威尔第（1813—1901）
《阿依达》：朱塞佩•威尔第（1813—1901）
《奥赛罗》：朱塞佩•威尔第（1813—1901）
《漂泊的荷兰人》：理查德•瓦格纳（1813—1883）
《罗恩格林》：理查德•瓦格纳（1813—1883）
《特里斯坦和伊索尔德》：理查德•瓦格纳（1813—1883）
《浮士德》：查理•古诺（1818—1893）
《罗密欧和朱丽叶》：查理•古诺（1818—1893）
《采珠人》：乔治•比才（1838—1875）
《卡门》：乔治•比才（1838—1875）
《参孙和达利拉》：卡米耶•圣桑（1835—1921）
《霍夫曼的故事》：雅克•奥芬巴赫（1819—1880）
《曼侬》：朱尔斯•马斯涅（1842—1912）
《鲍里斯•格东诺夫》：穆杰斯特•穆索尔斯基（1839—1881）
《乡村骑士》：比耶特罗•马斯卡尼（1863—1945）
《丑角》：卢杰罗•莱昂卡瓦罗（1857—1919）
《汉塞尔和格雷特》：英格伯特•洪普丁克（1854—1921）
《波希米亚人》：贾科莫•普契尼（1858—1924）
《托斯卡》：贾科莫•普契尼（1858—1924）
《蝴蝶夫人》：贾科莫•普契尼（1858—1924）
《图兰朵》：贾科莫•普契尼（1858—1924）
《莎乐美》：理查•施特劳斯（1864—1949）
《埃莱克特拉》：理查•施特劳斯（1864—1949）
《驻外领事》：吉安•卡尔洛•门诺迪（1911—2007）
《阿玛尔和夜访者》：吉安•卡罗•门诺迪（1911—2007）
六、乐器
交响乐队：一起演奏出美妙的音乐
弦乐组：一组靠琴弦发声的乐器
小提琴：长达四百五十年的激情
中提琴：小提琴的亲密兄弟
大提琴：让音乐歌唱
低音提琴（贝司）：低音声部的支柱
手摇风琴：有趣的名字，但却已过时
木管组：拥有独特音色的大家族
长笛：吹出一段旋律来
单簧管：按键很麻烦，但绝对值得一试
双簧管：它就是标准音
巴松（大管）：可别小看它
铜管组：种类丰富的号
小号：用嘴唇吹出的声音
圆号（法国号）：可以自由转调的铜管乐器
长号：一次幸运的改名
大号：只有大块头才吹得响
打击乐组：音乐中噼里啪啦的声响补充
定音鼓：全世界最古老的鼓声
打击乐中的色彩乐器：木琴和马林巴登场了
钟琴：用金做材料是值得的
钢片琴：你听到的是铃声吗？
无固定音高的打击乐器：“噪音制造者”
无固定音高的鼓：没有音高，却充满了节奏
钢琴：历经三百年的发展
羽管键琴：巴洛克时期的“钢琴”
击弦古钢琴：很少见的乐器，但确实值得保留
钢片琴：来自天堂乐器的温暖的声音
竖琴：拨动琴弦，触动心弦
古典吉他：从演变到革命
管风琴：乐器之王
风笛：从一个大风袋里飘出的甜美声音
人声：我们身体里本身就有的乐器
蛇形管：好听，但是不好吹
玻璃琴：简单而令人惊异的声音
电颤琴：几近人声
七、乐理
乐理：声音及其理论
练耳和对声音的辨识：这听起来像……
音乐的形式是什么？时间和格式很重要
如何理解音乐的形式：声音的形状
音乐是有条理的声音：和混乱无序的噪音正相反
现代记谱法：一些最基本的规则
五线谱的一砖一瓦：有序的声音是如何被记录下来的
记谱法中的节奏和节拍：越来越快
速度和意大利术语：听起来更顺耳
旋律：来哼几个小节
和声与和弦：几个音同时发声
音程、调性和情绪：大调调性
小调：低音音阶
降号、升号和还原
音乐的色彩和重力：听起来“很重”
音乐色彩的规则：虽然没有琴酒
终止：音乐中的红绿灯
自然阶和半音音阶：半音半音地升高
调性之间的关系：五度圆圈
七和弦：一大堆音符
单声部音乐：一个声部，一个旋律
复调音乐：各声部和谐统一
单旋律音乐：旋律为主，伴奏为辅
隐藏的和声：你可以想象你听到它了
当代和声学和无调性音乐：调性的消逝
四度延留音和四度和声：三度是和谐的，四度就是噪音了
听起来好像不一样了：音乐中的元素怎样决定一首曲子的风格？
迷失在歌剧中：瓦格纳主义者们和终极半音阶主义
无调性音乐和德国表现主义：极度痛苦和极度欢乐
阿诺德•勋伯格和十二音体系：每首曲子里都有等量的十二个音
砰！每一个元素都能被序列化！：只要你希望完全掌控音乐
随机音乐：一切都是音乐
美妙的法国全音阶音乐：神秘的音乐
电子音乐和“具体的事物”：制造出快乐的噪音
美国爵士音乐和摇滚音乐：古典音乐的影响力
乐理和你：科学听起来挺不错
八、世界各地的音乐厅
维罗纳竞技场剧院：露天剧场的鼻祖
卡耐基音乐厅：纽约最好的音乐厅
皇家阿尔伯特音乐厅：最棒的管风琴
凤凰歌剧院：浴火重生
悉尼歌剧院：当初的抗争是值得的
纽约大都会歌剧院：你终于来到这里了
梅西音乐厅：一切都要归功于梅西……
维也纳国立歌剧院：坚持不懈的象征
波士顿音乐厅：维护得极其完美
布鲁塞尔皇家铸币局歌剧院：没有歌剧院就没有比利时
东京三得利音乐厅：观众席的设计是亮点
马林斯基剧院：基洛夫剧团的主场
维也纳音乐爱好者协会（金色大厅）：音乐简直太美妙了
蒙特利尔艺术广场：城市的艺术动脉
伦敦皇家歌剧院：女王的骄傲
布达佩斯维加多音乐厅：不只是声音好
伦敦皇家节日音乐厅：并不完美，但仍受大家喜爱
拜鲁伊特音乐节剧院：瓦格纳，到处都是瓦格纳
维也纳音乐厅：人民的音乐厅
匈牙利国家歌剧院：匈牙利皇冠上的珠宝
香榭丽舍剧院：整晚的闹剧
莱比锡格万特豪斯音乐厅：成长的伤痛
莫斯科大剧院：俄罗斯的大剧院
慕尼黑国家剧院：德国音乐天才之家
米兰斯卡拉歌剧院：承受力差的人可别来
阿姆斯特丹音乐厅：这里只有古典音乐
柏林国家歌剧院：历经几个世纪
埃斯特哈扎：海顿宾至如归
沃尔特•迪斯尼音乐厅：提升了美国音乐厅的声誉
苏黎世歌剧院：他们接下来要干什么？
热那亚歌剧院：热那亚的骄傲
莫扎特音乐学院：当教育遇到表演
节日大剧院：缪斯的圣殿
国家剧院和音乐厅：为了纪念一位饱受争议的领导人
节日大剧院：政府的介入
柏林爱乐音乐厅：既美观又实用
九、博物馆和音乐节
莫扎特博物馆：在莫扎特家里和他聊聊
肖邦国际音乐节：欧洲最古老的钢琴音乐节
快去排队吧！拜鲁伊特音乐节和理查德•瓦格纳博物馆
犹他州莫亚音乐节：风景中的音乐会
伦敦亨德尔音乐节：亨德尔回家了
维尔比耶音乐节：年轻而快速发展的音乐节
阿尔卑斯音乐节和阿尔卑斯音乐学校：大自然就是舞台
波士顿早期音乐节：昨日重现
客厅中音乐绕梁而不绝：门德尔松故居和莱比锡音乐节
新港音乐节：地点、地点、地点
普契尼音乐节：湖边的咏叹调
格里莫格拉斯歌剧节：在湖边听音乐
普罗旺斯艾克斯音乐节：院落里的音乐
德累斯顿音乐节：诞生于冷战时期
格林德伯恩歌剧节：既古老，又年轻
俄勒冈州巴赫音乐节：太平洋东北岸的古典盛事
罗西尼歌剧节：复兴大师不为人知的作品
爱丁堡国际音乐节：以苏格兰的方式转变
班夫夏季艺术节：所有人的节日
波恩贝多芬音乐节：贝多芬，动起来
圣达菲室内音乐节：听觉和视觉盛宴
亨德尔故居博物馆：亨德尔的终极住所和工作室
渥太华国际室内乐音乐节：加拿大的首都充满了音乐
拉维尼亚音乐节：多彩的文化
斯特拉底瓦里博物馆和古代乐器展：小提琴的诞生地
萨尔兹堡音乐节：给奥地利带来和谐的音乐节
唐格伍德音乐节：简易露天棚里的音乐节
万宝路：南佛蒙特的艺术公社
琉森音乐节：瑞士的魔力
美国古典音乐名人纪念馆：纪念美国在古典音乐领域所做出的贡献
蒙特威尔第音乐节：向歌剧教父致敬！
莱比锡的巴赫音乐节和巴赫博物馆：去德国的两大理由
威尔第音乐节：纪念意大利的儿子
波恩贝多芬故居博物馆：关于伟大的音乐家的一点一滴
巴里之声音乐节：水边的室内乐
斯波莱托音乐节：在南卡罗莱纳的查尔斯顿欣赏意大利音乐
十、古典流行大杂烩
贝多芬和《罗斯玛丽的婴儿》：达科他公寓里的魔鬼
《2001太空漫游》里的哈恰图良的慢板：冰冷、孤独、无边无际的宇宙
电影《救命》里的插曲——贝多芬的《欢乐颂》：有品位的老虎
本杰明和电影《擒凶记》：当暴风雨即将到来
古斯塔夫•马勒和电影《死于威尼斯》：喜欢其中的音乐？那就买本小说读读吧
音乐会的电视转播：全家一起看演出
《愤怒的公牛》和《乡村骑士》中的《间奏曲》：马斯卡尼的音乐和电影镜头形成了鲜明的对比
施特劳斯和《2001太空漫游》：谁说宇宙飞船不会跳舞？
普契尼的《我亲爱的爸爸》和 《看得见风景的房间》：浪漫奇遇的咏叹调
当电影《“爵”代风华》遇到维瓦尔第：“演出开始了！”
到处都有《行星组曲》：古斯塔夫•霍尔斯特最受欢迎的一部作品
巴赫和《沉默的羔羊》：杀手的旋律
帕赫贝尔和电影《普通人》：卡农秀
莫扎特和《走出非洲》：听起来很浪漫
巴伯和电影《野战排》：战争的伴侣和良药
贝利尼和电影《廊桥遗梦》：音乐让心也跟着歌唱
月亮的音乐：德彪西最合适
莫扎特的《浪漫曲》和电影《异形》：远离怪物
迪斯尼公司出品的《幻想曲》：介绍古典音乐的动画片
拉威尔和《十全十美》：优美的《包莱罗》舞曲
埃尔加和电影《伊丽莎白一世》：音乐可以跨越时空
百德工具和里姆斯基-科萨科夫：来自机械工的灵感
英国航空公司和《花的二重唱》：“安全平和的空中旅行”
格里格和雀巢咖啡：边喝咖啡边听《培尔•金特》
普罗科菲耶夫和雷克萨斯：音乐帮助汽车躲过大圆球
电视情景喜剧中的古典音乐：《单身公寓》把古典音乐带到了电视情景喜剧中
奥尔夫和“老帆船”品牌：原来刮脸是如此有成就感的一件事
《塞维利亚的理发师》和拉古意粉酱：罗西尼和威尔第卖意粉酱
把古典变成摇滚：艾尔普乐队扛起大旗
Yes摇滚乐队和古典音乐：起点高，成就大
摇滚音乐中的古典旋律：鲁福斯•韦恩莱特向莫里斯•拉威尔致敬
甲壳虫乐队：另外一个“乔治”把古典音乐的影响带到了流行文化中
越多越好：由交响乐队伴奏的摇滚组合
沙拉•布莱特曼：把古典音乐和歌剧带给大众
古典跨界：约翰•贝勒斯的古典摇滚
古典音乐对电影和电视音乐的影响：专业训练使然
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读后感
上世纪八、九十年代，有一套名为《365夜故事》的少儿读物风靡全国。近日，读了《古典音乐日课书》，忽然感到，这本每天讲述一则古典音乐知识的普及读物，其实就是古典音乐的365天故事。 古典音乐的普及，是许多有识之士在致力于做的一件事。最近，也有人对此提出异议，认为古典...
评分上世纪八、九十年代，有一套名为《365夜故事》的少儿读物风靡全国。近日，读了《古典音乐日课书》，忽然感到，这本每天讲述一则古典音乐知识的普及读物，其实就是古典音乐的365天故事。 古典音乐的普及，是许多有识之士在致力于做的一件事。最近，也有人对此提出异议，认为古典...
评分不明白恰空舞曲和萨拉班德舞曲是怎么回事？想在生活中添加点无调性音乐？还在犹豫明年夏天去参加哪个古典音乐节？不知道约翰•贝里斯是谁，也不清楚他对巴赫的作品做了什么？ 《古典音乐日课书》本书是对古典音乐的完美阐释，它能让你透过音乐知识表面，探寻音乐史...
评分上世纪八、九十年代，有一套名为《365夜故事》的少儿读物风靡全国。近日，读了《古典音乐日课书》，忽然感到，这本每天讲述一则古典音乐知识的普及读物，其实就是古典音乐的365天故事。 古典音乐的普及，是许多有识之士在致力于做的一件事。最近，也有人对此提出异议，认为古典...
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用户评价
这本书的叙事口吻，让我感觉像是在跟随一位既博学又极具耐心的老朋友在交流。它没有那种高高在上的学者腔调，也没有为了迎合大众而过度简化导致的失真。相反，它的语言是精准而富有画面感的。比如，当作者描述肖邦夜曲中的某个段落时，他不会用冰冷的术语去定义“三拍子”或“琶音”，而是会用“月光下，湖面泛起微澜时，手指在琴键上轻轻滑动的错觉”，这种高度的文学性和象征性，极大地激发了我的想象力。我甚至会立刻关掉灯，戴上耳机，试图在脑海中重现作者描绘的场景。更值得称赞的是，书中对于“乐器发展史”的穿插介绍。它没有将乐器史独立成章，而是随着讨论到某位作曲家时，自然而然地引入了当时乐器性能的局限性或突破性对音乐创作带来的影响。例如，在讨论勃拉姆斯时，会顺带提到圆号在那个时代的技术革新，以及这如何解放了管弦乐配器的可能性。这种有机结合的方式，使得知识点之间的联系异常紧密，避免了孤立记忆。这本书成功地将“耳朵的愉悦”与“大脑的理解”进行了无缝对接，让人在享受音乐的同时，思维也得到了充分的锻炼。
评分这本书的封面设计得极为雅致，那种深沉的墨绿色配上烫金的字体，一眼就能感受到它蕴含的厚重与典雅。内页的纸张质感也非常好，拿在手里有一种沉甸甸的踏实感，这对于阅读体验来说至关重要，毕竟欣赏古典音乐本身就是一种需要仪式感的活动。我原本以为这会是一本晦涩难懂的学术专著，但翻开目录才发现，它的编排逻辑极其人性化。作者似乎深谙初学者的困惑，将复杂的音乐史和曲目介绍分解成了许多易于消化的小单元。比如，它没有直接堆砌巴赫或莫扎特的生平大事记，而是选择了一个特定的、标志性的作品作为切入点，然后娓娓道来该作品创作的时代背景、作曲家的心境，以及其在音乐史上的里程碑意义。这种“以点带面”的叙事手法，让我立刻抓住了重点，而不是被海量的信息淹没。而且，书中的排版也十分考究，留白适度，关键术语都有细致的注释，即便是第一次接触这种深奥知识的人，也能轻松跟上作者的思路。我特别欣赏它对“聆听指南”部分的着墨，书中并没有简单地推荐“你应该听什么”，而是教导“你应该如何去听”，比如如何分辨赋格的结构，如何捕捉奏鸣曲式的核心冲突，这些指导非常实用，让听音乐从被动的接受变成了一种主动的探索与对话。总而言之，这本书在装帧和内容组织上，都展现出了对古典音乐艺术的由衷敬意与专业态度。
评分我一直对室内乐情有独钟，但苦于找不到一本能深入浅出讲解室内乐写作技巧的书籍。这本书中的“结构解析”部分，恰好满足了我的需求。它选择了海顿的几首弦乐四重奏作为范本，没有过多纠缠于复杂的理论定义，而是侧重于“对话”的艺术。作者细致地分析了第一小提琴、第二小提琴、中提琴和大提琴之间如何相互呼应、如何进行主题的传递与对抗。尤其是它对“模仿”手法的剖析，让我明白了，室内乐的精妙不在于炫技，而在于四种不同音色如何在限定的空间内达成完美的平衡与制衡。书中配有大量的乐谱节选，虽然不是完整的乐谱，但关键的模进或卡农结构会被放大并用简单的箭头和文字标示出来，这对于非专业人士来说是极其友好的。我甚至尝试着自己对着乐谱，用四种不同的声音（想象中的）去“扮演”这四种乐器，感受那种紧密编织的网状结构。这种互动式的阅读体验，远比单纯听录音要深刻得多。它教会我如何去聆听每一个声部的“独立意志”与其在整体中的“集体服从”，这不仅是音乐的欣赏，更是对一种精妙人际协作的隐喻。
评分拿到这本“日课书”后，最大的感受是它的“时间跨度感”处理得非常巧妙。很多音乐普及读物要么过于侧重浪漫主义的激情澎湃，要么一头扎进巴洛克的繁复精妙，难以建立起一个完整的历史脉络。但这本书显然不是这样。它没有采用简单的年代顺序推进，而是选择了一种主题式串联。比如，某一天的内容可能围绕“教堂合唱的演变”展开，从格里高利圣咏开始，一路走到二十世纪的现代宗教音乐片段，期间穿插了帕莱斯特里那和亨德尔的对比分析。这种跳跃式的、但逻辑清晰的结构，极大地拓宽了我的视野。我发现自己不再局限于某几个“大牌”作曲家，而是开始关注那些在特定历史时期起到关键过渡作用的小人物和不同地域的音乐风格。特别是它在描述“音乐的社会功能”时，引用了大量的历史文献和当时的讽刺漫画，使得音乐不再是飘在空中的旋律，而是深深扎根于当时的政治、宗教和社会生活之中，这种多维度的解读方式，让原本略显枯燥的音乐史变得鲜活有趣起来。读这本书的过程，更像是在进行一场跨越时空的文化考察，每一次翻阅都像打开了一扇通往不同世纪沙龙或礼拜堂的门，充满了发现的乐趣和智力上的满足感。
评分关于本书的“兼容性”设计，是其最让我感到惊喜的一点。我发现，这本书的核心内容是面向古典音乐的，但它并未闭关自守。在探讨二十世纪初的音乐思潮时，作者非常自然地将勋伯格的十二音体系与当时兴起的抽象表现主义绘画进行了类比，甚至提到了德彪西的作品中如何借鉴了印象派绘画的光影处理。这种跨艺术领域的参照，极大地丰富了阅读的层次感。对于我这种兴趣广泛的读者来说，这本“日课书”俨然成了一个知识的枢纽，它提供了一个坚实的古典音乐坐标系，但同时鼓励我们将周围其他领域的知识输入进来，进行交叉比对和理解。此外，书的最后部分还探讨了“录音技术对古典音乐诠释的影响”，从早期的单轨录音到现代的数字混音，如何改变了指挥家和演奏家对作品的理解和呈现，这是一个非常现代且具有思辨性的议题。它促使读者反思，在享受便利的聆听条件时，是否也失去了一些现场音乐的原始震撼力。这本书不仅是音乐知识的传授者，更是一个引导我们思考艺术与技术、历史与当下的思考工具，实在是一本难得的佳作。
评分原书的编排很巧妙地把大量相关知识囊括了进来。翻译的文字很流畅，译名一看就知道是外行做的，全看完就知道完全是外行做的（中央编译你们不觉得砸牌子吗），而且全书只有一处给专有名词保留了原文，简直要让人无从查证！
评分通俗易懂
评分原书的编排很巧妙地把大量相关知识囊括了进来。翻译的文字很流畅，译名一看就知道是外行做的，全看完就知道完全是外行做的（中央编译你们不觉得砸牌子吗），而且全书只有一处给专有名词保留了原文，简直要让人无从查证！
评分古典音乐不是古板音乐，日课书也不是宗教读物。
评分古典音乐不是古板音乐，日课书也不是宗教读物。
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