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出版者:中国民族摄影艺术出版社

作者:袁干平 等

出品人:

页数:104

译者:

出版时间:2011-6

价格:48.90元

装帧:

isbn号码:9787512201293

丛书系列:

图书标签:

• 钢笔写生表现技法
• 美术基础
• 十二五规划教材
• 中国摄影艺术出版社
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《中国古代书画鉴赏辞典》 内容简介 《中国古代书画鉴赏辞典》是一部系统、权威、内容详实的工具书，旨在为广大书画爱好者、收藏家、研究者以及相关专业人士提供一个全面了解中国古代书画艺术的平台。本书汇集了中国书画发展历程中的代表性作品、重要流派、杰出艺术家以及鉴赏的必备知识，力求以严谨的学术态度和清晰易懂的语言，展现中国书画艺术的博大精深与独特魅力。 一、 编纂理念与特色 本书的编纂遵循以下核心理念： 系统性与全面性： 涵盖从新石器时代到清末民初的各个时期，包括绘画（人物、山水、花鸟、走兽等）和书法（篆、隶、楷、行、草）两大门类。 权威性与学术性： 邀请了国内一流的书画鉴定专家、历史学者和艺术理论家撰写条目，确保了内容的学术深度和准确性。 实用性与可读性： 在保持学术严谨性的同时，注重语言的通俗易懂，为不同层次的读者提供便利。大量的精美高清彩图，让读者能够直观地欣赏艺术原作。 鉴赏性与研究性： 不仅介绍作品本身，更侧重于提供鉴赏的方法和视角，引导读者理解作品的时代背景、作者生平、创作意图、艺术特色、文化内涵以及辨伪的基本常识。 本书的突出特色体现在： 词条式结构： 采用辞典式的编排方式，按笔画或拼音顺序排列，方便读者查阅。 图文并茂： 每件重要作品都配有高质量的彩色高清图像，并配以详细的文字解读，使读者“眼见为实”。 分层级解读： 对每件作品，会从基本信息（作者、年代、尺寸、材质、收藏地等）入手，深入分析其艺术风格、技法运用、构图布局、色彩意境，并结合历史文献、艺术史研究成果进行考证。 专题性论述： 除了单件作品的介绍，还设置了多个专题条目，如“历代绘画流派”、“中国书法史上的重要里程碑”、“书画鉴定的基本原则”、“中国古代绘画材料与工具”、“文人画的兴起与发展”等，帮助读者构建更宏观的艺术史认知框架。 鉴赏要点提示： 在对作品进行分析时，会特别提炼出关键的鉴赏要点，如用笔用墨的特点、设色的技巧、章法的布局、款识印章的辨识等，让读者掌握实用的鉴赏技巧。 与其他艺术形式的关联： 适时指出书画艺术与其他艺术门类（如诗词、陶瓷、园林等）的相互影响与融合，展现中国传统文化的高度统一性。 二、 主要内容构成 本书内容主要分为以下几个核心部分： 1. 中国书画史概述： 早期书画： 追溯新石器时代的陶器纹饰、商周时期的青铜器铭文，以及甲骨文、金文等早期文字形态，揭示书画艺术的萌芽。 秦汉魏晋南北朝时期： 重点介绍篆书、隶书的发展，以及顾恺之、曹植等早期书画家的贡献。 隋唐五代时期： 这一时期是中国书画的黄金时代，将详细介绍楷书的集大成者（如欧阳询、虞世南、褚遂良、颜真卿、柳公权）、行书大家（如王羲之、王献之的传承与发展）、山水画的勃兴（如李思训、王维）、人物画的精进（如吴道子）等。 宋元时期： 重点分析宋代绘画的理性化与文人画的兴起（如范宽、郭熙、赵佶、马远、夏圭），以及元代绘画的写意风格与继承（如赵孟頫、黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇）。书法方面，将介绍宋徽宗的瘦金体、宋四家（苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄）等。 明清时期： 深入探讨明代绘画的多元化（如沈周、文徵明、唐寅、仇英、徐渭），以及清代书画的创新与复古（如“四王”、八大山人、石涛、扬州八怪、赵之谦、吴昌硕）。书法方面，将梳理晚明以来碑学的兴盛，以及行草书的大家（如王铎、傅山）。 近现代书画： 简要介绍近现代书画的转型与发展，如海上画派、岭南画派等。 2. 重要艺术家传记与代表作品赏析： 本书将选取数百位在中国书画史上具有里程碑意义的艺术家，对其生平、艺术风格、主要成就及其代表作品进行详细介绍。例如： 书法家： 王羲之（《兰亭序》）、颜真卿（《祭侄文稿》）、苏轼（《寒食帖》）、米芾（《蜀素帖》）、王铎（《草书诗卷》）、赵之谦（《楷书“李梅庵先生乐善好施”碑》）、吴昌硕（《行书“似吴仲瑛”七言联句》）等。 画家： 顾恺之（《洛神赋图》）、吴道子（《送子天王图》）、李思训（《江山纪胜图》）、王维（《山居秋暝图》）、范宽（《溪山行旅图》）、张择端（《清明上河图》）、赵佶（《芙蓉锦鸡图》）、八大山人（《山水册页》）、石涛（《苦瓜和尚画语录》及其画作）、郑燮（《竹石图》）、齐白石（《虾》）等。 每一位艺术家的介绍，都将结合其所处的时代背景、师承关系、个人经历，深入分析其在书法或绘画上提出的创新理论、发展的独特技法，以及其作品所蕴含的思想情感和艺术观念。 3. 绘画种类与技法解读： 山水画： 介绍中国山水画的“外师造化，中得心源”的创作原则，以及披麻皴、斧劈皴、雨点皴、荷叶皴等各种皴法的运用，构图的“三远法”，以及如何通过笔墨表现自然的地理特征和人文精神。 人物画： 探讨从顾恺之的“传神写照”到吴道子的“吴带当风”，再到宋元时期写实人物画的精进，以及明清人物画的题材扩展（仕女、历史故事、风俗画等）。 花鸟画： 介绍花鸟画的写意与工笔两大分支，如何通过对花、鸟、鱼、虫的描绘来寄托情怀，如“兰、竹、梅、菊”四君子象征的品格，以及鱼鸟的动态表现。 走兽画： 重点介绍马、牛、犬、虎等动物的描绘技巧，特别是如何捕捉动物的神态与生命力。 4. 书法种类与赏析要点： 篆书： 介绍大篆（金文、石鼓文）和小篆（秦代李斯统一文字）的特点，以及其古朴、庄重的风格。 隶书： 讲解隶书的起源、演变（秦隶、汉隶），特别是汉隶波磔的舒展与飘逸。 楷书： 分析楷书的结构严谨、笔画清晰，并深入介绍钟繇、王羲之、欧阳询、虞世南、褚遂良、颜真卿、柳公权等楷书大家，以及颜体的雄浑、柳体的瘦硬等不同风格。 行书： 探讨行书的流畅自然、介于楷草之间，重点分析王羲之《兰亭序》的神韵，以及唐代“二王”书风的传承与发展。 草书： 介绍章草、今草、狂草的演变，以及张旭、怀素等狂草大家的奔放不羁。 书法赏析要点： 强调“结构、笔法、墨法、章法、神韵”等关键要素，并提供辨识作者、年代、真伪的辅助方法。 5. 书画鉴赏基础知识： 中国古代绘画材料与工具： 详细介绍宣纸、絹、墨、笔、砚的种类、质地与特点，以及不同时期材料的变化对书画风格的影响。 书画款识与印章： 讲解中国古代书画作品上作者的姓名、年号、籍贯、别号、诗文等款识的形制、内容，以及各种印章（姓名章、闲章、收藏章）的辨识方法，这是鉴别书画真伪的重要依据。 书画装裱： 介绍中国古代书画独特的装裱技艺，如卷、轴、册页、扇面等形式，以及装裱的材料、工艺对作品的保护和展示作用。 书画鉴定基本原则： 介绍从作品的风格、笔墨、色彩、题材、款识、印章、纸绢、装裱、题跋、流传有序等方面进行综合判断的方法。 中国古代的收藏印记： 介绍历代重要收藏家（如梁清标、安岐、乾隆皇帝、溥仪等）的鉴藏印，这些印记是考证作品流传历史的重要线索。 三、 目标读者 本书的目标读者广泛，包括但不限于： 书画爱好者： 对中国传统书画艺术充满兴趣，希望系统了解其发展脉络、艺术风格和代表作品的普通读者。 艺术收藏者： 在投资和收藏书画作品过程中，需要专业知识作为指导的收藏人士。 艺术史研究者： 在进行学术研究时，需要查阅大量一手资料、梳理艺术脉络的研究学者。 美术院校师生： 在学习、教学和研究中国传统绘画、书法课程时，需要权威参考资料的学生和教师。 博物馆、美术馆工作人员： 在日常工作中需要对藏品进行鉴赏、研究和解读的专业人员。 文化交流与传播工作者： 在向国内外介绍中国传统文化时，需要丰富素材和知识的专业人士。 四、 结语 《中国古代书画鉴赏辞典》不仅是一部知识的宝库，更是一扇通往中国优秀传统文化殿堂的门。通过阅读本书，读者将能够更深刻地理解中国书画的艺术价值、历史地位和文化意义，从而提升艺术审美能力，丰富精神世界，并为传承和弘扬中华优秀传统文化贡献力量。本书凝聚了无数专家学者的心血，以其严谨的治学态度和精湛的艺术呈现，必将成为中国古代书画研究和鉴赏领域不可或缺的重要工具。

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这本书的排版和印刷质量简直是教科书级别的典范。我特别留意了那些复杂的细节图示，比如金属器皿的反射光处理，线条的疏密变化是如何营造出体积感的。市面上很多教程会用非常粗糙的黑白线条来展示，但这本书显然在这方面投入了极大的成本。它精确地捕捉了钢笔尖在不同纸张上留下的痕迹——有细微的纤维感，有墨水洇开的柔和边缘，甚至能感受到作者在转折处施加的压力变化。这对于学习者来说至关重要，因为钢笔画的魅力就在于其不可逆转的决断力和独特的笔触质感。更让我惊喜的是，书中还穿插了一些大师作品的局部放大解析，这些解析不是简单地指出“这里用了短划线”，而是深入探讨了为什么作者选择在那里用短划线，它如何配合画面整体的节奏和韵律。这使得整本书的阅读体验从“学习技巧”升华到了“欣赏艺术”的层面，每一次翻阅都能发现新的层次和信息，绝对是值得收藏的艺术典籍。

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最让我感到踏实和受益的是书中关于“现场写生策略”的实用指导。很多技法书会展示完美的完成稿，却回避了真实的创作环境——光线变化快、时间有限、工具限制等。这本书非常务实地讨论了这些问题。作者详细介绍了如何根据不同的写生目标（例如，是记录场景氛围还是深入研究结构），来快速调整下笔的轻重缓急和细节取舍。他甚至提供了一套“三分钟速写模块”和“半小时精修模块”的流程图，帮助读者在有限的时间内高效地分配精力。我带着这本书去公园写生，发现以前总是因为纠结于一处细节而错过整体光影的变化，但现在我能严格按照书中建议的步骤，先确定大关系，再逐步深入，保证了作品的整体感和完成度。这本书不仅仅是关于“如何画得好”，更是关于“如何在真实世界中有效地完成一幅画”，这份实战经验的分享，价值千金。

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这本书的理论深度让人印象深刻，它没有停留在“是什么”的层面，而是深究了“为什么”。其中关于“形式语言的语法结构”的讨论，我觉得非常前沿。作者将钢笔画的各种表现手法——排线、点画、圈划、甚至快速的“扫笔”——系统化地归类，并赋予了它们在画面构成中的特定“功能”。比如，他将快速的S形线条定义为画面的“动势引导线”，专门用于打破静止构图的沉闷。这种结构化的分析，让我不再是零散地模仿别人的技法，而是学会了像建筑师一样去“建造”画面。当面对一个全新的、复杂的场景时，我不再无从下手，而是能迅速在脑海中构建出“基础结构线”、“光影面铺设线”和“细节纹理线”三个层次。这本书提供了一套完整的思维工具箱，让创作过程变得逻辑清晰、目标明确，极大地提升了自我纠错和创新的能力，而不是仅仅停留在模仿阶段。

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我原本是习惯用水彩或马克笔进行上色的，对纯粹的黑白钢笔写生一直有些敬畏，总觉得少了色彩的辅助，画面会显得单薄。然而，这本书彻底颠覆了我的这一固有印象。作者在讲解如何处理复杂材质时，展现出了一种近乎“魔术”般的技巧。例如，在描绘玻璃和水面时，他并没有依赖线条的密集度，而是巧妙地利用了“留白”和“断线”的策略，创造出极强的透明感和反光效果。特别是关于“阴影的温度”那一节，他提出即便是在单色调的画面中，通过线条的冷暖倾向（比如使用更硬朗的线条来表现冷色调的结构，用更松散的线条来暗示暖光），也能极大地丰富画面的情绪表达。这对于我这种色彩依赖症患者来说，是一次重要的“戒除”训练。读完后，我拿起笔去画身边的静物，惊喜地发现，仅仅依靠黑白灰的对比和线条的肌理，画面就已经可以具备非常丰富的视觉信息和情感张力了。

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这本书的封面设计得非常吸引人，那种复古的油墨质感，让人一拿起来就感觉回到了那个用笔尖在纸上沙沙作响的年代。我本来以为这会是一本枯燥的技法手册，结果翻开目录才发现，它更像是一部关于“观察”的哲学探讨。作者没有急于教你如何握笔、如何用墨，而是花了大量的篇幅去分析光影、结构和空间感在二维平面上的转化。尤其是其中关于“空气透视”的章节，简直是醍醐灌顶。它不是简单地告诉你远处的物体颜色要淡，而是深入剖析了大气粒子如何影响色彩饱和度和清晰度的微妙关系。我尝试用书中提到的方法去速写街角的咖啡馆，发现即便是最寻常的场景，在通过作者的“眼睛”去审视时，也焕发出了前所未有的生命力。这让我对钢笔这种工具的潜力有了全新的认识——它不只是线条的记录者，更是光影的雕刻师。对于那些已经掌握了基础素描，但感觉作品总是“平”下来的老手来说，这本书无疑是一剂强效的催化剂，能帮你突破瓶颈，真正做到“以笔代眼”。

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