具体描述
《北京大学素质教育通选课教材:西方音乐史》立足于文化史、艺术史的大背景下展开西方音乐发展过程的阐释。从音乐文化的角度来分析西方传统音乐发展历史中的各种现象，力求广泛、概括地介绍自古希腊、古罗马到当代的种种音乐艺术风格，介绍各种音乐创作倾向的代表者及代表作品，介绍产生不同音乐风格与流派的社会背景。揭示音乐作品在不同社会历史时期所具有的人文精神与审美特征。与此同时，尽力避免过多地涉及较深的音乐技术理论分析。注重对学生进行音乐感性认识的培养。使他们在了解西方音乐发展脉络与文化特征的同时。也进一步提高其音乐审美与鉴赏能力。
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作为一个对音乐史稍有了解的读者，我常常会遇到一些困惑，比如不同音乐时期之间的界限在哪里？某个风格的出现，是凭空产生的，还是有其历史渊源？《西方音乐史》这本书，以其严谨的学术态度和深入浅出的讲解，很好地解答了这些疑问。作者在论述音乐风格的演变时，非常注重“承上启下”的作用。他不会突兀地介绍一个新时期，而是会细致地分析前一个时期是如何孕育了新的音乐理念，以及哪些音乐上的“革新”是如何逐渐成为主流的。例如，在讲述浪漫主义音乐的兴起时，他详细回顾了古典主义时期对情感表达的压抑和对形式的强调，然后阐述了浪漫主义者们如何开始打破这些束缚，追求更自由、更个人化的情感表达。他对肖邦的夜曲和波兰舞曲的分析，不仅让我们感受到了音乐的诗意和民族情感，也让我们理解了音乐如何能够成为一种承载个人独特体验和民族精神的载体。书中对瓦格纳的论述更是让我印象深刻，作者不仅分析了他的“乐剧”理论，更深入探讨了他对整体艺术的追求，以及他如何通过音乐、戏剧、诗歌、视觉等多种媒介的融合，来创造一种前所未有的艺术体验。这种对音乐史发展脉络的清晰梳理，以及对不同风格之间内在联系的深刻揭示，让我对西方音乐的整体发展有了一个更全面、更系统的认识。
评分这本书最吸引我的地方在于，它不仅仅是一本音乐史的百科全书，更是一本引人入胜的音乐文化解读。作者在介绍每一个音乐时期时，都不仅仅关注音乐本身，还会深入挖掘音乐与当时的社会、哲学、文学、艺术等领域的联系。比如，在谈到文艺复兴时期时，他详细介绍了人文主义思潮如何影响了音乐的创作，从对宗教音乐的关注转向对人声和世俗情感的赞美。他对帕莱斯特里纳的弥撒曲的分析，不仅让我们感受到了音乐的纯净和庄严，也让我们理解了音乐如何成为当时宗教改革的重要载体。接着，当他进入巴洛克时期时，又会描绘出一种充满戏剧性和情感张力的音乐图景，并详细分析歌剧的诞生和发展，以及它如何成为反映社会现实和表达复杂情感的重要艺术形式。书中对维瓦尔第《四季》的解读，让我不仅仅听到了音乐本身的活力和色彩，更感受到了音乐如何通过对自然景象的模拟，来营造出一种身临其境的听觉体验。这种跨领域的视角，让音乐史的学习变得更加生动有趣，也让我认识到音乐是如何深刻地影响和反映着人类文明的进程。
评分我一直对古典音乐情有独钟，但总觉得自己的知识体系有些碎片化。《西方音乐史》的出现，正好弥补了我这方面的不足。这本书最让我赞赏的一点是，它能够在我看似杂乱无章的音乐体验中，梳理出一条清晰的时间线索，并且在每一个节点上，都给予了足够的深度和广度。举个例子，当我听到莫扎特的交响曲时，我常常会被其优美流畅的旋律所吸引，但书中关于古典主义时期的论述，让我明白了这种风格是如何从巴洛克时期的繁复转向清晰、平衡和理性的。作者详细阐述了奏鸣曲式的发展，以及交响曲、协奏曲、奏鸣曲等体裁在这一时期的成熟。他对于海顿和莫扎特在确立这些体裁规范上的贡献，以及他们如何通过精巧的音乐语言来表达情感，进行了细致的解读。尤其让我着迷的是，书中对贝多芬的分析。作者并没有将贝多芬仅仅视为古典主义的巅峰，而是强调他作为连接古典与浪漫时期的桥梁作用。他分析了贝多芬作品中日益增强的个人情感表达、革命性的结构创新，以及他对音乐作为一种精神力量的探索。读到这里，我才真正理解了为什么贝多芬的作品能够跨越时代，至今仍然具有如此强大的震撼力。书中对每一个重要作曲家的介绍，都不仅仅是罗列他们的代表作，而是深入挖掘他们创作背后的思想和时代印记，这种“知其然，更知其所以然”的叙述方式，让我在享受音乐的同时，也获得了更深层次的文化启迪。
评分这本书对我来说，更像是一次穿越时空的音乐之旅。《西方音乐史》的魅力在于，它不仅仅是罗列了大量的音乐史料和作曲家信息，更重要的是，它能够将我带入到那个特定的时代，去感受当时的音乐是如何被创作、被聆听、被理解的。作者在介绍中世纪音乐时，花了大量篇幅描述宗教音乐在当时的社会地位和功能，以及修道院生活对音乐创作的影响。他用生动的语言描绘了单音音乐的虔诚和肃穆，让我仿佛能听到回荡在古老教堂里的圣歌。然后，当他转向文艺复兴时期时，又会描绘出一种截然不同的氛围：人文主义思潮的兴起，对人声的赞美，以及音乐在宫廷和民间生活中的普及。我对当时复调音乐的精巧结构和对位法的复杂性印象深刻，作者的讲解让我理解了音乐如何从宗教的神圣走向世俗的喜悦。最让我惊喜的是，作者在讲述不同时期音乐风格的演变时，总能巧妙地联系到当时的社会文化、哲学思想，甚至是技术发展。比如，在介绍电子音乐的兴起时，他会详细讲解科技进步如何为音乐创作提供了新的可能性，以及这种新的音乐形式如何挑战了传统的音乐观念。这种多角度的解读，让音乐史不再是孤立的艺术史，而是与整个人类文明史紧密相连的有机整体。
评分在阅读《西方音乐史》的过程中，我最大的感受就是作者的“宏大叙事”与“精微细节”相结合的功力。他能够站在历史的长河之上，描绘出西方音乐从古至今的宏伟画卷，同时又能在每一个具体的音乐事件、每一个作曲家的作品中，挖掘出那些令人惊叹的精妙之处。比如，在讲述古典主义时期时，他详细阐述了奏鸣曲式的发展，以及它如何成为构建大型器乐作品的基础。他对海顿和莫扎特在完善奏鸣曲式和交响曲体裁上的贡献，进行了细致的分析，让我理解了这些看似“古典”的音乐形式，是如何蕴含着丰富的逻辑性和情感表达。接着，当他进入浪漫主义时期时，他并没有简单地概括为“情感的解放”，而是深入分析了新的和声语言、新的曲式结构，以及新的配器手法是如何共同作用，来营造出更加强烈、更加个人化的音乐体验。我对书中对勃拉姆斯《第一交响曲》的解读印象尤其深刻，作者分析了他如何在继承古典传统的同时，融入了浪漫主义的情感深度和史诗般的宏伟气魄。这种对音乐作品的深入剖析，让我不再是单纯地“听”音乐，而是能够“理解”音乐，感受到作曲家在创作中的匠心独运。
评分我一直觉得，要真正理解一门艺术，需要从其历史发展脉络入手。《西方音乐史》这本书，恰恰提供了一个极佳的视角。作者的叙述方式非常吸引人，他不仅仅是罗列出各个时期的音乐风格和代表人物，更重要的是，他能够深入挖掘这些音乐风格产生的历史根源，以及它们是如何随着时代的发展而演变的。比如，在讲述巴洛克时期的音乐时，他会详细介绍这一时期在和声、对位、以及器乐发展上的重要突破，并分析了音乐如何开始强调戏剧性和情感的表达。接着，当他进入古典主义时期时，又会阐述如何在此基础上，更加注重音乐的清晰、平衡和理性，奏鸣曲式和交响曲的成熟是这一时期的重要标志。让我印象深刻的是，作者对浪漫主义时期的描绘，他不仅仅强调了情感的解放，更深入分析了新的和声语言、新的曲式结构，以及新的配器手法是如何共同作用，来营造出更加强烈、更加个人化的音乐体验。这种层层递进、由表及里的分析，让我对西方音乐的发展有了更清晰、更深刻的认识，也让我能够更好地理解和欣赏那些伟大的音乐作品。
评分《西方音乐史》这本书，拿到手的时候，我其实是有点忐忑的。毕竟，音乐史这东西，听起来就充满了各种学术术语和年代考证，我一个业余爱好者，会不会看得云里雾里？但事实证明，我的担心是多余的。作者的叙述方式非常巧妙，他没有一开始就堆砌大量的知识点，而是像一位慈祥的长者，娓娓道来，将我带入了一个又一个音乐的时代。从古希腊的音乐理论，到中世纪宗教音乐的庄严神圣，再到文艺复兴时期对人声的赞美，每一个篇章都像是一扇窗户，让我窥见了不同时期的社会风貌和文化精神。尤其让我印象深刻的是，作者在讲述音乐风格演变的同时，总是能巧妙地联系到当时的社会背景、哲学思想，甚至是技术革新。比如，他会详细介绍格里高利圣咏的起源和发展，解释为什么在这种单音音乐中，宗教情感占据了如此重要的地位；然后又会引申到当时教会的强大影响力，以及文字和音乐在传播教义中的作用。接着，当谈到复调音乐的兴起时，他又会分析理性主义在音乐创作中的体现，以及不同声部之间如何通过精巧的设计来构建和谐的整体。这种跨学科的视角，让音乐史不再是枯燥的年代和人名列表，而是活生生的、有血有肉的文化图景。我常常在阅读的时候，会不由自主地去想象，在那些遥远的时代，人们是如何在简陋的教堂里吟唱圣歌，如何在贵族的沙龙里欣赏器乐合奏，如何在喧闹的市集中听到街头艺人的歌唱。这本书，不仅仅是关于音乐的知识，更是关于人类情感、智慧和创造力的历史。
评分初读《西方音乐史》，最大的惊喜在于其叙事逻辑的清晰流畅。作者并没有采取那种“流水账”式的编年体叙事，将各个时期的人物和作品一股脑儿地罗列出来，而是非常有策略地选择了他认为最能代表某个时代精神的音乐现象和代表人物进行深入剖析。比如，在探讨巴洛克时期时，他没有直接跳到巴赫，而是先详细介绍了歌剧的诞生及其在社会中的地位，以及声乐和器乐在这一时期如何相互影响、共同发展。他对蒙特威尔第的《奥菲欧》的分析，不仅局限于音乐本身，还深入探讨了歌剧作为一种新兴艺术形式，如何融合了戏剧、诗歌、舞蹈和视觉艺术，以及它如何反映了当时社会对情感表达的渴望和对人性解放的初步探索。接着，他自然而然地过渡到器乐的发展，尤其是在形式和对位法上的突破，并着重分析了维瓦尔第的协奏曲如何通过精妙的结构和技巧，展现出音乐的动态和戏剧性。这种由宏观到微观，由社会背景到具体音乐形态的层层递进，让我感觉自己仿佛置身于历史的长河之中，亲眼见证着音乐的每一次变革和创新。而且，作者在描述音乐作品时，虽然没有配乐，但通过生动的文字描述，我竟然能够“听”到那些旋律和和声的魅力。他会用“如泉水般叮咚流淌”、“如磅礴的暴风雨般席卷”、“如丝绸般柔滑细腻”这样的比喻来形容音乐的质感，这种文学性的表达，极大地增强了阅读的趣味性和感染力。读这本书，就像在听一场由历史亲自讲述的精彩音乐会，让我对西方音乐的演进脉络有了前所未有的深刻理解。
评分这本书带给我最大的启发，在于它让我认识到，音乐从来都不是孤立存在的艺术形式，而是深深地植根于社会文化之中。《西方音乐史》通过对历史背景的深入描绘，让我理解了不同时期音乐风格的出现和演变，是如何与当时的社会思潮、宗教信仰、哲学观念，甚至是政治事件紧密相关的。比如，在讲述中世纪音乐时，作者详细介绍了宗教音乐在当时社会中的核心地位，以及修道院生活对音乐创作的深刻影响，让我感受到音乐如何成为一种表达对神虔诚和维护教义的重要方式。接着，当他转向文艺复兴时期时，又会描绘出一种更加世俗化、更加注重人本精神的音乐图景，让我理解了人文主义思潮如何促使音乐从教堂走向宫廷和民间。书中对歌剧的起源和发展进行了详细的阐述，让我认识到歌剧作为一种新兴的综合艺术形式，是如何反映了当时社会对情感表达的渴望和对戏剧性叙事的追求。这种跨学科的解读，让音乐史的学习不再是枯燥的知识堆砌，而是对人类文明史的一次生动探索。
评分在阅读《西方音乐史》的过程中，我最大的收获是，它让我对音乐的“进化”过程有了更深刻的理解。作者并不是将音乐史简单地视为一个时期接一个时期的简单叠加，而是强调了不同时期音乐风格之间的内在联系和相互影响。比如，在介绍古典主义时期时，他会回顾巴洛克时期的复调技巧和对位法，然后解释古典主义如何在此基础上，更加注重旋律的清晰、和声的简洁以及结构的平衡。接着，当他进入浪漫主义时期时，他又会分析浪漫主义者们是如何在古典主义的框架内，注入更强烈的个人情感和更奔放的想象力。书中对贝多芬的论述尤其精彩，作者将他视为连接古典与浪漫时期的关键人物，分析了他作品中如何同时体现了古典主义的逻辑严谨和浪漫主义的强烈情感。我印象深刻的是，作者对“形式”和“内容”在音乐史发展中的辩证关系进行了深入探讨。他指出，不同的音乐时期，在对形式的追求和对内容的表达上，都有着不同的侧重点，而正是这种不断的探索和革新，才推动了西方音乐的发展。
评分2002
评分没记住~但是听得懂安魂曲算不算有进步~
评分朱老师喜欢萧斯坦科维奇。
评分没记住~但是听得懂安魂曲算不算有进步~
评分大水课。明天就考了。
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