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出版者:科学出版社

作者:孙立明

出品人:

页数:324

译者:

出版时间:2002-7-1

价格:28.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787030105660

丛书系列:

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《诗韵哲思：古代文学与思想的深度探索》 内容简介： 本书是一部旨在深度挖掘中国古代文学精髓及其背后蕴含的哲学思想的学术著作。它并非一本简单的文学选本或通史概述，而是着重于对特定时代、特定作家的核心精神进行剖析，力求展现古代文人在面对宇宙、人生、社会时的独特思考路径与艺术表达方式。全书结构严谨，论证详实，适合对中国古典文化有深入研究兴趣的读者、高校相关专业学生及研究人员阅读。 本书共分为六个主要部分，每一部分都聚焦于中国文学史上一个关键的转折点或代表性的思想流派。 第一部分：先秦诸子的“言”与“境” 本部分探讨了先秦时期，特别是《诗经》与楚辞中的早期文学形态，如何与诸子百家的哲学思潮相互渗透。我们重点分析了《诗经》中“风”、“雅”、“颂”所反映的早期社会伦理结构，并将其置于周礼衰微与礼乐重建的宏大历史背景下考察。随后，深入解读了屈原“香草美人”的象征体系，论证了其如何融合了萨满文化元素与道家“独立往来”的雏形思想，表达了知识分子在政治理想破灭后的精神自适与高洁追求。 子部的论述则侧重于文学与政治哲学的结合。我们详细辨析了儒家“仁”的文学化表达，即通过对“德行”的赞美和对“贤人”的塑造来实践其政治理想。对比之下，道家文学（如《庄子》的部分篇章）则展现了完全不同的审美取向——对“逍遥游”境界的追求，以及如何通过寓言、象征等手法，构建出一个超越世俗功名利禄的“真我”之境。这种“言”与“境”的张力，构成了先秦文学最根本的驱动力。 第二部分：汉赋的宏大叙事与帝国意识的构建 汉代文学的核心标志是赋的盛行。本部分不再泛泛而谈辞赋的铺陈夸饰，而是深入探讨汉赋作为一种“国家文学”所承担的历史使命。我们考察了司马相如的《子虚赋》、《上林赋》等作品，分析了这些作品如何通过对帝国疆域、物产、仪式的极度渲染，来巩固和美化汉武帝时期的中央集权意识。赋体结构中的“铺陈排比”并非单纯的文字技巧，而是对“大一统”政治版图的文学投射。 此外，本书也关注了汉乐府民歌的“实录”精神。通过对比宫廷文人与民间歌谣，揭示了汉代文学在“宏大叙事”与“现实关怀”之间的双向流动。乐府诗中对徭役、战乱、贫苦生活的直接描摹，为后世现实主义文学提供了最初的范本。 第三部分：魏晋风度：个体觉醒与山水精神的勃发 魏晋南北朝是士人精神从依附性转向独立探索的“成人礼”时期。本部分的核心议题是“魏晋风度”的形成机理。我们认为，玄学的兴起（特别是对“名教与自然”二元对立的讨论）为文学的解放提供了思想基础。竹林七贤的文学创作，被视为对僵化礼教的一种集体性消极抵抗。 重点分析了曹植、嵇康、阮籍的诗歌，阐述了他们如何通过对个体生命易逝的深刻体验，转向对自然（山水）的依恋。山水诗的诞生，不仅是题材的转移，更是审美主体性的确立——文人开始将自己的情感投射于山水景物之中，寻求精神上的共鸣与安顿。陶渊明诗歌的“平淡自然”，正是这种个体精神探索达到高峰的标志。 第四部分：盛唐气象：个体精神的自由翱翔与宇宙情怀的融合 盛唐文学以其磅礴的气势和开阔的胸襟，成为中国古典文学的巅峰。本书将盛唐文学的繁荣归因于国家强盛带来的文化自信，以及佛教禅宗思想对个体心性的启发。 对李白的解读，侧重于其诗歌中“谪仙人”形象的自我构建，以及如何将道家“任侠”精神与浪漫主义的想象力熔于一炉，形成一种吞吐宇宙的豪迈情怀。对杜甫的分析，则聚焦于“诗史”的社会责任感，探讨其如何将儒家“兼济天下”的理想，通过对民间疾苦的深切同情，转化为具有史诗品格的现实主义作品。中晚唐的韩愈、白居易等人的探索，则被视为对“盛唐气象”的反思与规范化尝试。 第五部分：宋代：理学渗透下的文学转型与市民精神的崛起 宋代文学的特征在于其内敛性、思辨性以及对日常生活的精微捕捉。本书强调，宋代文学的转型与程朱理学的思辨方法论密不可分。 词体的成熟是这一时期的显著标志。我们分析了柳永对市民阶层情感的细腻描摹，以及苏轼、辛弃疾如何将散文思维和哲学议论融入词中，使词彻底摆脱了音乐的依附，成为一种独立的、具有高度思辨性的文学载体。对宋诗（如黄庭坚的“点铁成金”）的探讨，则集中于其对形式技巧的极致追求，以及这种追求背后所折射出的对“格物致知”的文学实践。 第六部分：元明清：戏曲的通俗化与小说的人情练达 明清时期，文学的重心进一步向通俗文学和市民文化转移。本部分着重分析了元曲（杂剧）的兴起，论证了其作为一种新兴的“剧场文学”，如何有效地传播了儒释道的世俗化思想，并对社会不公现象进行了尖锐的批判（如关汉卿的作品）。 对小说的研究，则集中于《三国演义》、《水浒传》所体现的英雄史观与民间道德律令的结合，以及《红楼梦》中对封建社会末期人情世故的百科全书式描绘。我们探讨了《红楼梦》中蕴含的“悲悯情怀”与“宿命意识”，并将其视为中国古典文学在传统精神谱系上的最后一次宏大总结。全书在对清代乾嘉学派的考据精神的反思中结束，指出文学研究从审美转向考证的历史性过渡。

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这本书的篇幅相当可观，内容跨度极大，感觉它更像是一个行业资深人士毕生的经验总结，而非市面上常见的“速成指南”。它对各种排版场景的覆盖面广得惊人，从复杂的书籍内文设计，到多语种混排的挑战，甚至还涉及了一些相对小众的版式设计问题。有一部分内容甚至触及了版权法在字体使用方面的基本规范，这种跨领域的知识融合，让人体会到作者的知识体系是多么的全面和体系化。虽然我可能永远用不上书中提及的所有高级技巧，但光是知道它们存在，并且被如此详尽地记录下来，就给人一种强大的安全感。它不是一本让你“快速入门”的书，而是一本让你“终身学习”的参考库，值得放在手边，随时查阅。

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这本书的行文风格非常讲究，用词考究，充满了学者风范，读起来有种穿越回专业教科书时代的错觉。我尤其欣赏它对细节的苛求，比如在讨论如何处理大段落的对齐问题时，作者会详细对比“两端对齐”和“左对齐”在不同文化阅读习惯下的优劣，并配有复杂的图示来解释字偶距的变化对阅读疲劳度的影响。这可不是随便哪个软件教程能涵盖的内容。不过，也正因为这种详尽和学术化，对于习惯了碎片化学习的现代读者来说，可能门槛稍高。我花了好大力气才适应这种慢节奏的叙事方式，它要求读者必须有耐心，一步一步地跟上作者的逻辑推演。如果只是想快速知道“哪个按钮是干什么的”，这本书可能会让你感到沮丧，但如果你的目标是成为一个对排版艺术有深度理解的匠人，那么这种扎实的铺垫绝对是无价之宝。

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这本书的装帧质量令人印象深刻，纸张的厚度和油墨的色彩还原度都达到了极高的水准，这在如今很多追求轻薄和成本控制的出版物中已经很少见了。特别是那些涉及到色彩模型和印刷工艺的部分，书中提供的样本图例清晰、准确，让人能直观地感受到不同分辨率和色彩空间对最终成品的影响。我记得有一章专门讲了如何根据不同的纸张特性调整墨量的策略，这在数码时代似乎已经不常被提及的知识点，却被作者系统地整理了出来。这表明作者对整个出版流程有着全方位的掌控力，从最初的数字文件制作到最终的物理成品呈现，都有深入的考量。这本书本身就是一次高质量印刷的展示，让人忍不住想要收藏，而不是简单地作为工具书使用。

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这部厚厚的书，拿在手里沉甸甸的，光是封面设计就透着一股老派的严谨劲儿，那种让人觉得内容一定扎实可靠的质感。我本来是冲着某个特定的技能点来的，结果翻开目录，才发现它更像是一部百科全书式的工具书。里面洋洋洒洒地介绍了各种字体的美学原理和历史演变，从宋体到黑体，甚至连一些早已被淘汰的古老印刷字体都有专门的章节进行剖析。讲真，有些部分读起来简直像是在上艺术史的课，充满了对线条、间距和平衡感的深入探讨。对于我这种只想快速上手排版软件的人来说，前三分之一的内容略显冗余，但它强大的地方在于，一旦你沉下心去阅读那些理论性的章节，你会突然明白为什么某些设计看起来就是比别的更“舒服”。它不仅仅教你怎么做，更是在教你“为什么”要那样做，这使得它远远超出了普通操作手册的范畴，更像是一本设计师的案头宝典，让人愿意时常翻阅，温习那些被忽略的细节。

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与其他同类书籍相比，这本书最独特的一点在于它将“技术实现”与“人文关怀”融合得相当出色。它并没有局限于介绍某个特定软件的最新功能（那些内容很快就会过时），而是专注于那些超越软件平台的排版哲学。例如，书中有一部分深入探讨了如何通过排版来引导读者的情绪流动，如何利用留白来营造空间感和呼吸感，这已经触及了设计心理学的范畴。读完之后，我感觉自己看待任何印刷品——无论是报纸、杂志还是商业宣传册——的眼光都变了，开始留意到那些细微的、曾经被我忽略的“设计决策”。这种思维方式的转变，是我在这本书里获得的最大的收获，它培养了一种更具批判性和鉴赏力的视角。

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