具体描述
卢西恩·詹金斯、克莱夫·安格·汉密尔顿、斯蒂芬·约翰逊、戴维·麦克利瑞所著的《西方音乐1500年(附光盘共2册)(精)》内容简介：西方音乐历经了早期（包括中世纪、文艺复兴时期）、巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、20世纪的重要发展，从“单调”的程式化逐步走向丰富多彩、颇具个性的“复调”式展示，为后人留下了宝贵的艺术财富。《西方音乐1500年(附光盘共2册)(精)》共有25万字的文字叙述，配合所述内容同步提示CD赏析指南，使理性文字解读与感性音乐引导巧妙结合，让您从视觉和听觉上全面感受西方音乐，全方位领略西方音乐的历史发展脉络。
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目录信息
读后感
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用户评价
这本书的阅读体验，怎么说呢，更像是一次精细的手术，作者的每一次落笔都充满了精准和逻辑。我本来以为它会是一本轻松的音乐史普及读物，结果发现，它更像是为音乐专业学生量身打造的教材。作者对1500年之后的西方音乐史，从文艺复兴晚期一直梳理到相对近的时期，每一个阶段的发展都进行了深入细致的分析。我记得他在讲到巴洛克时期的“狂热”（affekt）理论时，详细阐述了作曲家如何通过特定的音乐手法来表达强烈的情感，并且列举了大量的范例。这部分内容对我来说，信息量非常大，我需要反复阅读，并且查阅一些背景资料，才能勉强理解。而且，作者的写作风格非常学术化，充满了各种专业的术语和复杂的理论分析。虽然我不是音乐专业的学生，但我能感受到作者在内容上的深度和广度。我尤其欣赏他对音乐形式演变的梳理，比如奏鸣曲、交响曲等重要体裁是如何在历史长河中逐渐成型的。这本书的优点在于它的全面性和深度，能够让读者对西方音乐史有一个非常系统和深入的了解。缺点嘛，可能就是对于非专业读者来说，门槛有点高，需要投入相当多的时间和精力去消化。
评分这本书的厚度就足够让人望而却步，我花了整整一个下午才把它翻完，里面的内容，怎么说呢，简直是一场信息爆炸。从1500年开始，历史的洪流就这么劈头盖脸地砸过来，每一页都塞满了人名、作品名、流派名，还有那些我从未听说过的音乐术语。我记得有个章节专门讲复调音乐的演变，我读了三遍，脑子里依然是一团浆糊，那些声部之间的纠缠、模仿，听起来就像是在一场混乱的宴会上，每个人都在用不同的语言说话，而我，就是那个听不懂的客人。然后是关于巴洛克时期，作者列举了无数位作曲家，每一个名字都像一个时代的缩影，我努力地去记住他们的特点，比如赋格、奏鸣曲、协奏曲，但很快就被新的信息淹没了。说实话，我大部分时间都在查资料，不然根本跟不上作者的思路。当我看到关于古典主义时期，莫扎特和海顿的段落时，我以为终于可以轻松一点了，结果发现，即使是这些耳熟能详的名字，背后也隐藏着如此复杂的技术和理论。作者的分析非常深入，有时候会引用一些乐谱片段，我虽然看不懂乐谱，但能感受到文字描述的那种精妙。然而，这并不是一本轻松的读物，如果你指望能在这里找到一些通俗易懂的音乐故事，那可能会让你失望。它更像是一本严谨的学术著作，需要读者有一定的音乐史基础，或者极大的耐心和毅力去钻研。我尝试着去理解每一段文字背后的音乐，但很多时候，文字的密度太大了，我只能抓住一些关键信息，然后匆匆掠过。这本书确实展示了西方音乐史的宏伟图景，但如何将其转化为我自己的理解，我还需要更多的时间和努力。
评分这本书带给我的冲击，比我想象的要大得多。我一直以为自己对西方音乐史有一些基本的了解，但读了这本书之后，我才意识到自己之前的认知有多么浅薄。作者的写作风格非常独特，他不是那种按照时间顺序简单堆砌事件的叙述方式，而是更侧重于对音乐发展逻辑的深入剖析。我记得有一个章节，他重点分析了17世纪初，从文艺复兴的“公平”（contenance）到巴洛克的“情感”（affetto）的转变，并且通过大量的例子来论证这种转变是如何体现在音乐创作中的。他的语言非常精准，而且充满了对音乐的深刻理解。我特别喜欢他对不同作曲家之间音乐风格差异的比较分析，总是能够一针见血，而且能够发现一些我之前从未注意到的细节。例如，他对蒙特威尔第和另一位同时代作曲家在表达情感方式上的细微差别，就描述得非常到位。这本书的阅读过程，对我来说，更像是在进行一场智力上的挑战，每一次的理解，都伴随着一种豁然开朗的惊喜。虽然有些章节，我需要查阅大量的资料才能完全弄懂，但这种探索的过程，让我感到非常充实。它不仅仅是一本关于音乐的书，更是一本关于人类创造力和历史演进的书。
评分说实话，这本书的封面设计并没有给我留下太深的印象，感觉比较传统，但翻开之后，那种扑面而来的学术气息就足够让人敬畏了。作者的写作风格非常严谨，仿佛每一个字都是经过深思熟虑才落笔的。我尤其喜欢他处理不同时期音乐风格转变的部分，不是简单地罗列，而是通过分析当时的社会背景、哲学思潮，甚至是技术革新，来解释音乐是如何一步步演变的。比如，在讲到16世纪末到17世纪初，从文艺复兴向巴洛克过渡的时候，他详细阐述了“情感表达”这个概念是如何逐渐被重视起来的，以及这种转变对作曲家在旋律、和声、配器上的影响。我记得他提到了“新音乐”（monody）的兴起，以及由此带来的歌剧的诞生，这部分写得特别生动，让我仿佛看到了那个时代的音乐家们如何挣脱过去的束缚，大胆创新。然后，关于巴洛克时期的赋格，作者用了整整一个章节来解析其结构和发展，虽然听起来有些枯燥，但不得不佩服作者的功力，他能把如此复杂的音乐形式拆解得如此清晰，并且能够清晰地指出不同作曲家的特点。我还在书中看到了对教会音乐和世俗音乐在不同时期地位变化的讨论，这让我对西方音乐的社会功能有了更深刻的认识。这本书不是那种让你轻松读完就放下，而是会让你时不时地停下来思考，去联系书中的内容和自己听过的音乐。很多时候，我读到某个作曲家的名字，脑海里会立刻浮现出他们作品的旋律，即使我之前并没有真正理解过这些作品。这是一种奇妙的体验，感觉自己和音乐史的距离被拉近了。
评分我花了差不多两个星期的时间才算是粗略地读完了这本书。怎么说呢，这绝对不是那种你可以边喝咖啡边轻松翻阅的书籍。它的内容非常厚重，信息量庞大，而且作者的写作风格极其严谨，字里行间都透露着浓厚的学术气息。我记得他有一章专门讲到1500年左右，意大利和尼德兰地区在音乐创作上的区别，并且分析了这种区别是如何影响了后续的发展。这部分内容对我来说，信息量太大了，我需要反复阅读，才能勉强跟上作者的思路。然后，在讲到巴洛克时期的赋格时，作者简直就像一位音乐解剖师，将赋格的结构、技巧、发展都剖析得淋漓尽致。虽然我不是音乐理论家，但我能感受到其中蕴含的逻辑和智慧。我还发现，这本书不仅仅是在讲音乐，更是在讲音乐背后的历史、文化、哲学。作者会时不时地将音乐的发展与当时的社会思潮、宗教变革、科学进步联系起来，让我对音乐的理解更加立体化。我印象特别深刻的是，在描述古典主义时期，作者并没有仅仅停留在对莫扎特、海顿作品的简单介绍，而是深入分析了当时社会对音乐的期望，以及音乐形式如何顺应了这种期望。总的来说，这本书对于想要深入了解西方音乐史的读者来说，绝对是一本不可多得的宝藏，但前提是你愿意投入时间和精力去消化它。
评分我本来以为这是一本比较轻松的音乐入门读物，毕竟名字里有“1500年”这个时间跨度，想着应该会讲一些大家耳熟能详的作曲家和作品。结果，当我真正开始阅读的时候，才发现自己错得离谱。这本书的内容比我想象的要厚重得多，而且充满了各种专业术语和复杂的理论分析。作者的笔触非常细腻，对于音乐细节的把握到了近乎苛刻的地步。我记得他在讲到某个特定时期的和声发展时，列举了大量的例子，并且详细分析了和声进行的变化是如何体现时代精神的。这让我感到有些吃力，因为我并不是音乐专业的学生，很多概念我需要查阅资料才能理解。然而，尽管有些难度，我还是坚持了下来，因为我能感受到作者在这本书中倾注的心血。他不仅仅是在陈述事实，更是在试图解读音乐背后的逻辑和审美。尤其是在分析不同作曲家在同一时期音乐创作中的差异时，作者能够给出非常独到的见解，并且能够用丰富的词汇去描绘那些微妙的音乐色彩。我还在书中看到了关于不同音乐体裁的演变过程，比如奏鸣曲、交响曲的雏形，以及它们是如何逐渐发展成熟的。这让我明白，我们现在听到的很多经典的音乐形式，并非是凭空出现的，而是经过了漫长的历史积淀和无数音乐家的探索。这本书的阅读过程，对我来说，更像是一次沉浸式的音乐历史考古，每一次翻页，都像是挖掘出了一个被遗忘的宝藏。
评分说实话，这本书的封面设计并没有给我留下太深的印象，感觉比较传统，但翻开之后，那种扑面而来的学术气息就足够让人敬畏了。作者的写作风格非常严谨，仿佛每一个字都是经过深思熟虑才落笔的。我尤其喜欢他处理不同时期音乐风格转变的部分，不是简单地罗列，而是通过分析当时的社会背景、哲学思潮，甚至是技术革新，来解释音乐是如何一步步演变的。比如，在讲到16世纪末到17世纪初，从文艺复兴向巴洛克过渡的时候，他详细阐述了“情感表达”这个概念是如何逐渐被重视起来的，以及这种转变对作曲家在旋律、和声、配器上的影响。我记得他提到了“新音乐”（monody）的兴起，以及由此带来的歌剧的诞生，这部分写得特别生动，让我仿佛看到了那个时代的音乐家们如何挣脱过去的束缚，大胆创新。然后，关于巴洛克时期的赋格，作者用了整整一个章节来解析其结构和发展，虽然听起来有些枯燥，但不得不佩服作者的功力，他能把如此复杂的音乐形式拆解得如此清晰，并且能够清晰地指出不同作曲家的特点。我还在书中看到了对教会音乐和世俗音乐在不同时期地位变化的讨论，这让我对西方音乐的社会功能有了更深刻的认识。这本书不是那种让你轻松读完就放下，而是会让你时不时地停下来思考，去联系书中的内容和自己听过的音乐。很多时候，我读到某个作曲家的名字，脑海里会立刻浮现出他们作品的旋律，即使我之前并没有真正理解过这些作品。这是一种奇妙的体验，感觉自己和音乐史的距离被拉近了。
评分这本书的厚度就足以让人望而生畏，我花了整整一个礼拜的时间，才算是勉强将其读完。怎么说呢，它就像一个巨大的知识宝库，里面的信息量简直是爆炸性的。作者的写作风格非常学术化，对于每一个时期的音乐风格、重要的作曲家、代表作品，都有着极其详尽的论述。我记得他有一章专门讲到16世纪尼德兰音乐的衰落以及意大利音乐的兴起，并且详细分析了两种音乐风格在和声、旋律、结构上的差异。这部分内容对我来说，信息量太大了，我需要反复阅读，并且查阅很多资料，才能勉强跟上作者的思路。而且，作者在分析音乐作品时，会引用大量的乐谱片段，虽然我看不懂乐谱，但从作者的文字描述中，我能够感受到那些音乐的精妙之处。我特别喜欢他对于巴洛克时期赋格的分析，简直就像一位技艺精湛的工匠，将复杂的音乐结构一点一点地拆解，让我能够领略到其中蕴含的逻辑和智慧。当然，这本书的难度也相当高，对于没有音乐史基础的读者来说，可能会感到有些吃力。但我认为，如果你真的想要深入了解西方音乐史，这本书绝对是绕不开的。它不仅仅是在讲述音乐，更是在讲述一个时代，一段历史，一种文化。
评分拿到这本书，我第一个想法就是，这得花多少时间才能读完啊。封面那种古朴的风格，让我觉得内容肯定相当扎实。读起来之后，果然名不虚传，信息量大得惊人，每一页都像是在给我输送海量的知识。作者的叙述方式非常系统，从1500年作为一个分水岭，开始梳理西方音乐的脉络。他对于每一个时期音乐风格的定义和特点的阐述都非常到位，而且会结合当时的社会文化背景来解释音乐的演变。我记得在讲到文艺复兴晚期和巴洛克早期的时候，作者花了大量篇幅分析了宗教改革对音乐创作的影响，以及世俗音乐地位的提升。这让我对音乐不仅仅是艺术，更是社会文化载体的理解更加深刻。我尤其欣赏作者在分析复杂音乐结构时，那种抽丝剥茧的能力。比如，他谈到复调音乐时，会详细解释不同声部之间的关系，以及如何通过模仿和卡农等手法来构建音乐。虽然我不是乐理专业出身，但作者的描述让我能够大致理解其中的精妙之处。而且，他还穿插了一些关于重要作曲家的生平和创作理念的介绍，这使得枯燥的理论分析变得更加生动有趣。我记得他提到了一位我不太熟悉的作曲家，通过作者的描述，我才了解到这位作曲家在和声运用上的革新。这本书的优点在于它的全面性，几乎覆盖了1500年至今西方音乐史上的重要发展节点和代表人物。缺点嘛，可能就是对于初学者来说，门槛有点高，需要反复阅读和思考才能消化。
评分说实话，我原本对这本书的期望值并不高，可能因为它的标题听起来有点像教科书，我担心会非常枯燥乏味。然而，当我翻开它，并且深入阅读之后，我才发现自己完全错了。这本书的魅力在于它并非仅仅是罗列事实，而是充满了作者深刻的洞察和独到的见解。他能够将西方音乐史这宏大的画卷，以一种非常细腻和有条理的方式呈现在读者面前。我尤其喜欢他处理音乐风格转变的部分，不仅仅是简单地描述“变了”，而是去分析“为什么变”，以及“是如何变的”。例如，在从文艺复兴到巴洛克风格的过渡中，他详细阐述了情感表现的需求是如何催生了新的音乐语言，以及单音音乐（monody）和通奏低音（basso continuo）等重要元素的出现。他的语言非常富有感染力，即使是在描述一些技术性的内容，也能让人感受到其中的艺术张力。我记得他对意大利歌剧早期发展史的描述，简直就像在讲一个引人入胜的故事，让我能够想象到那些作曲家是如何在探索中前进的。这本书的结构也非常清晰，每一章都围绕着一个特定的时期或者主题展开，并且能够很好地衔接起来。当然，这本书也需要读者投入相当多的精力去理解，因为其中包含了很多音乐史上的专业术语和理论知识，我自己在阅读过程中也查阅了不少资料。但正是这种挑战性，让我在阅读过程中获得了巨大的满足感。
评分一般般
评分五个时期划分很清晰，面广点多，涉及许多音乐家
评分一般般
评分五个时期划分很清晰，面广点多，涉及许多音乐家
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