中国当代美术图鉴-1979-1999观念艺术分册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖北教育出版社

作者:鲁虹

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-09

价格:80.00

装帧:平装

isbn号码:9787535129895

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探索中国艺术的转型与激荡：一本关于1979-1999的艺术画卷 本书并非聚焦于1979年至1999年间中国观念艺术的特定流派与发展脉络，而是以一个更宏大、更具全景式的视角，审视这一时期中国美术领域的全貌与深层变革。它是一部关于中国艺术在特定历史转折点上，如何重新定位自身、吸纳外来影响并最终形成本土叙事的图像志与研究文本。 时代的风云与艺术的觉醒：1979-1999的文化地貌 1979年是一个具有里程碑意义的年份，它标志着中国社会思潮的全面松动和艺术领域的“拨乱反正”。本书将深入探讨这一历史背景如何催生了多种艺术思潮的爆发性涌现。我们不着眼于某一特定“主义”的深入剖析，而是着力描绘整个艺术生态的重塑过程。 第一部分：从“伤痕”到“现实”的过渡 在改革开放初期，艺术界首先涌现的是对过去十年创伤的集体反思与疗愈。《伤痕美术》以其直抒胸臆的叙事，标志着艺术从政治口号中解放出来的第一步。本书将通过大量同期代表作品的对比分析，展现艺术家如何从高度程式化的叙事转向对个体生命经验和人性复杂性的挖掘。 紧接着，伴随着经济和城市化进程的加速，“现实主义”的内涵也发生了深刻的变化。它不再是简单的阶级叙事，而是演变为对社会转型期都市生活、个体焦虑、以及新富阶层出现的冷静观察。我们将呈现那个时代标志性的城市景观、人物肖像，以及艺术家如何用更自由的笔触和更具个人色彩的视角来记录变迁中的中国。 第二部分：现代主义的回潮与本土化探索 80年代中期，西方现代艺术思潮以前所未有的速度涌入中国，对本土艺术界产生了巨大的冲击和激发。本书将系统梳理这一时期“星星美展”之后，艺术家们对抽象表现主义、极简主义、以及波普艺术等西方流派的吸收、误读与再创造的过程。 重要的议题包括： 1. 抽象的回归与哲学思辨： 大批艺术家开始抛弃具象叙事，转而探索点、线、面、色的内在张力。我们将展示他们如何将这些现代主义工具，融入对东方哲学或传统文化符号的重新阐释中。这并非简单的模仿，而是试图在传统水墨的笔墨精神与西方抽象语言之间找到一种新的平衡点。 2. “学院派”的革新： 传统艺术教育体系在面对外来冲击时的反应与调整。大量从海外归来的艺术家，以及本土接受了新思潮的教师，如何在教学实践中引入新的观念和技法，推动了绘画本体语言的革新。 第三部分：全球化视野下的文化身份重构 进入90年代，随着中国艺术开始更多地参与国际展览和市场运作，艺术家的关注点也从纯粹的“如何画”转向“为何画”以及“我是谁”的身份追问。 本书的这一部分将着重展示： 对民族身份的反思： 在全球化语境下，艺术家们如何审视“中国性”这一复杂概念。他们不再满足于传统的符号堆砌，而是通过解构历史图像、戏仿宣传口号等方式，对宏大叙事提出质疑。这涉及对民间艺术、历史档案、以及大众文化符号的广泛挪用与戏谑。 图像时代的来临与媒介的拓展： 尽管观念艺术在此阶段发展迅猛，但本书将更广泛地考察摄影、装置艺术（非纯粹观念导向的，而是强调材料与空间的探索性作品）以及新媒体艺术的早期尝试。例如，那些关注空间、材料质感和观众体验的早期装置作品，它们为后来的观念艺术提供了重要的铺垫和实践基础。 艺术市场的初步形成： 探讨在商业化浪潮中，画廊、评论界和收藏家群体如何开始塑造艺术品的价值和走向，以及这种外部力量对艺术家创作方向的影响。 结语：一个充满张力的十年 1979至1999年是中国艺术史上一个极为关键的“中场战事”。它既是承接历史、消化外来的熔炉期，也是孕育未来多样化艺术形态的试验田。本书旨在提供一个多维度、非线性的观察框架，使读者能够理解，在那个风云变幻的二十年间，无数艺术家如何在打破陈旧与拥抱新知之间，努力塑造出属于他们时代的、复杂而生动的中国美术图景。它所呈现的，是一部关于转型、挣扎、创新与最终觉醒的宏大史诗，而非对某一特定艺术思潮的聚焦。

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我花了整整一个周末的时间来梳理其中收录的案例，最让我感到震撼的是其广度和深度并重的叙事结构。作者似乎没有采取简单的时间线索或地域划分，而是围绕一些核心的哲学母题展开论述，这一点非常高明。它强迫读者跳出对“某个艺术家做了什么”的表层认知，转而去思考“为什么在那个特定的历史关口，他们会选择用这种媒介和方式来表达”。那些对当时社会语境的剖析，如同手术刀般精准地切开了艺术与时代脉搏的连接点，使得那些看似孤立的作品，瞬间获得了强大的历史张力。对于长期关注当代艺术发展的人来说，这本书提供的分析框架，无疑是拓宽了我们理解“观念”边界的有效工具。

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阅读过程中，我发现作者在引述理论和文献时的严谨态度令人敬佩。大量的脚注和参考资料，显示出背后扎实的学术功底，这避免了许多同类书籍中常见的“光说不练”的空泛感。特别是对于那些早期实验性的、记录资料相对稀缺的作品，书中能够找到相对可靠的二手甚至一手文献支撑，这极大地增强了内容的可信度和研究价值。这种学术的重量感，使得这本书不仅仅适合初阶爱好者，更像是提供给专业研究者和策展人的一份重要参考资料。它所建立起来的知识体系，是坚实且有据可查的，而不是空中楼阁般的臆想。

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这本书的排版布局设计得非常巧妙，它成功地在“图”与“文”之间找到了一个微妙的平衡点。很多时候，我们会遇到一些图录排版失衡的问题，要么是图片小到看不清细节，要么是文字被图片切割得支离破碎。然而，这里的版式设计明显是经过深思熟虑的，每一幅核心作品的图像都占据了应有的视觉空间，同时相关的文字论述紧密围绕在旁，如同对画面的即时解读。这种对视觉节奏的把控，使得翻阅过程本身成为一种享受，它引导着读者的视线在视觉冲击与理性分析之间流畅地转换，极大地提升了信息接收的效率。

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最令我感到惊喜的是，这本书并没有将“观念艺术”视为一个静态的、已经完成的历史定论，而更像是一个仍在进行中的、充满活力的讨论场域。作者在最后几章对未来趋势的展望和对遗留问题的探讨，体现了一种开放性的知识态度。它没有给出所有问题的标准答案，反而提出了更多引人深思的疑问，这对于任何从事艺术创作或批评工作的人来说，都是一种激发。这种对未完成性的拥抱，恰恰是观念艺术精神的核心所在，让读者合上书本后，仍然能感受到一种知识的余震，激励着我们继续探索和批判。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，配合上封面那大胆而又克制的色彩搭配，立刻就能感受到其中蕴含的重量感。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，内页的纸张选择既保证了印刷的清晰度，又提供了极佳的翻阅手感，这对于一本需要反复研读的艺术图鉴来说至关重要。它不仅仅是一本书，更像是一件精心制作的艺术品，光是摆在书架上，就已然成为一道风景线。装帧的精良程度，无疑提升了阅读体验的起点，让人在接触内容之前，就已经对编者的专业素养产生了极高的期待。整体来看，这种对物质形态的重视，似乎也在暗示着这本书所收录的艺术观念，其载体本身也承载着不容忽视的意义。

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