意大利文艺复兴时期的绘画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书画

作者:[法] 丹纳

出品人:

页数:155

译者:傅雷

出版时间:2011-5

价格:39.00元

装帧:

isbn号码:9787547901762

丛书系列:傅雷艺术译著插图系列

图书标签:

• 艺术史
• 文艺复兴
• 傅雷
• 艺术
• 丹纳
• 意大利
• 西方绘画
• 绘画
• 意大利文艺复兴、绘画、艺术史、达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、古典艺术、欧洲艺术、绘画技法、人文主义

古希腊雕塑的辉煌与传承 本书聚焦于古典时期（公元前5世纪至公元前4世纪）的希腊雕塑艺术，探究其在美学理念、技术革新和社会功能等方面的深刻内涵与历史地位。 第一部：理想之境的构建——古典早期（约公元前480年-前400年） 本书开篇将我们带回波斯战争胜利后的古希腊世界，一个充满自信与理性精神的时代。这一时期，雕塑艺术完成了从古风时期僵硬、程式化的表达向“理想化写实”的惊人飞跃。 一、从“古风”到“严峻式”：技术的破冰 首先，我们将深入解析“行走者”（Kouros）形象的终结与“持杖者”（Kritios Boy）的诞生。重点分析“对立平衡”（Contrapposto）姿态的首次成熟应用，它如何赋予雕像以生命内在的张力与动态的潜能，标志着雕塑从建筑附属品向独立艺术品的转变。我们将详尽比对马拉松的“持杖者”与“五德者”（Riace Bronzes）的差异与联系，探讨青铜铸造技术（失蜡法）的精进如何解放了艺术家对材料的束缚，使得体量感和肌肉的精确解剖得以实现。 二、和谐与比例的哲学基础 古典早期雕塑美学的核心在于对“和谐”（Harmonia）与“适度”（Sophrosyne）的追求。本章将援引柏拉图和毕达哥拉斯的哲学思想，阐释黄金分割原理如何被应用于人体比例的研究中。我们将细致考察波留克列特斯（Polykleitos）的《法则》（Canon）——一个试图以数学公式定义“完美人体”的里程碑式尝试。通过对《掷铁饼者》的不同版本（如青铜原件与罗马大理石复制品）的比较分析，揭示理想美学在不同材质和光照条件下的表现变化。 三、神祇形象的世俗化与人性化 在宗教祭祀的背景下，神祇的形象开始吸收人类的情感与特征。菲狄亚斯（Phidias）在雅典卫城的创作，特别是帕特农神庙的三角楣饰与雕饰带，是这一趋势的集大成者。我们将重点分析他如何处理湿衣效果（Wet Drapery）——一种既能展现人体结构又不失衣物质感的技法，以及其雕塑中体现的庄严、宁静的气质，如何确立了奥林匹斯众神的永恒标准像。 第二部：盛世的巅峰与风格的演变——古典盛期（约公元前400年-前323年） 这一部分将深入探讨伯里克利时代雅典的文化鼎盛期，艺术中心从雅典向其他城邦的辐射效应，以及雕塑家们如何超越早期设定的“理想化”框架，探索更复杂的人类情感表达。 一、普拉克西特列斯的“柔和之美” 普拉克西特列斯（Praxiteles）是古典盛期风格转变的关键人物。他的作品标志着从严峻的理想主义向更具感性、更“亲近人”的风格的过渡。本书将详细分析他打破常规，首次大规模创作裸体女性神像（如《克尼多斯的阿佛洛狄忒》）的社会意义与艺术影响。通过对他作品中对光影的细腻处理和略微慵懒的姿态的解读，阐释其如何为后来的“唯美主义”奠定基础。 二、雕塑中的叙事张力与情感深度 本章聚焦于迈隆（Myron）之后的叙事性雕塑的深化。我们将对比分析“古典式宁静”与“情感的显现”。重点考察雕塑如何捕捉运动的瞬间及其前后的心理状态，例如对特定英雄事迹或神话场景的戏剧化处理。 三、建筑环境中的雕塑整合 雕塑不再仅仅是纪念碑，更是建筑叙事的重要组成部分。我们将考察雅典卫城其他建筑（如厄瑞克忒翁神庙的“女像柱”）如何与特定空间、特定神话主题产生关联，体现出整体艺术设计的周密性。 第三部：向个体与情感的转向——希腊化时期的前奏 古典盛期之后，随着马其顿帝国的兴起和希腊城邦政治结构的瓦解，雕塑的关注点开始从宏大的公共理想转向个体经验、情感的极端表达以及对异域文化元素的吸收。 一、从理想化到个性化 尽管“古典”的审美标准仍被奉为圭臬，但艺术家们开始在技术上寻求突破，为后来的“希腊化时期”的繁复和感性做铺垫。我们将考察这一过渡期作品中展现出的对特定人物的肖像化倾向，以及对非希腊面孔和服饰的描绘尝试。 二、材料与技法的扩展 探讨青铜与大理石在这一时期的不同应用策略。大理石在后期更倾向于展现极度的细节和复杂的布景，而青铜则继续被用于捕捉动态的平衡。 三、遗存的意义 最后，本书将总结古典时期雕塑对西方艺术史的深远影响，它如何被古罗马继承、被文艺复兴重新发现并奉为圭臬，直至今日，其对人体美的诠释依然是衡量西方艺术成就的重要标尺。本书旨在通过严谨的图像学分析和历史语境的梳理，让读者全面理解古希腊雕塑如何从技术层面的突破，最终上升为一种具有普世意义的哲学表达。

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在浏览书中关于马萨乔的章节时，我看到了早期文艺复兴绘画中，那种对透视法和体积感的革新所带来的巨大影响。他的《圣三位一体》让我第一次真切地感受到，绘画是如何能够创造出逼真的三维空间。我被书中对透视线和消失点的详细讲解所吸引，它让我明白了，为什么这幅画能让观者产生一种身临其境的感觉。 我尤其为马萨乔对人物体积感的描绘所折服。他笔下的人物，不再是平面化的形象，而是有了厚度，有了重量。那些衣褶的自然垂坠，人物身体的起伏，都展现出一种真实的质感。这让我意识到，文艺复兴的绘画，不仅仅是对美的追求，更是对真实性的探索。马萨乔的创新，为后来的艺术家们铺平了道路，让他们能够以更加写实的方式去描绘世界。读他的作品，我感受到的是一种突破，一种对视觉表达的深刻理解。

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读到书中关于波提切利的《维纳斯的诞生》，我脑海中瞬间浮现出那个海边诞生的女神，轻盈地被海浪送上岸来。它给我的感觉，不像是一幅描绘神话的画作，更像是一曲赞美青春、美丽与生命的诗。书中的分析，让我更加深入地理解了为什么这幅画能成为文艺复兴时期理想美的典范。它不仅仅是对人体比例的精准描绘，更是对一种精神气质的提炼。维纳斯的柔美、圣洁，以及周围人物的动态，都充满了和谐与优雅。我尤其喜欢书中对色彩和线条的剖析，那些淡雅的色彩，流畅的线条，仿佛都自带一种音乐般的节奏感，让人心旷神怡。 这让我想到，文艺复兴时期之所以能涌现出如此伟大的艺术，一定离不开那个时代对人文精神的推崇。不再仅仅是神权的束缚，而是对人的价值、人的情感、人的创造力的解放。波提切利的作品，恰恰体现了这种精神的萌芽。他笔下的维纳斯，既有神性，又不失人间的温柔与灵动。读这本书，我不仅仅是在看画，更是在感受一种思想的流变，一种审美的觉醒。它让我意识到，艺术从来都不是孤立存在的，它深深地根植于时代的土壤，吸收着养分，然后绽放出最绚丽的花朵。

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在阅读关于乔托的章节时，我深切地感受到，他是一位真正的“现代”艺术家，尽管他生活在文艺复兴之前。书中对《哀悼基督》的解读，让我看到了早期绘画中，艺术家们是如何努力摆脱僵化的拜占庭风格，去捕捉人物真实的情感。乔托笔下的圣母，那份失去爱子的悲伤，是如此的真实，如此的动人。她不仅仅是一个宗教符号，而是一个母亲，一个在承受着巨大痛苦的凡人。 我尤其被书中对人物身体姿态的描述所打动。那些人物不再是平面的、程式化的，而是有了体积感，有了重量感。他们的肢体动作，他们的面部表情，都充满了生命力。这让我意识到，文艺复兴的伟大，并非一蹴而就，而是有一个漫长的孕育过程，而乔托，无疑是那个重要的先行者。他用自己的画笔，为后来的艺术家们开辟了一条通往真实与情感的新道路。读他的作品，我感受到的是一种突破，一种对传统束缚的挑战，一种对人性表达的渴望。

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书中对提香的介绍，让我看到了色彩是如何在文艺复兴时期被提升到如此重要的地位。提香，这位威尼斯画派的巨匠，他的作品充满了生命力，尤其是他对色彩的运用，简直是出神入化。我至今仍清晰地记得书中描绘的提香的肖像画，那些人物的皮肤，衣服的质感，甚至是背景的光线，都通过他精湛的色彩技巧，被表现得淋漓尽致，仿佛触手可及。 我尤其为书中对提香如何运用光影来塑造人物性格的分析所折服。那些微妙的光影变化，不仅赋予了画面以立体感，更深刻地刻画了人物内心的情感世界。他笔下的女性，既有肉体的丰腴，又不失优雅与高贵；他笔下的男性，则充满了力量与智慧。读提香的作品，我感受到的是一种对现实生活的热爱，对生命力的赞美。他没有刻意去追求一种理想化的美，而是从现实生活中汲取灵感，通过他对色彩的精妙把握，将生活的美感提升到了一个新的高度。

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读到关于佩鲁吉诺的作品，我感受到了那份宁静、和谐的美，以及对人物精神状态的细腻刻画。他的画作，总能带给我一种平和、安详的感觉，仿佛置身于一个理想化的世界。书中对《基督的钥匙的授予》的分析，让我看到了佩鲁吉诺是如何将复杂的宗教场景，描绘得如此清晰、有序。 我尤其喜欢书中对佩鲁吉诺作品中人物表情的描写。那些人物的脸上，总带着一种平静而虔诚的表情，仿佛他们已经与神圣融为一体。他笔下的人物，虽然不像米开朗琪罗那样充满力量感，但却有一种柔美的气质，一种内在的宁静。这让我意识到，艺术的美，并非只有一种形式。佩鲁吉诺的作品，让我看到了另一种维度上的美——一种内在的、精神的美。读他的画，我感受到的是一种安宁，一种对神圣与和谐的向往。

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翻阅至拉斐尔的篇章，我被他作品中那种宁静、和谐的美所深深吸引。尤其是《雅典学院》这幅画，简直就是一个思想的万花筒，一个智慧的殿堂。书中对画中人物的身份一一解读，从柏拉图到亚里士多德，再到各种哲学家的身影，仿佛让我置身于一场跨越时空的伟大对话之中。我惊叹于拉斐尔是如何将如此众多的人物，如此复杂的思想，融汇在一幅宏大的构图之中，却又不显得拥挤或混乱，反而呈现出一种井然有序、气势恢宏的景象。 我尤其喜欢书中对空间感的描述。那拱形的建筑，错落有致的台阶，将画面中的人物有机地组织起来，形成了一个深邃而富有层次的空间。每一个人物的站姿、手势、眼神，都仿佛在讲述着自己的故事，在表达自己的思想。拉斐尔的画，给我一种平和而又充满力量的感觉，仿佛他描绘的不仅仅是历史人物，更是人类理性与智慧的光辉。读这本书，我感觉自己仿佛也随着那些伟大的哲学家们，一起在进行着一场关于真理与知识的探索。

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初拿到这本《意大利文艺复兴时期的绘画》，我心中涌起的并非是对于宏大历史叙事的期待，而是一种近乎私密的、对时间长河中艺术光辉的回溯。我不是学院派出身，对艺术史的了解更多是碎片化的，源于某个画展的惊鸿一瞥，或是某本杂志封面上的一幅名作。因此，我更倾向于从一个普通爱好者的视角，去感受那些流传千古的笔触背后，所蕴含的人性温度和时代脉搏。这本书，没有让我失望。它并非枯燥地罗列年代和画家，而是试图将我带入那个生机勃勃的时代，去理解那些艺术家们为何要以如此炽热的情感和精湛的技艺去描绘世界。 我尤其着迷于书中对达·芬奇《最后的晚餐》的解读。不仅仅是关于圣经故事本身的描绘，更是对人物情感张力的捕捉。想象一下，在那一刻，耶稣平静而带有预言意味的话语，如何如同涟漪般在门徒们心中激荡开来？那些或震惊、或困惑、或悲伤、或质疑的表情，每一个眼神，每一个细微的手部动作，都像是被赋予了生命。书中详细分析了色彩的运用，光影的变幻，构图的巧妙，以及这些元素如何共同作用，营造出一种戏剧性的高潮。读到这里，我仿佛能听到空气中凝固的沉默，感受到每个人内心剧烈的挣扎与情感的爆发。这幅画，不再仅仅是一张纸上的图像，而是一个活生生的瞬间，一个凝固了千年的戏剧场景，让我得以窥见人类复杂情感的丰富光谱。

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书中对米开朗琪罗西斯廷教堂壁画的介绍，让我彻底被他的天才所折服。那种宏伟的构图，那种震撼人心的力量，至今想来仍旧激动人心。《创造亚当》中，上帝伸出的手指和亚当伸出的手指之间那微妙的距离，简直是人类精神与神圣力量之间连接的完美象征。读到这里，我仿佛能够感受到那股创造的能量，那股生命的火花。 我被书中对人体解剖学的深入分析所吸引。米开朗琪罗对人体的理解，已经达到了登峰造极的地步。他笔下的人物，无论是肌肉的线条，还是骨骼的结构，都描绘得如此精准，如此有力。这不仅仅是对人体形态的模仿，更是对生命力量的赞颂。西斯廷教堂的壁画，不仅仅是一幅幅独立的画作，而是一个完整的叙事，一个关于人类起源、罪恶与救赎的史诗。读这本书，我感受到的是一种震撼，一种对人类创造力和精神力量的无限敬畏。

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当读到关于威尼斯画派的代表人物，如乔尔乔内和提香的姊妹篇章时，我感受到了那个时期绘画的另一番景象——一种更加注重色彩、光影以及对感官世界的描绘。与佛罗伦萨画派偏重理性与线条不同，威尼斯画派似乎更加拥抱生命本身的活力与感性。书中对乔尔乔内《沉睡的维纳斯》的解读，让我沉醉于那柔和的光线，朦胧的氛围，以及画中人物慵懒而又充满生命力的姿态。 我尤其为书中对色彩的运用所着迷。威尼斯画派的艺术家们，似乎掌握了色彩的魔法，他们能够用色彩来营造气氛，来表达情感，来展现物质的质感。提香的作品更是将这一点发挥到了极致，他笔下的人物肌肤，衣物的华丽，都仿佛跃然纸上。这种对色彩的极致追求，让我感受到了那个时代对于感官享受和现实生活的充分肯定。读他们的作品，我感受到的是一种丰盈，一种对生命的热烈拥抱，一种对美的直观体验。

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当读到书中关于安吉利科修士的描绘时，我仿佛看到了一位虔诚而又充满艺术家灵魂的圣徒。他的画作，虽然带有浓厚的宗教色彩，但却散发着一种宁静、圣洁而又充满希望的光辉。我记得书中对《天使报喜》的分析，那些柔和的色彩，优雅的线条，以及人物脸上那种平和而又喜悦的表情，都让我感受到一种神圣的美。 我尤其欣赏书中关于安吉利科修士如何将宗教主题与现实主义的观察相结合的论述。他笔下的场景，虽然是神圣的，但却又充满了生活的气息。那些花园里的花草，建筑的细节，都描绘得非常细致。这让我感受到，即使是对神圣的描绘，也需要扎根于对现实世界的观察。他的作品，给予了我一种心灵的慰藉，一种对美好事物的向往。它让我明白，艺术不仅仅是技巧的展示，更是情感的传递，是心灵的沟通。

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国别、姓名等均有下划线的注释。名画做的注释略嫌不够。

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译文很干净

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啊，没文化的我现在才知道十五世纪的欧洲是这样的，看来《冰与火之歌》也并不是像我想象的那么遥远啊…

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为什么，意大利人居然是两面的?

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義大利的土地上奇事多～附帶吐槽：這本書的裝幀，校對，配圖的質量真是讓人頂不順了！一開頭就大寫的幾個錯別字是什麼意思？？看稿的時候沒張開眼睛嗎？？？氣憤！