三代油画家写生作品-回到写生 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:杨飞云 编

出品人:

页数:462

译者:

出版时间:2010-12

价格:300.00元

装帧:

isbn号码:9787503948114

丛书系列:

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当代艺术思潮下的视觉叙事：抽象表现主义与后现代摄影 本书汇集了二十世纪中叶以来，全球艺术界影响深远的两位重要艺术流派——抽象表现主义绘画与后现代摄影的精选作品与深度理论探讨。全书共分三大部分，旨在为读者勾勒出一条从二战后艺术的剧烈变革到当代视觉文化多元并存的清晰脉络。 第一部分：笔触的解放与心灵的战场——抽象表现主义的重塑 本部分聚焦于1940年代至1960年代初，以纽约为中心的艺术革命。抽象表现主义不仅仅是一种风格的更迭，更是一场关于艺术本质、个体经验与宏大叙事破裂的哲学性宣言。 章节一：行动绘画（Action Painting）的身体性 深入剖析杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的滴画技法，将其置于其个人心理挣扎与美国文化身份建构的语境下。我们详细考察了其“all-over”的构图策略如何消解了传统绘画的空间深度，转而强调画布作为“行动场域”的功能。通过分析其创作过程中的即兴性与偶然性，揭示了艺术家如何试图通过身体的物理运动，将潜意识的能量直接转化为视觉符号。我们对比了威廉·德·库宁（Willem de Kooning）的激烈笔触与李·克拉斯纳（Lee Krasner）在女性身份与艺术实践交叉点上的探索，探讨了行动绘画中，未完成性与能量释放的内在张力。 章节二：色域绘画（Color Field Painting）的沉浸与崇高 本章着重探讨马克·罗斯科（Mark Rothko）、巴内特·纽曼（Barnett Newman）和克莱门特·格林伯格（Clement Greenberg）的理论贡献。色域绘画试图摒弃具象参照物，以纯粹的色彩和巨大的尺度，引导观众进入一种近乎宗教体验的沉浸状态。我们分析了罗斯科标志性的模糊边缘矩形如何通过色彩的振动（vibration）来暗示无限性。纽曼的“拉链”（Zips）线条，被视为对传统构图的彻底否定，它被解读为人类在广袤虚无中寻求意义的最后尝试。本书特别探讨了格林伯格对“媒介纯粹性”的坚持，以及这种坚持如何构成了现代主义艺术批评的巅峰与局限。 章节三：欧洲的对话与张力的维持 我们并未将抽象表现主义视为孤立的美国现象，而是将其置于战后欧洲艺术的对比视野中。对比了法国的“Informel”（无定形艺术），特别是让·杜布菲（Jean Dubuffet）的“物质绘画”的粗粝质感，以及意大利的“空间主义”（Spazialismo）对真实空间穿透的渴望。这种对比揭示了美法两国艺术家在处理战后创伤和对传统美学决裂时的不同路径。 --- 第二部分：符号的戏仿与意义的漂移——后现代摄影的转向 进入1970年代，随着社会对宏大叙事的普遍怀疑，摄影艺术开始系统性地解构其自身的“真实性”与“纪实性”。本部分聚焦于后现代语境下，摄影如何成为批判性工具的范例。 章节四：观念摄影与“建构的现实” 本章的核心是探讨观念摄影对摄影“瞬间性”的挑战。详细分析了辛迪·雪曼（Cindy Sherman）的《无题电影剧照》系列。我们不满足于表面上的女性角色扮演，而是深入剖析她如何利用大众媒介（尤其是好莱坞电影）的刻板印象，来揭示社会对女性主体性的规训。雪曼的作品是关于“观看的政治学”，它表明我们所认为的“自我”是如何被符号系统预先建构的。 章节五：新地理学与权力景观的审视 重点分析了罗伯特·亚当斯（Robert Adams）和威廉·埃格尔斯顿（William Eggleston）所代表的“新彩色摄影”与“新地理学”。不同于传统的风景摄影，他们将镜头对准了被人类活动改造、充满工业废墟和郊区蔓延的“被遗忘的美国景观”。这种冷静、近乎客观的记录，实际上是对美国梦中扩张主义和消费主义的无声批判。我们同时引入了汉斯·哈克（Hanns Haacke）对艺术机构权力结构和资金来源的揭露性作品，说明后现代摄影已超越纯粹的视觉表达，进入了社会批判的领域。 章节六：挪用、拼贴与风格的混杂 后现代摄影的核心特征之一是对既有图像的挪用（Appropriation）。本章详细审视了理查德·普林斯（Richard Prince）对广告图像的重新拍摄与重新语境化。通过将一个图像从其商业目的中抽离，并将其置于艺术画廊中，普林斯迫使观众重新审视“原创性”和“作者身份”的概念。我们讨论了这种“复制的复仇”如何削弱了艺术市场的神圣性，并探讨了巴特（Roland Barthes）“作者之死”理论在摄影实践中的具体体现。 --- 第三部分：理论的交汇与视觉的未来 最后一部分旨在将前两部分的艺术实践进行理论上的整合，探讨这些看似风格迥异的运动如何共同塑造了我们理解当代视觉体验的方式。 章节七：现代性到后现代性的转折点：形式与意义的再协商 本章通过对比格林伯格对“媒介纯度”的苛求与后现代主义对“媒介边界消融”的赞扬，界定了艺术史的关键转折。抽象表现主义试图通过“真诚”的个体性来对抗技术异化，而色域绘画则通过崇高感试图恢复艺术的“形而上”功能；然而，后现代摄影则彻底拥抱了技术、复制和符号的无休止循环。我们论证了这一转折并非简单的风格更替，而是对“艺术”这一概念本身权力结构的彻底瓦解。 章节八：跨媒介的对话与策展的视野 本书最后探讨了当代艺术中，绘画与摄影、观念与物质性之间的边界消融现象。许多当代艺术家（如杰夫·沃尔[Jeff Wall]）以其精心布置的、类似电影布景的巨幅彩色照片，重新引入了“叙事”和“构造感”，这与抽象表现主义对即时性的追求形成了有趣的回响。本书通过对这些交汇点的细致梳理，旨在培养读者在面对复杂、多义的当代视觉材料时，具备批判性的辨识能力和丰富的解读工具。 本书的结构确保了读者能够从具象的艺术实践出发，逐步深入到复杂的理论探讨之中，最终形成一个连贯、深刻的当代艺术认知框架。

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这本书的装帧设计和整体排版也颇具匠心，它没有采用那种过度商业化、追求华丽的布局，而是选择了一种沉静、朴素的风格，这与“写生”回归本真的主题不谋而合。每一页的留白处理得恰到好处，使得画面本身拥有了呼吸的空间，不会让人感到拥挤和压迫。我注意到，在部分作品的旁边，有一些极简的文字说明，但它们极其克制，仅仅是点到为止地提到了创作的大致时间或地点，这种克制反而更显出画作本身的重量。它避免了过多的理论解读来“污染”观众对作品的直接感知，把判断权完全交还给了读者。对于那些习惯于在画册前进行大量阅读的观众来说，这种“少即是多”的处理方式，反而能激发更深层次的思考。你不需要别人告诉你这幅画的意义，你只需要看着它，去感受画家在创作时所经历的那段时光和心境的起伏。这本画册本身，就像是一次精心策划的静默之旅。

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最令我感到震撼的，是这些作品中所展现出的那种对“不完美”的拥抱。很多我们习以为常的“失败”元素——比如稍微模糊的边缘、一次性用力过猛的笔触、甚至是颜色调和中的一点“失误”——在这些写生作品中，反而成为了强化画面真实感和生命力的关键点。它们证明了艺术创作的随机性和不可控性，这恰恰是摄影和精确复制品无法企及的领域。这种坦诚令人钦佩。在如今这个追求完美滤镜的时代，能够公开展出这些充满“生涩感”和“进行时”状态的作品，需要极大的勇气和对艺术本质的深刻理解。这些作品不是向评委交差的考卷，而是画家与自然之间一次真诚的、不设防的交流记录。阅读这本画册，我感受到的不是高高在上的艺术殿堂，而是泥土的芬芳、清晨的凉意和傍晚的余晖，它将绘画从理论的象牙塔中解救出来，重新放置在了我们日常生活的广阔背景之中，这是它最宝贵的价值所在。

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当我拿起这本书时，最先吸引我的不是那些宏大的叙事场景，而是那些对日常物象极其细腻的捕捉能力。比如，有几幅关于静物写生的作品，那些摆放在窗台上的旧陶罐和几片枯叶，在画家的笔下竟然焕发出一种令人惊叹的质感。陶罐的粗糙、光泽的微微反光，甚至连上面附着的细微尘土感都能被清晰地传达出来。这种对物质性的深刻理解，绝非凭空想象能够达到，它无疑是长期深入户外和生活场景中磨练出来的“眼力”。对比现在很多批量生产的艺术印刷品，这本书的影印质量也相当出色，色彩还原度很高，基本上能让人感受到原作的笔触厚度和颜料的堆叠感。尤其是一些大开本的局部放大，那些颜料的肌理纹理，清晰可见，让人忍不住想伸手去触摸。这让我深思，真正的“写生”不仅仅是眼睛看到什么就画什么，更重要的是如何将三维空间的感受和特定时间的光照，有效地转化为二维画布上的物质存在。这本书为我们提供了一个绝佳的案例库，展示了如何通过光线、笔触和色彩的微妙变化，来构建一个充满说服力的视觉世界。

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这本画集实在是让人眼前一亮，尤其是对于我们这些常年沉浸在工作室里，对“写生”这个词有着特殊情怀的创作者来说。翻开它的那一刻，我仿佛被拉回了油画学习的初始阶段，那种面对自然、捕捉光影的纯粹感油然而生。我特别欣赏其中对于不同地域光线和色彩的处理，比如那些描绘北方冬日雪景的作品，那种冷峻的蓝调和被阳光照射后泛出的暖色调对比，简直是教科书级别的示范。再看那些南方的林间小景，茂密的植被和斑驳的光影，笔触里充满了生命力，毫不拖泥带水，每一笔都像是对着自然进行的快速而精准的“宣誓”。这种对现场感的高度还原，使得即便是静态的画面，也充满了动态的张力。很多现代油画追求的过度精细和“完成度”，在这里似乎被刻意弱化了，取而代之的是一种强调过程、强调绘画者即时心境的表达。看得出来，这些画家们并非仅仅是复制风景，更是在用画笔记录他们与自然对话的瞬间。对于那些想提升写生技巧，或者想找回绘画初心的朋友，这本画集绝对是极佳的参照物，它不仅是视觉的享受，更是一次精神的洗礼，让人重新思考“观察”与“表达”之间的关系。

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从风格的多样性来看，这本书的选材相当有远见，它似乎并不局限于某一个画派或某一代人的审美标准，而是呈现出一种兼容并包的态势。你能看到一些作品，它们带有明显印象派对光影瞬间捕捉的痕迹，笔触松散而充满活力；而紧接着的下一幅，可能就转向了后印象派对结构和色彩的重塑，线条变得更为明确和有力。这种跨越风格的展示，对于一个正在摸索自己绘画语言的艺术家来说，非常有启发性。它提醒我们，技法和风格是为表达服务的工具，而非目的本身。特别是那些涉及人物或动物入画的作品，虽然不是主体，但它们的存在极大地丰富了环境的氛围。例如，远景中一两个模糊的人影，瞬间就赋予了风景一种“故事感”，让你好奇他们在那片刻是在想些什么，或者在做什么。这说明即便是纯粹的风景写生，也需要对“环境”的整体构成有敏锐的洞察力，包括那些短暂出现的人文元素。

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按照这辈分排列，看来我是属于第五代油画家了

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