Alexandre Cabanel

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出版者:Hirmer
作者:Andreas Blühm
出品人:
页数:128
译者:
出版时间:2011-2-1
价格:$ 45.14
装帧:Hardcover
isbn号码:9783777436913
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 油画
  • 艺术设计
  • 绘画
  • Academicism
  • 绘画
  • 艺术史
  • 法国绘画
  • 19世纪绘画
  • 学院派
  • 现实主义
  • 肖像画
  • 神话绘画
  • 历史绘画
  • 浪漫主义
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具体描述

Alexandre Cabanel (1823–1889), der vom Sohn eines einfachen Zimmermanns zum Hofmaler unter Napoleon III. aufstieg, gehört zu den wichtigsten französischen Künstlern des 19. Jahrhunderts. Das Kölner Wallraf-Richartz-Museum in Kooperation mit dem Musée Fabre Montpellier widmet ihm nun eine eigene Ausstellung mit begleitendem Katalogbuch. Cabanel ist der klassischen Tradition um Jacques-Louis David verpflichtet. Der Durchbruch gelingt dem Salonmaler, als er sich mythologischen Stoffen und damit der Darstellung des Nackten widmet. Davon zeugt auch sein Hauptwerk Geburt der Venus aus dem Jahre 1863, ein Gemälde von berückender Schönheit, das heute zu den Highlights des Pariser Musée d'Orsay zählt. Neben mächtigen Männern wie Napoleon III. und Ludwig II. von Bayern schätzten die Damen des Zweiten Kaiserreichs Cabanels virtuose Porträtkunst, deren gefällige Arrangements und noble Grazie ihnen entsprachen. Der vorliegende Band stellt den Maler in einer umfassenden Einleitung vor. Zudem präsentiert er 60 bedeutende Arbeiten aus Cabanels Schaffen in sieben Themenkreisen, darunter die Salonmalerei, Porträts und das Theater.

19世纪法国写实主义绘画大师的艺术之旅:聚焦让-奥古斯特-多米尼克·安格尔的艺术世界 书名:光影中的理想:让-奥古斯特-多米尼克·安格尔的永恒之美 作者:[此处填入一位虚构的,具有深厚艺术史学背景的作者名] 页数:[此处填入一个合理的页数,例如 480 页] 装帧:精装,附高清彩图插页 --- 内容简介:穿越古典的缪斯与新古典主义的巅峰 本书是一部深入剖析法国新古典主义巨匠,让-奥古斯特-多米尼克·安格尔(Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867)艺术生涯、创作理念及其深远影响的权威性著作。安格尔,作为雅克-路易·大卫的最后一位伟大继承者,却又是一位具有超前洞察力的现代主义先驱,他的艺术世界充满了矛盾的张力、对古典完美的执着追求,以及对人体形态近乎偏执的精确描摹。 本书摒弃了传统艺术史的僵硬框架,采用了一种多维度的叙事方式,旨在揭示安格尔这位“线条的大师”是如何在拿破仑时代的宏大叙事与波旁王朝复辟后的保守氛围中,坚守其对“纯粹美”的信仰,并最终塑造了19世纪法国学院派艺术的最高标准。 第一部分:早年的磨砺与对“完美”的溯源 (1780-1806) 本章详细追溯了安格尔在图卢兹的早期艺术教育,以及他如何迅速展现出对线条和轮廓的非凡天赋。重点分析了安格尔初次接触到大卫工作室的经历。我们不仅关注他模仿古典雕塑的练习,更深入探讨了他早期作品中对拉斐尔和古希腊艺术的痴迷。 关键分析点: 早期作品如《阿喀琉斯致众神之王阿伽门农的信函》如何预示了他日后对叙事清晰度和人物姿态的严苛要求。我们探讨了在那个崇尚“热烈情感”的时代,安格尔如何坚持“冷静的理性”,为他日后的学院派地位打下了基础。 第二部分:罗马的洗礼与意大利文艺复兴的启示 (1806-1814) 在获得罗马大奖后,安格尔的艺术观 underwent 了根本性的转变。本章聚焦于他在罗马的岁月,他并非简单地复制古典模型,而是将其消化吸收,转化为其独特的“安格尔式”的优雅。 重点考察: 安格尔对早期文艺复兴大师,尤其是皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡和拉斐尔的深入研究。我们详细分析了他在罗马创作的首批重要肖像画,例如《波拿巴第一执政官像》,这些作品展现了惊人的细节处理和对布料光泽的模拟,标志着他肖像画风格的成熟。 第三部分:巴黎的挣扎与学院派的抗争 (1815-1834) 回到拿破仑战败后的法国,安格尔发现自己身处一个日益转向浪漫主义的艺术环境中。本章详细描绘了安格尔与德拉克洛瓦等浪漫主义代表人物之间的“古典与浪漫”之争。 核心案例分析: 对安格尔最具争议性的作品之一——《泉》(La Source)的深度解析。本书通过研究手稿和草图,揭示了安格尔如何通过极度拉长和扭曲人体比例(如他标志性的“长颈”和“S形”脊柱),来追求一种超越现实的、理想化的女性美感。这种“非自然的美学”常常被当时的评论家误解为技术上的缺陷。 第四部分:土耳其情调的诱惑与异域情调的驾驭 (1830s-1840s) 19世纪初“东方主义”的兴起为学院派画家提供了新的题材。安格尔对这种风尚的介入是独特的,他并非描绘血腥的战斗,而是专注于私密、感官和异域的女性形象。 重点阐述: 《土耳其浴女》(The Turkish Bath)和《大宫女》(La Grande Odalisque)这两件杰作。我们将从建筑学、服饰学以及心理学的角度,探讨安格尔是如何构建这个“理想化的东方闺房”。尤其关注他对背部透视的处理,这不仅是线条的实验,更是对观众目光的操控,迫使观众与画中人产生一种私密的、被允许的凝视关系。 第五部分:肖像画的百科全书——对社会精英的永恒记录 尽管安格尔本人更倾向于历史画,但他在肖像画领域的成就却是无可匹敌的。本书认为,安格尔的肖像画是19世纪法国社会的一部“视觉百科全书”。 我们分析了其肖像画的三个核心要素: 1. 环境的精确性: 仔细考察家具、地毯、书籍等背景元素,它们不仅是装饰,更是对被描绘者社会地位的精确注解。 2. 服装的质感: 对丝绸、天鹅绒、蕾丝的处理达到了前所未有的拟真度,这体现了他对“描绘的绝对权威性”的追求。 3. 内在精神的捕捉: 即使在极度风格化的处理下,安格尔依然能捕捉到人物内心的骄傲、疲惫或自负,这使得他的肖像摆脱了纯粹的记录,达到了心理深度的层面。 尾声:最后的卫士与现代性的萌芽 安格尔在其晚年成为了法兰西艺术学院的院长,成为保守艺术势力的象征。然而,本书的结论部分指出,安格尔对“线条的自主性”的强调,以及他对形式的极端提炼,无意中为后来的现代主义艺术(如后印象派的塞尚对形态的重构)打开了大门。他虽然是古典主义的最后一位大师,但其对形式纯粹性的探索,却是面向未来的宣言。 本书的独到之处在于: 它不仅展示了安格尔的作品,更试图进入他那坚固而敏感的内心世界,理解他为何在整个职业生涯中,都与他同时代的艺术潮流保持着一种既亲密又疏远的距离,坚持认为“素描是艺术的诚实性所在”。通过对大量手稿、书信和学院档案的细致梳理,读者将获得一个全面、深入且极具启发性的安格尔艺术全景图。

作者简介

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读后感

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用户评价

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这部作品最让我感到震撼的,是它对于“时间感”的处理,它没有采用我们通常理解的匀速流动的时间概念。在故事中,时间似乎具有黏性,某些关键的时刻被无限拉长,仿佛凝固的琥珀,而那些数年光阴的流逝,却可能只用寥寥数语带过。这使得读者对于故事中事件的轻重缓急产生了完全不同的感知。比如,主人公一次失败的尝试,被细致描绘了二十多个心理层次的波动,占据了全书三分之一的篇幅,而他的最终成功或失败,却在一个清晨的闪念中被宣告。这种对主观时间的忠实反映,深刻地揭示了人类经验的悖论:我们总是认为生命由一系列可量化的事件组成,但实际上,我们的生命是由那些被反复咀嚼的瞬间构成的。这种处理方式,有效地消解了传统戏剧性的高潮,转而营造了一种绵延不绝的、存在主义式的张力。它迫使读者审视自己对生命中“重要时刻”的定义,是一种非常高级的认知训练。

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整体而言,这本书的气质是忧郁而又极其克制的,它散发着一种古典主义的宁静,即便是在描述最激烈的情感冲突时,也总有一层理性或哲学的薄纱将其包裹住。作者仿佛是一个冷静的博物学家,将人类的情感——从最狂热的爱恋到最深的绝望——一一放置在显微镜下观察,记录其形态,却不轻易表露自己的情感倾向。书中人物的命运往往不是由外部的巨大灾难决定的,而是源于他们性格中那些极其微小、几乎不可察觉的弱点,像是一个精密的钟表,一个微小的零件松动,最终导致了整个系统的停摆。阅读过程中,我始终被一种强烈的“宿命感”所笼罩,但这种宿命感并非是宗教意义上的惩罚,而更像是自然规律的必然结果。它没有提供廉价的希望或慰藉,而是提供了一种对人性复杂性的深刻理解。读完之后,你不会感到轻松,但会感到一种沉甸甸的满足感,仿佛你刚刚经历了一次对人类局限性与优雅的深度考察。

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语言的张力在这本书中被推到了一个令人咋舌的高度,与其说它在“讲述”故事,不如说它在“雕刻”词语。作者似乎对每一个词语的音韵和历史重量都有着近乎偏执的考量。我注意到,当描述人物的悲伤时,他会毫不犹豫地选择那些源自古法语、带有强烈贵族气息的词汇,使得悲伤本身都染上了一种高贵而无可挽回的宿命感。相反,在描绘底层人物的挣扎时,语言瞬间变得粗粝、直接,充满了强烈的冲击力,仿佛能听到底层生活的喧嚣和尘土的气息。这种声调上的巨大跨度,极大地增强了叙事的层次感。全书读下来,我感觉自己的词汇量被无形中拓宽了,不仅仅是词汇本身,更是对词语之间微妙关系的处理。特别是那些长句,结构复杂,层层递进,但却从未显得冗余,每一次从句的嵌入都像是为整体结构添上了一根必要的支柱。这是一种纯粹的语言艺术的展示,对于单纯追求情节推进的读者,可能会感到阅读的阻力较大,但对于语言爱好者来说,这是不容错过的宝典。

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这部作品的叙事节奏如同夏日午后慵懒的微风,轻盈却又带着一丝难以言喻的沉重感。作者似乎并不急于抛出核心冲突,而是将我们引入一个由细碎日常构建起来的世界。比如,对主角清晨在塞纳河畔散步时,光线如何穿过雾气投射在鹅卵石上的细腻描摹,足足占据了近三十页的篇幅。这种对环境的痴迷,让读者不得不放慢呼吸去感受,去品味那种法兰西式的、略带颓废的美学。书中对于人物内心活动的刻画更是入木三分,那些微妙的犹豫、未曾说出口的爱恋,都像水墨画中晕染开来的墨迹,界限模糊却又意味深长。我尤其欣赏作者对“失语者”的塑造,那些无法用言语表达的情感,通过肢体语言、一个眼神的闪躲被精准捕捉。当然,这种极度内敛的风格,对于追求快节奏情节的读者来说,可能会显得有些拖沓,但正是这种“慢”,让情感的酝酿达到了极致,仿佛一杯需要长时间醒酒的陈年波尔多,初尝平淡,回味悠长。我感觉自己仿佛真的置身于19世纪巴黎那些装潢考究却又略显压抑的沙龙之中,与那些穿着华服的灵魂一同呼吸着命运的叹息。

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这是一本结构上极具实验性的文本,它完全打破了传统小说的线性叙事,更像是一系列被打乱的、充满象征意义的碎片集合。阅读体验如同在迷宫中寻找出口,每翻过一页,视角就可能发生一次剧烈的倾斜。作者大量运用了意识流的手法,将历史事件的宏大叙事与个体瞬间的幻觉交织在一起,使得现实与梦境的边界变得模糊不清。我花了相当长的时间去拼凑那些看似无关的章节,比如一段关于十九世纪末期建筑材料工业化的枯燥记录,突然就与一段关于失眠症患者对月亮发出的无声呐喊并置。这种并置并非毫无逻辑,它揭示了一种潜藏在社会结构深处的、关于“构建”与“崩塌”的哲学思辨。更令人称奇的是,书中出现的那些晦涩的典故和隐喻,似乎都有着非常清晰的文化根源,但作者处理得极为高明,不直接解释,而是让读者自己去“发现”——这使得每一次阅读的收获都带有强烈的个人色彩。对于那些热衷于文本解码和深度解读的读者来说,这无疑是一场智力上的盛宴,每一次重读都会带来新的顿悟。

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印得还是不够好,Cleopatra那张顿感黯淡;不过Cabanel功力了得,纸面呈现已足以令人惊叹了

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