二十世纪中国油画 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京美术摄影出版社

作者:

出品人:

页数:1784

译者:

出版时间:2004-1

价格:3000.00元

装帧:

isbn号码:9787805012339

丛书系列:

图书标签:

• 油画
• 画
• 中国油画
• 二十世纪
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• 绘画
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• 历史
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• 中国艺术
• 现代艺术

沧桑与开拓：中国近现代绘画的转型与探索 (1840-1949) 本书并非关注二十世纪中国油画的宏大叙事，而是深入剖析一个更广阔、更具复杂性的历史时期——自晚清开眼看世界至新中国成立前夕，中国传统绘画（国画）在面对西方艺术浪潮冲击下所经历的深刻变革、内部挣扎与多元化尝试。 本书旨在梳理中国画坛在特定历史语境下的精神脉络与技法演变，聚焦于“转型期”这一概念，探讨中国艺术家如何在固守民族文化根基的同时，积极吸收外来营养，重塑中国绘画的当代面貌。我们将避免聚焦于单一的“油画”门类，转而探讨更具包容性的“写意”与“写实”的辩证关系。 --- 第一部分：晚清的冲击与古典的坚守 (1840-1900) 第一章：列强叩关与艺术观念的裂变 自鸦片战争以降，西方写实主义的绘画思潮和科学观念（如透视学、解剖学）开始零星传入中国。本书首先考察这一时期的文化心理背景，并非直接探讨油画的引入，而是分析传统士大夫阶层如何看待“摹古”与“创新”的冲突。重点分析如费丹旭、任伯年等代表人物在继承清代中期文人画优良传统的同时，如何巧妙地融入了民间绘画的生动性与西方的光影处理，形成“折衷”的开端。 第二章：早期引进与宫廷的反应 本章细致考察西方科学绘画和肖像画技术在清宫廷的早期实践。这并非是艺术革命，而是技术补充。我们关注如郎世宁（Giovanni Castiglione）的艺术遗产对后续中国画家的间接影响，以及清末官派留学生在欧洲接触到的古典学院派绘画，他们带回的不是成熟的本土风格，而是对“如何更真实地描绘世界”的新认知。这一时期的核心议题是：如何在不失“雅”的前提下，引入“逼真”？ 第三章：民间力量的勃发与“海派”的兴起 晚清的社会动荡催生了上海、广州等通商口岸的艺术商业化。本书将此视为艺术生产方式的转变。重点分析以吴昌硕为代表的海派绘画，他们如何将篆刻的笔法、写意的精神融入花鸟画，形成一种更具张力、更贴近市民审美的风格。这是一种在传统内部的自我强化，而非完全依赖外来技术。 --- 第二部分：民国肇始：学院教育的建立与“中西调和”的探索 (1900-1937) 第四章：教育革新：艺术机构的设立与新学制 辛亥革命后，中国社会对教育的重视空前高涨。本章聚焦于中国第一批现代美术学校的建立，如蔡元培倡导的北京大学艺术讲习所、上海美术专科学校等。我们详细分析这些机构最初的课程设置，特别是“素描”和“速写”被纳入教学体系的意义。这标志着“基础训练”概念的引入，是塑造未来中国画家的重要环节，但其核心仍是为中国画的现代化服务。 第五章：早期“调和派”的实践与困境 在留欧学生归国初期，艺术界主流思潮是寻找一条融合中西的道路。本章探讨如徐悲鸿、高剑父、潘天寿等不同地域和背景的艺术大师，他们各自的“调和”路径。徐悲鸿的“素描为骨”论，强调结构与比例的科学性；高剑父的岭南画派，则尝试以水墨的笔触表现西画的光影和异域风光。本书将深入分析，这种“调和”往往是一种张力，而非完美的融合，它揭示了中国画家在技法和精神层面所面临的抉择。 第六章：文人画的内在反思与革新 在西方写实主义的冲击下，传统文人画并未消亡，而是进行了深刻的自我反思和技法深化。本章聚焦于如齐白石、黄宾虹等大师的晚期成就。他们通过对笔墨语言的极致提炼，挖掘传统绘画中蕴含的抽象性和表现力，试图证明中国画的现代性无需依赖西方的造型手段，而是可以从内部的“笔墨本体”中爆发出来。这是对外部冲击的“守正”回应。 --- 第三部分：现代性的竞争与民族图存 (1927-1949) 第七章：艺术的社会功能与“为人生”的思潮 随着社会矛盾的加剧，艺术的社会责任被提升到前所未有的高度。本章探讨左翼艺术思潮对美术界的影响，以及国画界对“题材革命”的响应。画家们开始将目光投向工厂、田间和普通民众，试图用传统或改良后的笔墨来记录社会现实，这要求绘画在叙事性和主题性上向西方纪实风格靠拢。 第八章：国画研究会的成立与“正统”之争 国民政府时期，艺术教育体系逐渐稳定，但也出现了对“国画”定义权的争夺。本章分析了如“国画研究会”等机构的成立，以及围绕“何为中国画正统”展开的争论。这种争论往往聚焦于材料（纸绢 vs. 纸布）和手段（笔墨 vs. 色彩/造型）的取舍，反映了民族主义情绪在艺术领域中的投射。 第九章：战火中的艺术生命力与流亡的画家 抗日战争时期，艺术创作进入了艰难但充满激情的阶段。本书将探讨画家们如何将爱国主题融入山水、人物创作中，以及艺术家的“流亡”状态对创作主题和风格的影响。一些画家在艰难条件下，反而激发了对本土题材更深层次的理解与表现。 总结：中国画在二十世纪上半叶的定位 本书总结道，二十世纪上半叶的中国绘画，是一场在内外交困中艰难进行的“现代转型工程”。它不是简单地引入油画，而是围绕“如何以中国之媒介，达到世界之水平”这一核心命题，进行了全方位的探索。艺术家们在坚守笔墨精神的同时，努力吸收了西方的造型科学、教育体制和社会功能观，最终塑造了一个既根植于悠久历史又面向未来的、多元化的中国绘画格局。本书的价值在于呈现这一复杂图景的全貌，而非聚焦于其中一个特定外来画种的发展。

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这本书的文字部分，尤其是那些对艺术家生平背景的介绍和创作意图的解读，展现出一种令人信服的学理深度和人文关怀。它没有采用那种高高在上、故作玄虚的学术腔调，而是用一种非常贴近生活的叙述方式，将艺术家的个人命运与他们所处的社会环境紧密地联系起来。读到某些关于艺术家在特定历史时期如何坚持创作、如何与外界进行艰难沟通的故事时，我感触颇深。这不再仅仅是看“画”了，而是与那些在时代洪流中奋力留下自己印记的灵魂进行了对话。这些文字让我意识到，一件艺术品的价值，绝不仅仅在于其形式上的创新，更在于它所承载的时代记忆、个人勇气和对美的永恒追求。这种“温度”是冰冷的技术分析所无法替代的。

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这部画册的装帧设计着实让人眼前一亮，那种沉稳又不失典雅的墨绿色封皮，配上烫金的书名，透着一股历经时光洗礼的厚重感。光是捧在手里，就能感受到它对所收录艺术品的尊重。内页的纸张选择也十分考究，那种微微带有纹理的哑光铜版纸，使得即便是色彩饱和度极高的作品，在印刷出来后也呈现出一种温润如玉的质感，而不是那种廉价的、反光的俗气。我尤其欣赏编者在版式布局上的用心。每一幅画作都不是简单地占据一整页，而是巧妙地留白，让作品仿佛有了呼吸的空间。有些重要的作品旁边，还会配有极为克制的引文或简短的图注，这些文字并非冗长的大段论述，而是如同诗歌一般凝练，恰到好处地引导读者的目光和思绪，让人在视觉享受之外，还能体会到一种精神上的共鸣。这无疑是一本将阅读体验与艺术鉴赏完美融合的精品，对于追求高品质艺术书籍的藏家来说，这本书的实体本身就具有很高的收藏价值。

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这本书的视角之广阔，简直令人惊叹。它似乎没有固守于某个特定的流派或者地域，而是像一个不知疲倦的旅行者，带领我们穿越了不同年代的艺术图景。我惊喜地发现其中收录了不少在主流艺术史中相对低调，但作品却极具实验性和开创性的艺术家。这些画作展现了一种强烈的时代精神——那种在变革洪流中，艺术家们既想融入世界，又极力保留本土文化内核的矛盾与挣扎。例如，其中一组关于城市景观的速写，线条的力度和光影的处理，完全可以媲美同期欧洲表现主义大师的笔触，但其内在的情感张力，又无疑根植于东方的某种哲学思辨。这种跨文化的对话和碰撞，使得整本书的阅读过程充满了“发现”的乐趣，每一次翻页都像是在开启一个全新的历史的侧门。它成功地构建了一个宏大叙事下的，充满细节和个体声音的艺术生态系统。

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这本书的细节呈现能力达到了一个令人叹为观止的境界。这对于任何一个痴迷于绘画笔触和颜料质感的深度观者来说，都是至关重要的。我特意对照了几幅我原本在博物馆或画廊里亲眼见过的原作照片，发现这本画册的图像还原度简直高得惊人。那种颜料堆叠的厚度感，画布的纹理，甚至画家在最后一笔时犹豫或果断留下的笔锋走向，都得到了极好的保留。特别是对于那些使用油彩厚涂技法的作品，翻阅这本书时，我仿佛能“摸”到颜料的起伏。这种对“触感”的视觉重现，极大地丰富了我的欣赏体验，它让我们得以在不触碰原作的前提下，尽可能地接近艺术家的工作室，去感受创作时的即时状态。毫无疑问，这是一次令人震撼的、对油画材质美学的极致致敬。

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我必须得提一下关于艺术史脉络梳理的清晰度。通常这类综合性的画册，很容易因为收录作品过多而显得杂乱无章，导致读者看完之后，对整体的发展趋势只能留下模糊的印象。但这本书的处理方式非常高明，它似乎运用了一种“事件驱动”的叙事结构。作者并非简单地按时间线性排列，而是将一些关键的艺术思潮的爆发点、重要的展览或者里程碑式的作品作为章节的锚点。这样一来，读者在欣赏具体的画作时，能够清晰地感知到“为什么”这种风格会出现，它是在回应前一个阶段的什么挑战，又是如何为下一个阶段铺平道路的。尤其在探讨风格转型期的作品时，那些并置的对比图，简直是教科书级别的示范，它们用视觉语言无声地解释了艺术语言是如何迭代和演进的，非常适合希望系统性了解一个时期艺术发展脉络的严肃爱好者。

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分I、II、III、三大册，每册分1、2两大本，每册重的需要双手撑起，你想想看这个该有多累！

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