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出版者:Walter de Gruyter

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1994-02

价格:USD 123.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783110129823

丛书系列:

图书标签:

• 文化管理
• 文化产业
• 艺术管理
• 文化政策
• 文化经济学
• 非营利组织
• 市场营销
• 战略管理
• 组织行为学
• 文化传播

《数字时代的创意产业：理论、实践与未来趋势》 作者： [此处留空，或填写假设作者姓名，例如：李明/王芳] 出版社： [此处留空，或填写假设出版社名称，例如：时代学苑出版社] 出版日期： 2024年 [假设日期] --- 内容提要 在信息爆炸与技术飞速迭代的今天，创意产业已不再是文化领域的边缘分支，而是全球经济增长的核心驱动力之一。本书《数字时代的创意产业：理论、实践与未来趋势》深入剖析了这一复杂且充满活力的生态系统。它超越了传统文化管理的范畴，聚焦于数字技术如何重塑创意价值的产生、分配和消费机制，并探讨了艺术、科技、商业三者深度融合所带来的结构性变革。 本书旨在为研究者、行业从业者、政策制定者以及对创意经济抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统化、前瞻性的分析框架和实用的案例研究。我们将从理论基石入手，逐步深入到细分领域的实战操作，最终展望平台经济、Web3.0及人工智能对创意劳动未来的深刻影响。 --- 目录结构与核心章节概述 全书共分为五大部分，二十章，力求覆盖创意产业从宏观政策到微观运营的全景图。 第一部分：创意产业的理论重构与界定（The Theoretical Reframing of Creative Industries） 本部分致力于厘清“创意产业”的边界和核心驱动力，批判性地审视了其在全球化和数字化背景下的演变。 第一章：从“文化产业”到“创意经济”：概念的演进与边界的模糊 探讨了战后以来文化产品经济属性的确认过程，重点分析了创意产业作为知识密集型和服务密集型产业的特性。着重讨论了数字技术如何打破了传统文化产品的物质载体限制，使得“创意”本身成为核心资产。 第二章：价值链的重塑：从内容生产到用户参与 分析了在互联网环境下，创意价值链如何从线性模式转变为网络化、去中心化的结构。探讨了“粉丝经济”、“社群驱动”在价值共创中的作用，以及数据资产在评估创意企业价值中的新兴地位。 第三章：知识产权、公共政策与创意生态系统的平衡 深入探讨了版权、专利、商标等知识产权制度在数字平台环境下面临的挑战。比较了不同国家和地区（如欧盟、美国、东亚）在支持创意产业发展方面的政策工具差异，重点关注如何平衡创作者权益保护与技术创新激励。 第二部分：数字基础设施与创意内容的生产模式（Digital Infrastructure and Content Production Paradigms） 本部分关注数字技术如何直接干预创意内容的生产流程和分发渠道。 第四章：平台的崛起：算法、策展与流量的权力 详细剖析了主流数字平台（如流媒体服务、社交媒体、在线游戏平台）作为新型“数字守门人”的角色。研究了推荐算法如何影响用户接触到的内容类型，以及平台抽成模式对中小型创作者生存空间的挤压。 第五章：沉浸式体验的兴起：VR/AR与空间叙事的构建 聚焦于扩展现实（XR）技术在电影、音乐、教育和品牌营销中的应用。探讨了如何设计有效的沉浸式叙事结构，以及硬件普及率对该领域商业模式的制约。 第六章：独立制作与微型企业：去中心化工具赋能个体创作者 分析了低成本、高质量的数字制作工具（如开源软件、易于访问的云服务）如何降低创意门槛，助力“一人公司”或小型工作室的崛起。涉及众筹、Patreon等新型融资渠道的实操分析。 第七章：电子竞技与直播经济：新兴的表演艺术与受众互动 将电子竞技视为一种新型的文化表演形式，探讨其作为全球性赛事的商业化路径。分析了直播作为一种即时、交互性强的媒体形态，如何催生出新的表演者与观众关系。 第三部分：创意产业的关键细分领域深度剖析（Deep Dive into Key Creative Sectors） 本部分将理论应用于具体的行业实践，展现不同领域在数字化转型中的独特挑战与机遇。 第八章：音乐产业的流媒体革命与版税困境 考察了从实体唱片到数字下载再到流媒体订阅的转变对音乐人收入结构的影响。深入分析了“天花板效应”和“长尾理论”在音乐消费中的具体体现。 第九章：电影与剧集制作的全球化发行与窗口期重构 探讨了流媒体巨头如何颠覆传统的院线发行模式。研究了跨国制作（Co-production）的增加，以及本土内容如何通过全球平台获得国际受众。 第十章：游戏产业的“服务化”转型：GaaS与元宇宙的早期形态 将视频游戏视为最成熟的数字创意产品形态，分析了“游戏即服务”（GaaS）的盈利模式，以及大型多人在线世界（MMO）中经济活动和文化建构的复杂性。 第十一章：出版业的电子化与有声书的爆发式增长 对比了传统出版与数字出版在内容获取、分发速度和成本结构上的差异。重点分析了有声书市场如何吸引了新的消费群体，并对作者的收入分配产生了何种影响。 第十二章：广告与品牌传播的精准化与创意融合 研究了大数据、人工智能在广告投放中的应用如何与创意内容紧密结合，催生出交互式广告、原生内容（Native Advertising）等新形式。 第四部分：运营、管理与人才策略（Operations, Management, and Talent Strategy） 本部分聚焦于在数字环境中管理创意团队、衡量绩效和制定商业战略的实用方法论。 第十三章：敏捷管理在创意项目中的应用 探讨了如何将软件开发中的敏捷（Agile）方法引入到周期不确定、创新风险高的创意项目中，以实现快速迭代和风险最小化。 第十四章：创意人才的激励、留用与跨文化协作 分析了在远程工作和全球人才流动背景下，如何设计有效的薪酬、股权激励和职业发展路径来留住顶尖创意人才。强调了跨文化沟通在国际创意团队中的重要性。 第十五章：绩效评估的悖论：量化创意产出 讨论了如何平衡基于量化指标（如点击量、转化率）的商业绩效与难以量化的创意质量和创新性之间的矛盾。提出了平衡指标体系的构建思路。 第十六章：融资策略：从天使投资到风险投资再到战略合作 梳理了创意科技公司在不同发展阶段的融资渠道，并分析了资本方对创意项目的评估标准和期望回报周期。 第五部分：未来展望与新兴议题（Future Perspectives and Emerging Issues） 本部分着眼于新兴技术和宏观趋势对创意产业未来十年可能产生的颠覆性影响。 第十七章：人工智能在内容生成中的角色与伦理边界 深入探讨了生成式AI（Generative AI）在剧本创作、作曲、数字艺术领域的实际应用。重点讨论了“作者身份”的法律与哲学难题，以及AI工具的使用规范。 第十八章：Web3.0、区块链与创作者经济的“所有权”回归 分析了NFT（非同质化代币）和去中心化自治组织（DAO）在音乐、视觉艺术领域实现资产数字化和版税自动化分配的潜力，及其对传统中介机构的挑战。 第十九章：气候变化与可持续性：绿色创意实践的必要性 探讨了创意产业在应对环境挑战中的责任，从降低制作碳足迹到通过创意作品提升公众环境意识的策略。 第二十章：未来城市与创意产业的地域集聚效应 研究了在全球远程化趋势下，城市作为创意中心的功能是否会削弱。分析了未来“创新飞地”的可能形态，以及数字连接如何影响地域性的文化认同与产业集群。 --- 读者对象 本书适合以下群体阅读： 高校师生： 艺术管理、传播学、媒体研究、数字经济等相关专业的研究生及本科生。 行业管理者： 媒体公司、内容制作机构、科技公司中负责战略规划和业务拓展的中高层人员。 政策制定者： 文化部门、科技创新委员会的政策研究人员。 独立创作者与创业者： 希望理解宏观趋势，并将其转化为具体商业策略的艺术家、设计师、开发者。 本书特色 跨学科视野： 整合了经济学、社会学、信息技术和艺术理论，提供多维度的分析工具。 理论联系实际： 大量穿插全球范围内的前沿案例和商业模式分析，确保内容的时代性和可操作性。 前瞻性探讨： 聚焦AI、Web3.0等前沿技术，帮助读者预判行业变革的方向。 --- 装帧规格： 精装/平装，[假设页数]页，ISBN：[假设数字] 定价： [此处留空]

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这本书的论证方式，最让我印象深刻的是其近乎偏执的“去西方中心化”努力。作者似乎将巨大的篇幅和精力投入到了挖掘非西方文化管理实践的案例中，试图挑战西方主流的管理范式。书中对比了南美洲某原住民社区的非营利艺术合作社的运作模式，以及亚洲某城市如何将地方神话融入现代旅游产业的案例，这些内容是新鲜且富有启发性的。我非常欣赏这种拓宽视野的努力，它迫使我反思我们习惯性依赖的西方经典理论的局限性。然而，这种“去中心化”的努力，在某些段落中表现得有些用力过猛，以至于偶尔会让人产生一种刻意的“对立感”。比如，当批判某种西方化管理工具时，作者往往会立刻抛出一个看似完美的、但却缺乏充分现实检验的替代方案。这使得我对这些替代方案的有效性保持着高度的怀疑。它更像是一部批判性的宣言，而不是一本平衡的工具书。我期望看到更多关于如何在现有框架内进行“渐进式改革”的探讨，而不是完全推翻重来的宏大蓝图，毕竟现实中的变革往往是螺旋上升的，而不是一蹴而就的断裂。

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我必须说，这本书的排版和图表设计，简直是反潮流的典范——如果说“反潮流”指的是与当代设计趋势背道而驰的话。整体视觉感受非常复古，甚至可以说有些沉闷。大量使用衬线字体，页边距宽得惊人，似乎是为了给读者留出足够的“冥想空间”。我特意翻阅了其中关于市场细分和目标受众画像的部分，那些图表，天哪，简直像是上世纪八十年代的统计学报告直接扫描进来的，线条生硬，色彩对比度极低，数据点的区分全靠形状的不同。我尝试去理解作者试图通过这些视觉元素传达的某种“经典”或“永恒”的审美，但坦白讲，在如今这个信息碎片化、视觉主导的时代，这样的呈现方式极大地提高了信息接收的门槛。如果这本书的目的是为了教育下一代文化管理者，那么它所采用的载体本身，似乎与它所倡导的“与时俱进”的文化传播理念存在着某种有趣的悖论。我感觉自己更像是在阅读一本尘封已久的研究档案，而不是一本面向未来的行业指南，阅读过程中的挫败感主要来源于“看不清”图表，而不是“不理解”内容。

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这本厚厚的砖头，拿到手里沉甸甸的，光是封面那种深沉的墨绿色和烫金的字体，就透着一股子严肃劲儿。我本来是冲着内容去的，想着能学点儿实在的管理技巧，结果翻开后，发现它更像是一部理论的史诗，而不是一本操作手册。前三分之一的内容，几乎都在追溯“文化”这个概念的哲学根源，从康德的启蒙思想到后现代解构主义，简直是一场小型的人文沙龙。我得承认，作者的学术功底毋庸置疑，引用的文献浩如烟海，脚注几乎要占据页面的三分之一。但是，作为一个实际操作者，我阅读时常常会感到一种智力上的疲惫。比如，书中花了整整两章来探讨“审美距离”在公共艺术项目中的作用，分析极其精妙，逻辑链条严密得让人无法反驳，但当我合上书本，准备去思考如何解决下个月预算紧张的问题时，那些高屋建瓴的理论似乎都飘在了空中，找不到落地的支点。我尤其记得有一段，作者用了一整页篇幅来比喻文化管理如同指挥一支古典交响乐团，强调每一个声部之间的张力与和谐，理论上很美，但现实中，我的“乐团”成员可能连基本的五线谱都看不懂，更别提复杂的和声结构了。这本书更适合在象牙塔里进行深度研讨，而不是在快速变化的商业环境中寻求即时指导。它提供的是“为什么”，但对我而言，更迫切需要的是“怎么做”。

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读完这本书，我感觉自己像是刚参加完一场为期一周的欧洲文化遗产保护峰会，脑子里塞满了各种宏大的叙事和复杂的案例分析，但真正能带回办公室的“纪念品”却不多。这本书的叙事风格极其克制和学院派，它很少使用我们日常商业交流中的那种激励人心的口号或者即效性的“三步走”方案。相反，作者更偏爱使用长句和嵌套从句，构建起一个异常稳固的理论框架。举个例子，书中对于“赞助”与“艺术自主性”之间微妙关系的探讨，简直是教科书级别的严谨。作者没有简单地谴责资本的介入，而是非常细腻地描绘了这种关系中潜在的权力交换、身份建构和符号价值的流动。这无疑拓宽了我的视野，让我意识到我们每天做的决策，背后都承载着深厚的历史和社会意涵。然而，这种深入的剖析，有时也意味着牺牲了阅读的流畅性。我发现自己不得不经常停下来，查阅那些被作者假定我已了解的专业术语，或者重新梳理一下句子主语和谓语之间的复杂关系。对于一个希望快速吸收知识的读者来说，这本书的阅读体验更像是一场需要高度专注力的“智力马拉松”，而不是轻松愉快的“知识漫步”。

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总的来说，这本书给我的体验是极为“内耗”的。它不提供任何关于如何快速提高门票销量、如何有效进行社交媒体推广或是如何与董事会进行有效沟通的实用建议。相反，它邀请你进入一个漫长而曲折的认知旅程，核心任务是解构你心中关于“文化”与“管理”的所有预设。我花了好几个小时才啃完关于“公共性消解与私人赞助的伦理困境”这一章节，作者不断地用复杂的伦理学框架来拷问读者的良知和专业判断。读完后，我确实对自己的职业行为有了更深刻的反思，明白了自己常常在无意中妥协了某些价值。但是，这种深度反思并没有立即转化为生产力。我合上书本，面对堆积如山的行政事务，感到一种强烈的“知识的无力感”。这本书更像是一面审视灵魂的镜子，它让你看清了自己站在哪条战线上，但它并没有提供一把可以帮你打赢日常战斗的剑。它是一部智者的沉思录，而非实干家的行动指南，适合在心境平和、时间充裕时进行纯粹的学术探究，但对于日常的“救火”工作，它的帮助微乎其微。

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