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出版者:

作者:新知互动

出品人:

页数:230

译者:

出版时间:2009-8

价格:39.50元

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isbn号码:9787302204138

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好的，这是一本涵盖了现代艺术史的著作的详细介绍，它将带您领略从印象派到后现代主义的波澜壮阔的艺术历程。 --- 现代艺术的万花筒：从印象派的光影到解构的边界 一部深入剖析近两百年西方艺术演变脉络的权威指南 本书并非仅仅是一本艺术史的陈述，它是一次邀请，邀请读者潜入一场关于视觉、观念与社会变革的深刻对话。我们聚焦于十九世纪中叶至今，艺术领域所经历的翻天覆地的结构性转变，探讨艺术家如何从古典学院派的束缚中挣脱出来，继而挑战我们对“美”、“真实”乃至“艺术品”本身的固有认知。 第一部分：光与色彩的革命——现代主义的黎明（1860s-1914） 本部分将从 印象派的诞生 开始，细致考察莫奈、雷诺阿等画家如何突破画室的限制，将转瞬即逝的光影和瞬间的感官体验定格于画布之上。我们将分析他们如何利用色彩的并置而非传统的混合来创造视觉的振动感，以及这种对“可见世界”的忠实记录如何成为对僵化艺术传统的第一次有力反叛。 紧接着，我们会深入 后印象派 的精神世界。塞尚对几何形体的探索，奠定了结构主义的基础，他将自然物象还原为圆柱、球体和圆锥，预示了立体主义的降临。梵高燃烧般的色彩语言，不仅是情感的宣泄，更是对后世表现主义的深刻启示。而高更在塔希提岛对异域文化和象征主义的追求，则开启了艺术对内在精神世界的挖掘。 随后，我们将进入 野兽派 激烈的色彩爆发期，马蒂斯如何将色彩从描绘对象的功能中解放出来，使其成为独立的叙事元素。同时，表现主义 在德意志地区的勃兴，如桥社（Die Brücke）和蓝骑士（Der Blaue Reiter）的艺术家们，如何通过扭曲的线条和强烈的非自然色彩来表达个体在快速工业化社会中的焦虑与疏离感。 第二部分：形式的解构与速度的崇拜（1905-1945） 二十世纪的第二个十年，艺术进入了对形式本体论的彻底颠覆时期。 立体主义的诞生 是现代艺术史上最关键的里程碑之一。我们将详细剖析毕加索和布拉克如何通过“分析式立体主义”将三维空间对象分解、重组，并在二维平面上展示其多个视角的并置。接着探讨“综合式立体主义”如何引入拼贴（Collage）技术，模糊了艺术与日常材料的界限。 紧随其后，未来主义 对速度、机械和战争的狂热赞美，展现了对现代生活节奏的迷恋。意大利艺术家们如何试图在静止的画面中捕捉运动的轨迹，是本章的重点。 第一次世界大战的创伤催生了 达达主义 的荒谬与虚无主义。我们将考察杜尚如何以“现成品”（Readymade）挑战“艺术作品”的定义，并以《泉》等作品对传统美学观念进行了无情的嘲弄。达达主义并非一种风格，而是一种反叛的姿态，它为后来的观念艺术铺平了道路。 达达主义的理性化与结构化带来了 超现实主义。布勒东的理论框架下，达利、马格里特等艺术家如何探索弗洛伊德的潜意识、梦境和非理性世界。他们的作品以惊人的写实技巧描绘着荒诞的场景，揭示了人类内心深处隐秘的逻辑。 第三部分：二战后的权力转移与抽象的盛宴（1945-1960s） 二战结束后，艺术的中心从巴黎转移至纽约。 本章首要探讨 抽象表现主义，特别是“行动绘画”（Action Painting）的代表人物杰克逊·波洛克。我们将分析滴画如何强调创作过程本身的重要性，将画布变为一个“事件场域”，体现了艺术家身体与作品的直接交互。同时，我们也会分析色彩域绘画（Color Field Painting）如罗斯科作品中，巨大的色块如何营造出一种沉思和近乎宗教般的体验。 在对抗抽象表现主义的宏大叙事时，简约主义（Minimalism） 兴起。艺术家们抛弃一切象征、情感和手势，追求作品的“物件性”（Objecthood）。我们将审视唐纳德·贾德等人的作品，探讨这些工业材料制成的、几何形态的物体如何迫使观众关注作品的空间关系、材料质感以及它们在真实环境中的存在感。 第四部分：图像时代的冲击——从波普到后现代（1960s至今） 随着大众媒体和消费文化的全面爆发，艺术迎来了新的转向。 波普艺术（Pop Art） 成为时代的最强音。安迪·沃霍尔和李奇登斯坦等艺术家，以戏仿、挪用和机械复制的方式，将广告、漫画和名人肖像引入艺术殿堂。本部分将分析波普艺术对高雅艺术与低俗文化界限的模糊，以及它对消费社会符号学的批判或迎合。 随后，我们将探讨 观念艺术（Conceptual Art） 的极端化倾向。索尔·勒维特等艺术家强调“想法或概念即是艺术品本身”，而非其物质载体。这彻底将艺术创作从技能和美学层面解放出来，转为智力活动。 最后，本书将聚焦于 后现代主义 的多元景观。我们审视女性主义艺术、后殖民艺术，以及对现代主义宏大叙事的解构与戏仿。从对“原创性”的质疑，到对身份政治的探讨，现代艺术最终在多元的、相互竞争的叙事中，走向了其边界的延伸与重塑。 --- 本书特色： 跨学科视角： 将艺术史与当时的哲学思潮（如存在主义、结构主义）和技术进步相结合进行阐释。 深度案例分析： 选取了数百件核心作品，提供精确的风格分析和历史背景。 清晰的脉络梳理： 帮助读者理清不同艺术运动之间继承、反叛与对话的复杂关系。 阅读本书，您将获得理解当代艺术语言的金钥匙，洞悉现代文化如何一步步构建出我们今日所见的视觉世界。

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我是一个对后期处理有一定兴趣的爱好者，原本以为这本偏向基础操作的书籍对我来说价值有限，但事实证明我大错特错。书中关于色彩管理和白平衡设置的章节，简直是教科书级别的存在。它没有停留在教你“如何调整白平衡滑块”这种肤浅的层面，而是深入剖析了不同光源（钨丝灯、荧光灯、LED）的色温特性，并提供了非常实用的现场处理建议，比如在户外强光下如何利用反光板来柔化阴影和平衡曝光。更绝的是，它有一整章专门讨论了RAW格式和JPEG格式的优劣，并且手把手教导如何通过机内设置优化初始图像质量，而不是简单地告诉你“用RAW”。对于后期软件的介绍，它也把握得很好，它推荐了一些基础的调整思路，比如如何正确地使用曲线工具来增强影调对比，而不是简单地套用滤镜。这些知识的积累，让我在后期软件中操作时，不再是盲目试错，而是有了清晰的理论指导，极大地提高了我的工作效率和出片质量。

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作为一个偏爱旅行和纪实摄影的人，我对如何捕捉人文场景中的“决定性瞬间”非常感兴趣。这本书在人像与纪实摄影一章中，提供了大量实用的“潜伏式”拍摄技巧。它没有提倡去打扰被摄者，而是着重于如何利用环境光线、预判人物的动作，以及如何快速调整焦距和曝光来实现抓拍。特别提到了如何利用长焦镜头进行远距离的隐蔽观察，以及如何选择合适的视角来避免杂乱的背景干扰。书中还提供了一些关于“人与环境关系”的思考，教导我们如何通过环境元素来烘托人物的情绪和故事背景，而不是仅仅拍一张清晰的脸。对于如何在复杂的城市光线下进行曝光补偿、如何处理高对比度场景下的宽容度问题，书中的案例分析都非常详尽，它引导读者思考：如何用光影来讲述一个无声的故事，这远比那些僵硬的摆拍技巧要有价值得多。

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这本书在构图和视觉语言方面的论述，完全颠覆了我过去那种“把主体放在正中间”的习惯。它对“三分法”的阐述已经非常深入了，不仅教你如何划分网格，更重要的是，它通过大量优秀作品的解构分析，展示了如何利用引导线、框架构图和负空间来引导观众的视线，创造出更具故事性的画面。我特别喜欢其中关于“动态感”捕捉的章节，它详细分析了快门速度对运动主体的影响，比如如何用慢速快门拍出流水如丝的效果，以及如何用高速快门凝固住飞溅的水花瞬间。这些技巧的讲解，往往配有前后对比图，让读者能立刻领会到不同设置带来的巨大视觉差异。此外，书中对“影调”的理解非常到位，它强调了高光、中间调和阴影的平衡才是决定一张照片“质感”的关键，这比单纯讨论色彩饱和度要高级得多。阅读这些章节，我感觉自己不仅仅是在学习技术，更是在培养一种“看世界”的角度。

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这本摄影入门书简直是我的救星！我刚买了我的第一台单反，面对一堆复杂的菜单和术语简直头大。这本书的开篇部分，重点讲解了光圈、快门和ISO这“曝光铁三角”的关系，讲解得非常清晰易懂，甚至配有一些生动的比喻，让我这个完全的小白也能瞬间明白它们是如何相互制约和协作的。它没有一开始就堆砌那些深奥的理论，而是非常贴心地从实际操作出发，教我如何在不同光线条件下，比如阴天或者傍晚，快速找到正确的曝光组合。更让我惊喜的是，它花了相当大的篇幅讨论了对焦系统的选择和使用，这一点很多其他入门书籍都会一带而过，但这本书却详细介绍了如何锁定主体、如何使用连续对焦和单次对焦，甚至还有如何利用实时取景进行精确对焦的技巧。读完前几章，我感觉自己已经不再是那个只会按快门按钮的“傻瓜机”用户了，起码我知道自己为什么拍出来的照片会过曝或欠曝了，这对我建立摄影自信心简直是里程碑式的进步。那些关于景深控制的图示也特别直观，我终于搞明白怎样才能拍出背景虚化漂亮的人像了。

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我是一个热衷于器材研究，但有时会陷入“器材至上”误区的人。这本书中关于镜头选择和使用误区的讨论，给我敲响了警钟。它没有简单地推荐昂贵的全画幅设备，而是理性地分析了定焦镜头和变焦镜头的适用场景，强调了“镜头是眼睛的延伸，而不是炫耀的工具”。它用实际的镜头畸变测试图，清晰地展示了广角镜头在边缘的拉伸效果，以及长焦镜头对压缩空间感的增强作用，这帮助我认识到，每种焦段都有其不可替代的“语气”。此外，关于闪光灯的使用，这本书的讲解也异常务实。它没有停留在机顶闪的直射光批评上，而是详细介绍了如何通过跳闪、使用柔光罩以及离机引闪来实现立体而自然的光影效果，这让原本看起来很“硬”的影棚技术，变得平易近人。读完后，我对手中现有器材的潜力有了更深的挖掘，同时也明白了，技术上的精进远比盲目升级硬件来得更重要和实际。

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坑钱。。。

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