中国戏曲史漫话 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海文艺出版社

作者:吴国钦

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页数:320

译者:

出版时间:1980-6

价格:0.73元

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《中国戏曲史漫话》：一次穿越时空的文化探索之旅 在中华五千年灿烂文明的长河中，戏曲以其独特的艺术魅力，成为一颗璀璨的明珠。它不仅是人民群众喜闻乐见的娱乐形式，更是承载着历史记忆、文化传承和民族精神的重要载体。《中国戏曲史漫话》并非枯燥的学术论著，而是一场引人入胜的文化探索之旅，将带领读者穿越时光的迷雾，深入浅出地领略中国戏曲波澜壮阔的发展历程。 本书旨在以一种轻松、生动、富有故事性的方式，勾勒出中国戏曲从萌芽、形成、发展到繁荣、演变的完整图景。它并非面面俱到的百科全书，也不拘泥于考证艰深的学术细节，而是选取那些最能展现戏曲时代特征、艺术成就和社会影响的精彩节点，用通俗易懂的语言，辅以恰当的史实和生动的细节，让读者能够轻松地走进戏曲的世界，感受其独特的魅力。 从远古的歌舞到百戏的雏形：戏曲的源头活水 故事的开端，我们将追溯到遥远的先秦时期。在那时，原始的歌舞、祭祀仪式、百戏表演，就已经蕴含着戏剧的萌芽。山顶洞人的原始歌舞，是对生活和自然的朴素表达；周代的“乐舞”，已经有了叙事性和程式化的雏形；汉代的“百戏”，更是将杂技、滑稽、歌舞、傀儡等多种表演形式融为一体，极大地丰富了舞台的表演手段，为后来的戏曲发展奠定了坚实的基础。 读者将在这里看到，古老的仪礼如何逐渐融入表演的元素，口头传说的故事如何开始在舞台上被演绎。这些早期的艺术形态，虽然与我们今天所熟知的戏曲形态尚有距离，但它们如同源头活水，孕育着未来艺术的无限可能。我们不需要记住冗长的年代和学者的考证，而是通过鲜活的画面，感受古人如何在劳动之余、节日庆典中，通过身体的律动和声音的传递，表达情感，传递信息。 魏晋南北朝的清谈与乐舞：艺术的思辨与融合 进入魏晋南北朝，这是一个思想活跃、文化碰撞的时代。佛教的传入，玄学的兴起，为当时的艺术注入了新的气息。虽然这一时期直接意义上的“戏曲”尚未成型，但“清谈”的语言艺术，“乐舞”的表演形式，以及“傀儡戏”等早期戏剧形式的进一步发展，都为戏曲的成熟积累了重要的经验。 本书将重点描绘，如何在文人雅士的清谈中，语言的张力与辩证的思维得到了极致的发挥；如何在宫廷的宴乐中，音乐与舞蹈的结合更加精妙；如何在那“弄偶为戏”的傀儡戏中，看到了早期戏剧的叙事结构和人物塑造的影子。这一时期，戏曲的内在精神——对人情世故的洞察，对语言艺术的锤炼，以及对舞台表现力的探索——都在悄然萌发。 唐宋元：戏曲的“三级跳”——从萌芽到成熟再到巅峰 唐宋时期，是中国戏曲发展史上的关键转折点。 唐代的“参军戏”、“歌舞大曲”以及“唐三彩”乐舞俑所展现的生动场景，无疑是戏剧表演更加成熟的证据。参军戏以其滑稽、讽刺的风格，开始有了明确的表演者和情节；歌舞大曲则在音乐、舞蹈、演唱等方面都达到了新的高度，为后来的戏曲唱腔和表演奠定了基础。 而宋代，则是戏曲真正“孕育成熟”的关键时期。瓦舍勾栏的繁荣，为市民提供了丰富的娱乐选择。从“杂剧”的兴起，到“南戏”的出现，宋代的戏曲已经具备了相对完整的剧本、唱念做打等表演要素。本书将生动地描绘出北宋东京、南宋临安的市井生活，人们如何在热闹非凡的瓦舍勾栏中，欣赏到各种形式的戏剧表演。我们可以想象，在熙熙攘攘的人群中，演员们是如何用夸张的表演和动听的唱腔，引得观众捧腹大笑或潸然泪下。 尤其值得一提的是元代。元代杂剧的出现，是中国戏曲发展史上的一个里程碑。关汉卿、马致远、白朴、郑光祖等四大剧作家，以及《窦娥冤》、《汉宫秋》、《墙头马上》等经典剧目，将元杂剧推向了艺术的巅峰。本书将深入浅出地解析元杂剧的艺术特色，如“一生兼四角”的表演程式，唱、念、做、打的有机结合，以及其深刻的思想内涵和社会意义。我们会通过这些经典剧目，感受那个时代人们的情感、思考和价值追求。 明清：戏曲的百花齐放与地域特色 进入明清，中国戏曲迎来了更为辉煌的“百花齐放”的时代。昆曲、弋阳腔、梆子腔等各种声腔剧种不断涌现，并逐渐形成了各自鲜明的地域特色和艺术风格。 明代的昆曲，以其婉转悠扬、细腻雅致的唱腔，成为宫廷和士大夫阶层所推崇的“雅部”，《牡丹亭》等代表作更是将昆曲的艺术成就推向了极致。本书将带领读者领略昆曲的“水磨调”，感受其温婉动人的艺术魅力。 同时，明清时期，民间戏曲也蓬勃发展。以弋阳腔、梆子腔为代表的“花雅之争”，反映了民间艺术与宫廷艺术之间的碰撞与融合。各地戏曲剧种，如京剧的孕育、发展，徽班进京，四大徽班的合演，以及京剧的形成，都将在本书中得到生动的展现。 本书还会探讨，在明清两代，戏曲如何更深刻地反映社会现实，塑造更具个性的艺术形象。那些流传至今的经典唱段，那些脍炙人口的故事情节，都蕴含着那个时代人们的喜怒哀乐，悲欢离合。我们将看到，戏曲不仅是娱乐，更是那个时代社会的一面镜子，映照出人性的复杂与光辉。 近现代的转型与传承：在变革中求发展 进入近现代，中国社会经历了翻天覆地的变化，戏曲艺术也面临着前所未有的挑战与机遇。 本书将描绘，在西方文化冲击和民族危亡的背景下，戏曲如何寻求转型与创新。梅兰芳等艺术大师，如何在继承传统的基础上，大胆吸收西方舞台艺术的优点，将戏曲艺术推向世界。同时，也有许多戏曲工作者，积极投身于社会变革的洪流，创作了许多反映时代精神的优秀剧目。 我们将探讨，在新中国成立后，戏曲艺术如何得到更好的保护和发展，如何在新时代焕发新的生机。从传统戏的整理与挖掘，到新编戏的创作，再到戏曲的教育与传播，本书将勾勒出戏曲艺术在现代社会中的生存与发展轨迹。 戏曲的魅力：超越时空的艺术瑰宝 《中国戏曲史漫话》的最终目的，是让读者理解，中国戏曲为何能历经千年而不衰，其独特的魅力究竟何在。 我们会从多个维度进行解读： 表演的综合性： 戏曲“唱、念、做、打”的完美结合，创造出一种高度程式化而又极具表现力的舞台艺术。我们无需理解过于复杂的程式，而是通过形象的描述，感受演员如何用肢体、声音、表情，将人物的内心世界展现得淋漓尽致。 声腔的艺术性： 昆曲的婉转，京剧的铿锵，越剧的悠扬……不同的声腔，如同不同的音乐语言，承载着丰富的情感和地域特色。本书将带领读者“聆听”戏曲的音乐之美。 文学的深刻性： 那些流传千古的剧本，凝聚了古代文人的智慧和对人生的感悟。我们无需阅读晦涩的古文，而是通过对经典剧目的简介和解读，感受其思想的深度和艺术的魅力。 文化的传承性： 戏曲是中华传统文化的重要组成部分，它承载着历史的记忆，民族的精神，以及代代相传的价值观念。通过戏曲，我们可以更好地理解中国人的情感表达方式，审美情趣，以及道德观念。 社会的互动性： 戏曲与社会生活息息相关，它既是满足人民群众精神需求的娱乐形式，也是反映社会现实、针砭时弊的艺术形式。 《中国戏曲史漫话》是一本读起来不会觉得沉重的历史读物。它更像是一场与历史对话，与艺术家对话，与文化对话的旅程。在轻松的阅读中，读者不仅能了解中国戏曲的发展脉络，更能从中获得美的享受，文化的启迪，以及对中华民族深厚底蕴的深刻认识。这本书，将带你走进一个缤纷多彩的戏曲世界，让你在快节奏的生活中，找到一份属于古典艺术的宁静与雅致。

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这本《中国戏曲史漫话》读下来，真有种穿越时空，跟一位饱学之士在茶馆里听他娓娓道来的感觉。作者的笔触非常细腻，对于戏曲的起源和早期发展，比如从傩戏到各种民间歌舞的演变，讲得非常生动有趣。我特别喜欢他描述宋代参军戏那一段，那种市井的活力和幽默感，仿佛能从文字中嗅到当时的市井气息。他没有过多地堆砌晦涩的理论，而是用一个个小故事、一出出经典剧目作为切入点，把那些看似枯燥的历史脉络串联起来。比如，讲到元杂剧的兴盛，作者并没有简单罗列剧作家和剧目，而是深入剖析了当时的社会背景，元代社会结构对剧本题材和人物塑造的影响，这一点让我对元曲的理解更深了一层。书里对于不同声腔体系的形成和地域特色的差异也做了清晰的对比，比如昆曲的典雅与地方戏的粗犷，对比鲜明，让人在阅读中就能感受到戏曲艺术的博大精深。总的来说，它像是一部可以轻松阅读的入门指南，但其深度又足以让略有了解的读者感到惊喜。

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这部作品最让我称道的是，它成功地平衡了“史”的厚重感和“漫话”的轻松感。作者在处理复杂的历史分期和艺术流派时，展现出一种极高的驾驭能力，但叙述的语气却始终保持着一种平易近人的姿态。我个人对戏曲的专业知识储备有限，但阅读本书时，完全没有产生“门外汉”的畏惧感。特别是对于近现代戏曲的变革，书中对“五四”时期戏曲改革的争议、对传统与创新的探讨，都有着深入且不失温度的分析。作者没有将这些变革简单地评判为成功或失败，而是展现了那个时代艺人们在面对西方戏剧冲击和自身现代化转型时的挣扎与努力。这使得整本书读起来充满了历史的张力，让人深切体会到，戏曲艺术能够在几百上千年的时间里不断自我更新，背后是无数艺术家持续的生命力和创造力。它不仅仅是记录历史，更是在赞颂一种不屈的文化精神。

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捧读此书，我最大的感受是它在梳理戏曲流变史时，那种极强的系统性和逻辑性。作者对于不同历史阶段的戏曲样式是如何相互继承、相互渗透的，把握得非常精准。比如，从南戏向元杂剧的过渡，书中对“唱腔主导”和“本子主导”的差异分析得极其透彻，这可不是一般通俗读物能达到的深度。我尤其欣赏作者在分析明清传奇时，对“文人化”倾向的批判性视角。他指出，当戏曲越来越趋向于书面化和精致化时，其生命力在某些方面受到了限制，这提供了一个非常值得思考的角度。书中对“花部”与“雅部”的争论也有涉及，作者的论述显得非常中立和客观，既肯定了文人创作的艺术高度，也赞扬了民间艺术的生命力。阅读过程中，我不得不时常停下来查阅一些相关戏曲的影音资料，因为作者的文字描述太过精彩，让人忍不住想亲耳听听那些被文字唤醒的旋律和腔调。这不仅是一部历史书，更像是一份沉甸甸的艺术考察报告。

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我对戏曲的了解本就比较零散，大多是通过一些经典选段的碎片化印象。这本《中国戏曲史漫话》的价值就在于，它提供了一个宏大的框架，帮助我把那些零碎的知识点有效地组织起来。作者对于“脸谱”和“行当”的起源与发展脉络的梳理，堪称一绝。他不仅仅是描述了各种脸谱的色彩含义，而是追溯到早期的面具文化，将戏曲的符号系统置于更广阔的文化背景下考察。我印象最深的是关于“丑角”的章节，作者论述了丑角如何从早期的滑稽角色，逐渐演变成承担讽刺、推动情节的关键角色，这种角色的演变折射出不同时代对“智慧”和“颠覆”的理解。行文间，作者的视角非常开阔，时不时会穿插一些中外戏剧的比较，这种跨文化视野让原本可能显得“本土化”的戏曲史讨论，一下子有了更具普遍性的意义。这使得该书的阅读体验非常充实，每读完一个小节，都会有“原来如此”的豁然开朗之感。

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这本书给我的感觉，与其说是一部“史”，不如说是一部充满生活气息的“戏曲人文札记”。作者似乎更关注戏曲艺术与人、与社会之间的互动关系，而非单纯的年代排序。我特别欣赏作者在探讨戏曲审美趣味变化时所采用的叙事手法，它不像教科书那样平铺直叙，而是像在跟一个老戏迷聊天。例如，书中提到清代徽班进京后，对京剧的形成起了决定性作用的那些幕后人物——那些技艺精湛的班主和武丑，他们的故事比那些帝王将相的故事更吸引我。这些“幕后英雄”的命运和他们的艺术追求，被作者写得有血有肉，让人感受到艺术的传承并非空中楼阁，而是建立在无数代艺人的艰辛摸索之上。全书的语言风格非常活泼，夹杂着一些典故和戏曲术语的解释，但都处理得恰到好处，既保持了学术的严谨性，又保证了阅读的流畅性，读起来一点也不累，甚至让人忍不住想一口气读完。

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嗯……還是有挺多知識點的，但有些戰鬥性的觀點就不必要了。

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戏曲知识点的轻松解读

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深入浅出，有趣。