具体描述
音乐从何而来？人类为什么需要音乐？在怎样的时刻，“乐音”最终成了打动人心的“音乐”？
带着对音乐的思考，久石让用亲切、俏皮的笔调，记录音乐生活的点滴和不时迸发的灵感与触动，开启与爱乐读者的倾心交谈。
在这里，进入一个深邃的世界：在一个个音符和记号中感受人类的智慧与尊严。
在这里，共赴一场冒险之旅：以易于理解的方式，从作曲家的视角重新阐释音乐史。
在这里，体味音乐背后的故事：不是久石让这样一个人，一定作不出久石让的音乐。
在这里，品读一枚高贵、童真的灵魂：他热爱生活，他享受音乐，他尊重生命。
作者简介
久石让
作曲家、指挥家、钢琴家，毕业于日本国立音乐大学。1984年，他为宫崎骏执导的动画电影《风之谷》配乐，此后相继与众多导演合作，为诸如《天空之城》《龙猫》《菊次郎的夏天》等电影创作了大量脍炙人口的音乐。
目录信息
第1章 指挥
指挥贝多芬“第九”有感
指挥古典乐之前的我
指挥家的工作
我为什么拿起了指挥棒？
作曲家与指挥家的关系
作曲家兼指挥与职业指挥家的不同
作曲家兼指挥的优势
作曲家兼指挥在这个时代执棒的意义是什么？
指挥《广岛受难者的挽歌》
乐音成为音乐的瞬间
古典乐，常奏常新
“神灵降临”
听杜达梅尔的演奏会
在意大利举行久石让作品演奏会
指挥家般的生活
第2章 呈现
呈现音乐的方法有哪些？
什么是音乐的原点？
是传统？还是人工？
作为呈现手段的乐谱
演奏时的自由度——爵士乐和古典乐的差异
演奏记号的使用
乐谱的不完整性
面对交响乐队，指挥如何阐释音乐？阐释什么？
乐队首席是干什么的？
第3章 了解
视觉、听觉与音乐
为什么会产生视觉和听觉的时差？
音乐是建在时间轴和空间轴上的建筑吗？
绘画的时间描写和音乐的空间描写
昨天的我和今天的我，是同一个我吗？
构成音乐三要素的坐标轴
第4章 思考
听以色列爱乐乐团有感
犹太人的艺术表现
音乐中的“犹太特性”
马勒作品中“永恒的忧思”
电影《毕业生》
音乐的进化——泛音的发现
音乐的起源——从古代希腊到《格列高利圣咏》
乐谱的发展——复调音乐的时代
实现和谐的革命性的方法论——平均律
和声给音乐带来了什么？
最简单的音乐形式是什么？
奏鸣曲式中的第一主题和第二主题
浪漫派音乐和文学的关系
勋伯格究竟有多天才？他的梦想是什么？
什么是十二音音乐？
“商业化量产”音乐的兴起及其未来
音乐向何处去？世界向何处去？
第5章 作曲
作曲何时能大功告成？
“在这个时代，作曲意味着什么？”
特别对谈：小沼纯一VS久石让
结语
附录 久石让主要作品（1981—2016）
· · · · · · (收起)
读后感
我从未有过这样的演出体验，直到在中国的台湾公演的第二天，演奏贝多芬“第九”。 公演在台南举行，属于当地音乐节的一部分。台南是一座地方城市，气候温和，文化氛围浓郁。那一次的演出阵容是：长荣交响乐团（Evergreen Symphony Orchestra，ESO）、中国台湾的专业合唱团和维...
★★★ 本以为是一本类似随笔的创作手记，没想到在书里更多的写了一些关于音乐本质以及音乐创作的技术层面上知识，意外的看得有点累。 里面提到的十二平均律，音阶的移调这些都很技术，让人感受到了作为科学基础的数学的无处不在。 书里还提到了视觉信号和声音信号传导到大脑的...
★★★ 本以为是一本类似随笔的创作手记，没想到在书里更多的写了一些关于音乐本质以及音乐创作的技术层面上知识，意外的看得有点累。 里面提到的十二平均律，音阶的移调这些都很技术，让人感受到了作为科学基础的数学的无处不在。 书里还提到了视觉信号和声音信号传导到大脑的...
★★★ 本以为是一本类似随笔的创作手记，没想到在书里更多的写了一些关于音乐本质以及音乐创作的技术层面上知识，意外的看得有点累。 里面提到的十二平均律，音阶的移调这些都很技术，让人感受到了作为科学基础的数学的无处不在。 书里还提到了视觉信号和声音信号传导到大脑的...
用户评价
这本书的装帧设计简直是匠心独运，拿到手的时候，那种沉甸甸的质感和封面那淡雅的色彩搭配，立刻就吸引住了我的目光。我特别喜欢它采用的那种略带粗粝感的纸张，翻页时发出的沙沙声，仿佛能把我带入一个更安静、更沉思的氛围中。内页的排版布局也做得相当考究，文字与留白之间的比例拿捏得恰到好处，使得长时间阅读也不会感到视觉疲劳。而且，有些关键的乐理概念旁会配有一些手绘的小插图，虽然只是点缀，但比起生硬的文字描述，这些图画更能直观地帮助理解，让人会心一笑。可以说，光是这本书的“外衣”和“骨架”，就已经传递出一种对艺术的敬畏和对阅读体验的重视，让人忍不住想立刻坐下来，静静地品味其中的内容。这绝不是那种批量生产、敷衍了事的出版物，它在每一个细节里都倾注了设计者的心血，光是这一点，就值得称赞了。
初读这本书，最让我震撼的是作者那种深入骨髓的“聆听”能力。他似乎不仅仅是在记录音符的排列组合，更是在捕捉声音背后的情感波动和时代脉络。那种对旋律背后微妙情感层次的剖析，细腻得让人几乎能感受到作曲家创作时的呼吸和心跳。比如，书中对某些经典配乐中“寂静”的处理，被描述得淋漓尽致，原来那些我们以为的“空白”，其实是经过精心计算和设计的，它比任何一个响亮的高音都更有力量。这种解读方式，彻底颠覆了我过去对欣赏音乐的肤浅认知。我以前听音乐只是被动接受，现在则学会了如何主动去“挖掘”和“解码”，每次再听那些熟悉的曲目时，都有种发现新大陆的惊喜感。这本书教会了我如何用心去听，而不是仅仅用耳朵去“听见”。
我个人认为，这本书最宝贵的价值在于它建立了一种“个人化”的音乐对话场域。作者在行文中大量引入了自己的困惑、挣扎和顿悟，这使得整本书读起来非常真诚，毫不矫饰。他不是高高在上的理论家，更像是一个走在探索路上的同行者，与读者分享他从挫折中提炼出的经验。尤其是在谈论到如何突破创作瓶颈的那几段，那种直面内心恐惧的坦诚，极大地鼓舞了我，让我意识到，在任何创造性的领域，迷茫和自我怀疑都是必经的考验。这种带着烟火气的分享，远比那些教科书式的教条更有感染力，它让音乐的殿堂不再遥不可及，而是变得可以触摸和亲近。
从文笔上看，这本书的文字运用达到了近乎诗意的地步，但又恰到好处地克制住了过度抒情。作者似乎对词汇的筛选有着近乎偏执的追求，总能找到那个“刚刚好”的形容词来描摹那种难以言喻的听觉感受。例如，他描述一段旋律的“回响”时所用的词汇，精准地捕捉到了那种既短暂又悠长的空间感。这种文字功力，本身就是一种高级的艺术享受。阅读这本书的过程，与其说是学习音乐知识，不如说是在欣赏一场文字与音乐交织的“双重奏”。它让你在咀嚼文字的同时，脑海中不由自主地会浮现出那些被文字所描绘的声响，这种沉浸式的体验，是其他许多音乐评论读物难以比拟的。
这本书的叙事风格极其跳跃和自由，读起来就像是跟随一个充满灵感的大脑在漫游。它没有固定的时间线索，可能前一页还在探讨某个严肃的交响乐结构，下一页突然就转到了对某个日常场景中环境声的哲思。这种“意识流”的写作方式，非常符合音乐这种非线性艺术的本质。起初我有些不适应这种跳跃，感觉像是在进行一场没有明确目的地的漫步，但很快，我发现这种松散的结构反而提供了一种极大的阅读舒适度——它允许我的思绪跟着作者的笔触自由驰骋，不会被僵硬的章节和逻辑链条所束缚。它更像是一系列灵感片段的集合，每一个片段都像一颗闪烁的星辰，独立却又共同构成了浩瀚的星空。
在这本书中，我们不仅可以看到久石让在音乐领域的成长过程和他创作出这么多精品音乐作品背后的故事，还有他对这个世界的观察和思考。他仔细观察体会这个世界，形成自己独特的看法，这些感知以及观点，便被他融入到音乐作品之中，形成一串串动人的旋律，与世界各地的人们形成无障碍的“语言交流”。
在这本书中，我们不仅可以看到久石让在音乐领域的成长过程和他创作出这么多精品音乐作品背后的故事，还有他对这个世界的观察和思考。他仔细观察体会这个世界，形成自己独特的看法，这些感知以及观点，便被他融入到音乐作品之中，形成一串串动人的旋律，与世界各地的人们形成无障碍的“语言交流”。
在这本书中，我们不仅可以看到久石让在音乐领域的成长过程和他创作出这么多精品音乐作品背后的故事，还有他对这个世界的观察和思考。他仔细观察体会这个世界，形成自己独特的看法，这些感知以及观点，便被他融入到音乐作品之中，形成一串串动人的旋律，与世界各地的人们形成无障碍的“语言交流”。
在这本书中，我们不仅可以看到久石让在音乐领域的成长过程和他创作出这么多精品音乐作品背后的故事，还有他对这个世界的观察和思考。他仔细观察体会这个世界，形成自己独特的看法，这些感知以及观点，便被他融入到音乐作品之中，形成一串串动人的旋律，与世界各地的人们形成无障碍的“语言交流”。
在这本书中，我们不仅可以看到久石让在音乐领域的成长过程和他创作出这么多精品音乐作品背后的故事，还有他对这个世界的观察和思考。他仔细观察体会这个世界，形成自己独特的看法，这些感知以及观点，便被他融入到音乐作品之中，形成一串串动人的旋律，与世界各地的人们形成无障碍的“语言交流”。
