具体描述
艺术在以往的历史社会学中是较少开掘的议题，本期《历史与变革》试图搭建一场临时的交流，并形成了两组研究议程：“历史中的艺术”，即历史的结构与制度因素变迁，关键时刻的巨变，如何形塑了艺术的风格、形式，以及“艺术世界”中的行动者；“艺术的历史”，即艺术本身的危机和变革，及其实践所搭建的网络和社会联结，又如何改变了历史与当下情境中人的观念与行动，甚至物质世界本身。
作者简介
主编 赵鼎新
浙江大学社会学系系主任，芝加哥大学 Max Palevsky 荣休讲席教授。主要研究方向为历史社会学、社会运动、社会变迁、经济发展与民主转型。研究著作主要有《儒法国家：中国历史新论》（2022）、《什么是社会学》（2021）、《东周战争与儒法国家的诞生》（2020）、《社会与政治运动讲义》（2006）等。在美国出版英文专著两部，分别获得美国社会学学会2001年度亚洲研究最佳书籍奖、美国社会学学会2016年度政治社会学研究最佳书籍奖。
执行主编 郦菁
浙江大学社会学系副教授，纽约州立大学社会学博士。研究领域为历史社会学、国家理论、职业与知识社会学，主要关注知识生产的政治过程，精英、制度与知识生产者的互动等议题。
目录信息
公共论坛
艺术的社会学转向——围绕《从灵光殿到武梁祠：两汉之交帝国艺术的遗影》的跨学科对话
04/ 缪哲：作为“集体再现”的绘画
11/ 王献华：如生：走出汉画研究中的埋藏学陷阱
16/ 陶磊 ：分有还是下行：两汉之交意识形态建构模式小议
23/ 鲁明军：艺术的历史，抑或“艺术即历史”？
33/ 陈亮：和平祭坛与灵光殿
45/ 孙砚菲：当艺术史遭遇社会学： 评《从灵光殿到武梁祠》
54/ 郦菁：墓葬艺术的生产与再生产：工匠、文化图式与能动性
61/ 赵鼎新：社会力量和艺术范式转型：一个总结
专题文章
73/ 丽贝卡·多德·乔夫罗伊——施温登： 从仆从到专家：音乐特权、财产和法国大革命
100/ 王炜：保卫敏感性——以艾丽丝·门罗、波拉尼奥和《神曲·地狱篇》的片段为例
126/ 曹明浩、陈建军：水系计划——算法生存、技术治理和避难所的生态视角
149/ 王子月：2000年之后的社会性剧场
书评
181/ 周浥莽：观念范式与二十世纪资本主义大变革——评马克·布莱思《大转变：二十世纪的经济学观念和制度变迁》
207/ 朱陈拓：清算文化、官僚文化？——评《清算》兼论中美金融行业的差异
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读后感
用户评价
这本厚重的典籍初翻开时，我立刻被它那宏大叙事的野心所震撼。作者似乎并未将自己局限于某个特定时期或地域的艺术风格梳理，而是试图构建一张跨越时间、文化和媒介的巨型网络图谱。书中对于早期文明中符号与仪式如何交织，形成早期“美学”雏形的论述，着实令人耳目一新。例如，他对新石器时代陶器上几何纹样的解读，并非简单地停留在装饰层面，而是深入挖掘了其社会结构和宇宙观的映射。我尤其欣赏作者在处理不同文化间接触与冲突时所展现出的细腻笔触，比如丝绸之路上艺术元素的双向流动，那些看似微不足道的商贸往来，是如何催生出全新的视觉语言。阅读过程中，我感觉自己像是一位潜入历史深处的考古学家，不断挖掘出被主流史学所忽略的“侧影”，那些关于工匠的技艺传承、赞助人的权力游戏，以及艺术品在日常生活中所扮演的实际角色，都被生动地还原了。这本书的魅力在于，它让你重新审视那些陈列在博物馆里的杰作，不再仅仅是凝视它们的美，而是去追溯它们从泥土、矿石到画布上的漫长生命历程，体会那种跨越千年的对话感。
如果说大多数艺术史书籍是在教导我们“看什么”，那么这本作品则是在教导我们“如何质疑我们所看到的”。它的结构安排极具匠心，并非按时间顺序列举朝代更迭，而是围绕几个核心的哲学或社会学概念（如“神圣性”、“模仿”、“身体性”）展开论证，并在每个概念下穿插来自不同时代和地域的案例进行对位分析。这种跳跃式的、非线性的组织方式，要求读者具备很强的联想能力和知识储备，但一旦跟上作者的思路，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。比如，将拜占庭的圣像画与二战后波普艺术中的符号复制现象进行并置讨论，揭示了在不同技术背景下，图像的“灵性”与“商品性”是如何相互转化的。这种跨越时空的横向比较，极大地拓宽了我的视野，让我跳出了狭隘的文化圈层限制，去思考艺术形式背后的普遍性的人类需求与心智模式。这是一本真正意义上的思想工具书，它提供的不是答案，而是更精妙的问题。
读完这本书，我最大的感受是它打破了艺术史传统中那种线性的、英雄主义式的叙事结构。作者巧妙地引入了“物质文化研究”和“环境史”的视角，将艺术作品视为特定社会生态系统中的一个有机构件，而非孤立的美学对象。比如，他对媒介本身——颜料的来源、画布的制作、雕塑材料的开采与运输——所花费的笔墨，其分量几乎可以与对最终图像的分析相提并论。这让我开始关注到艺术生产背后的复杂供应链：哪些社会阶层有能力获取稀有的青金石？雨水和湿度如何影响了壁画的保存与色彩的褪变？这种对“物的在场性”的强调，让整个艺术史变得可触摸、有重量感，也更加的“脏”和“真实”。它不再是博物馆里光洁的玻璃柜里的偶像，而是与汗水、权力、气候和贸易紧密纠缠的物质实体。这种多维度的解读，极大地丰富了我对艺术史作为一门学科的理解，它不再是纯粹的“看图说话”，而是关于人与物、环境与观念的宏大互动剧。
我必须承认，这本书的阅读体验更像是一次高强度的智力探险，而不是轻松的知识普及。作者的行文风格充满了学者的严谨与思辨的锋芒，对于任何一种既定的艺术史“公论”，他都保持着一种审慎的质疑态度。其中关于“再现的危机”那一章的探讨尤为深刻，他没有简单地赞美文艺复兴时期对透视法的“突破”，而是反思了这种对客观视角的过度强调，如何无意中固化了观察者的主体地位，并对其他基于非线性或多重视角的古代艺术传统造成了“贬低”。这种批判性的视角，迫使我不断停下来，对照自己过往的认知进行修正。对于一些复杂的理论模型，比如从符号学到现象学的转译过程，书中虽然论述详尽，但对非专业读者来说，可能需要反复咀嚼才能完全消化其间的逻辑链条。总而言之，这是一部需要你全身心投入、甚至可能需要准备一本空白笔记本随时记录关键概念的作品，它对读者的要求很高，但回报也是巨大的，因为它拓展了我们思考艺术“本质”的边界。
这本书最令我着迷的一点，是它对艺术史叙事中“缺席者”的关注。作者花了不少篇幅讨论那些因时间、战争、或文化偏见而损毁、失传或被主流话语边缘化的艺术实践。他尤其着重于探讨那些传统上被归类为“工艺美术”或“民间艺术”的领域，如何被系统性地排除在“高级艺术”的殿堂之外，以及这种排除机制如何服务于特定的社会权力结构。例如，对于某些失落的仪式性纺织品艺术的研究，虽然原始材料已不复存在，但作者通过对零星文献和人类学记录的交叉比对，进行了一种高度推测性但极富启发性的重构。这种“为沉默者发声”的写作倾向，使得全书的基调充满了对不公的警醒，同时也展现了一种对历史整体性的不懈追求。它让我意识到，我们今天所见到的艺术史，不过是无数可能性的一个幸存片段，而发掘那些被遗忘的角落，同样是史学家的责任。
