具体描述
图像无处不在。
然而，为何有些图片能得到成千上万个赞，甚至成为视觉文化的标志，有些则不会？图像是如何俘获、惊艳、催眠我们的？
里卡尔多·法尔奇内利采用了完全不同于以往艺术书籍的范式，将文艺复兴的绘画与库布里克的电影放在一起，将抽象艺术与当代广告对比，解释了图像是如何被设计、创造的。
阅读这本书，仿佛进入了一流画家、导演、摄影师的工作室，深刻了解图像创作背后的秘密。
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编辑推荐：
★图像、视频创作者不可错过的宝典 焦点、构图、光线、大小、比例、色调……是什么决定了一个画面的成败。大量经典图像的对比案例，揭开图像创作的秘密。
★纵览千年图像史，寻找变与不变的创作规律 从洞穴壁画、油画、素描到照片、电影，再到广告、自拍，是什么造就了如今流行的图像和我们的视觉审美。当你拿起手机拍照时，你的心理和15世纪的人并无不同。
★进入现实中不可能存在的大师课 凡·高、塞尚、小津安二郎、斯皮尔伯格……阅读本书，仿佛进入古往今来一流艺术家的工作室，在对经典作品的分析中，学习大师的创作技巧。
★500张跨时代跨媒体的代表性图片，开启奇妙的艺术之旅 从提香的画作到杜嘉班纳的广告，从《最后的晚餐》到库布里克的《闪灵》，作者从绵延数千年的图像史中精选500张图片，引导读者在图像的历史中巡游，享受极致的视觉盛宴。
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读者评论：
伟大是唯一能想到的词。我发现多年来研究的概念与当代图像的使用有关。具体和超级有趣的相似之处，让我们能够更批判性地解读我们在社交网络上不断看到的图像。法尔奇内利是当代意大利最好的作家之一，文章清晰而不晦涩，有具体的例子，甚至有点讽刺意味。
一本激发想象力和创造力的书，在瞬息万变的世界里展示了一幅图像的方方面面，从艺术作品到Instagram上的自拍。这是一部关于图像的历史及其多重意义的杰作。
如果你对艺术、摄影、设计感兴趣或者只是有点好奇，这本书就是为你准备的。它的信息非常丰富，作者所举的例子都在书上，这样即使是新手也能跟着理解作者所表达的概念。我认为这本书绝对不能错过。
——亚马逊读者评论
一种凝视的简史，所有的视觉表达形式都在一起：壁画、油画、素描、照片、漫画、instagrams、剪报。里卡多·法尔奇内利知道如何使用准确的语言，插入有趣的历史轶事，并通过技术概念来完成他的写作。他是这个时代最优秀的写作者。
——GOODREADS读者评论
作者简介
里卡尔多·法尔奇内利（Riccardo Falcinelli）
1973年出生
平面设计师，设计理论家
在伦敦中央圣马丁艺术与设计学院学习后，毕业于罗马大学意大利文学专业。曾为意大利多家出版社策划和设计书籍。自2012 年起，在罗马工艺美术高等学院教授感知心理学。
其著 作《视觉设计的便携式批判》令人将其视为对当今设计最具独特理念的人物之一。另著有《色彩：颜色如何改变我们的视觉》（未读出版）一书，亦收获大量好评。
目录信息
正中央的力量
外围的吸引力
二 形
矩形的胜利
黄金矩形与工业比例
金色心理边框
深渊迷雾
三 感知
印象派的手臂
门与肖像画
意外访客
四 机制
路、布、刀、枪
树的推力
焦点的发现
五 拓扑结构
重力来自观看者的眼睛
天使与恶魔的方向
关于对角线的许多争论
六 构图
盆盆罐罐的形而上学
总体观感理论
地平线规则
希区柯克的天平
小鹿需要空间
记者的膝盖
七 媒介
面孔的尺寸
剪刀的审美感知
斗牛士的命运
如何构建“天堂”
注释说明
图片索引
参考书目
人名索引
· · · · · · (收起)
读后感
在B站上做了一个[频道]，翻译了一些艺术史相关视频，由此结识了[@喵吉诃德]。 感谢[@喵吉诃德] 把我引荐给[@酒渍荔枝] 和[@嘉鱼] 编辑，于是我才遇到了这本书。 那是2021年末。 试译时只看到了第一章，但已经被征服，隐约觉得它很可能就是我找了已经快两年的……那个……东西。...
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用户评价
我花了整整一个周末的时间试图读完这本书，坦白讲，阅读体验称不上愉快。这本书的写作风格非常“学术化”，或者说，是那种八十年代技术手册的腔调，句子冗长，信息密度高得令人喘不过气。它试图在一个相对有限的篇幅内，囊括从光学原理到后期渲染的所有环节。比如，在讨论到透视畸变矫正的部分，作者引用了大量的几何学公式，虽然逻辑上严密无缺，但对于依赖直观理解的读者来说，简直是灾难。我常常需要停下来，在脑海里搭建一个三维空间模型来理解作者所描述的数学关系。这本书更像是为那些需要通过图像技术来完成特定工程任务的专业人士准备的参考资料，而不是一本能让人放松心境、享受阅读乐趣的书籍。如果你想了解如何用数学语言精确地描述一个光线如何被记录和重现的过程，这本书或许能帮到你；但如果你只是想提高自己的摄影审美或者发现一些新的拍摄灵感，那么这本书提供的帮助微乎其微，它更像是一套冰冷的算法，而不是有温度的艺术对话。
这本书的装帧质量非常出色，纸张的厚度和油墨的质感都达到了很高水准，这无疑提升了初次接触时的好感度。然而，内容上的“名不副实”感非常强烈。我原本以为《图像》会涉及当代艺术中对于“超真实”和“虚拟现实”的图像探讨，毕竟我们生活在一个充斥着滤镜和深度合成的时代，图像的边界早已模糊不清。这本书的论述却固守在传统的“捕捉光影”的物理学基础上。它花费了大量的篇幅来解释CCD和CMOS传感器的物理特性，以及如何通过提高ISO来对抗噪点，这些知识虽然扎实，但却是十年前的“热点”了。现在的图像讨论已经深入到算法生成、深度伪造（Deepfake）的伦理困境，以及图像如何重塑集体记忆。这本书仿佛被时间遗忘了，停留在对“如何准确记录现实”的执着上，对于“如何创造或解构数字现实”这一当代命题，几乎没有涉及，让我感觉自己像是在阅读一本关于蒸汽机原理的厚重教材，而不是一本关于现代科技的书籍。
这本《图像》的书名实在是太笼统了，拿到手的时候，我其实挺失望的。我原本期待的是一本关于艺术史或者摄影美学的高端理论著作，毕竟“图像”这个词在学术语境里往往意味着深邃的符号学分析或者视觉文化批评。然而，打开书后我发现它更像是一本面向初学者的“图像处理基础入门指南”。内容上涵盖了色彩空间理论、像素构成的基本原理，还有一些Photoshop和Lightroom的简单操作步骤。说实话，对于一个已经有几年摄影经验，并且自学了相当多后期知识的人来说，这些内容显得有些过于基础和啰嗦。书里的图例也大多是那种教科书式的标准测试图，缺乏新意和启发性，比如那张著名的“伦勃朗光”的演示图，讲解得非常到位，但对我来说，就像是重新学习如何系鞋带一样，并没有提供新的思考维度。如果它定位在科普读物，那还算称职，但若想吸引那些对“图像的本质”有更深层思考的读者，恐怕会让人觉得抓不住重点，像是在一本过时的技术手册里翻找一样，希望能够加入更多关于视觉语言和社会影响力的讨论，而不是仅仅停留在技术表层。
说实话，我买这本书纯粹是基于书名和封面设计给人带来的一种莫名的“高级感”。封面设计得极其简洁，黑白配色，一个抽象的光影几何图形，让我误以为里面收录了某种极简主义大师的摄影作品集或者某种关于光影哲学的深度探讨。结果，这本书的内容几乎完全集中在“数字图像的构造与复制技术”上。章节的安排非常线性，从模拟时代的胶片化学反应，跳跃到数字传感器的CMOS技术，再到后期的RAW文件处理流程。这种技术导向的叙述方式，让我感到非常疲惫。尤其是涉及到色彩管理的那几章，充斥着大量的ICC Profile、L*a*b*空间转换公式，虽然作者努力用图表来解释，但依然晦涩难懂，读起来更像是技术规格说明书而不是一本面向大众的读物。我希望能读到一些关于“观看”和“被观看”的权力关系，或者至少是一些关于如何通过图像来构建叙事的新颖视角，但这本书似乎把所有的精力都放在了如何让图像“看起来正确”的技术层面，对于图像背后的“意义”则避而不谈，实在有些遗憾。
阅读《图像》的过程，对我而言，更像是一次对技术细枝末节的强行梳理。我希望能从这本书中获得一些关于如何“看”出图像背后的时代烙印或者文化密码的洞察。然而，它的内容组织结构显得松散且缺乏中心思想的凝聚力。它一会儿讲色彩科学，一会儿又跳到图像压缩的标准（如JPEG的量化表），最后又突然插入一小段关于印刷技术的历史演变。这种章节间的跳跃性太大，使得读者很难建立起一个连贯的知识体系。更令人不解的是，书中的“案例分析”部分极其薄弱，总是一些没有明确出处的、高度理想化的光影组合图，仅仅用来演示某个技术参数的效果，缺乏任何艺术史的参照系或者社会学意义的解读。如果它想成为一本全面的图像学导论，它在理论深度上远远不够；如果它想成为一本实用的技术手册，它的结构又过于混乱且不够细致入微。总体来说，它给我留下的是一种“什么都想讲，结果什么都没讲透”的遗憾感，就像是品尝了一道配料多到数不清，但主味却模糊不清的菜肴。
视知觉+文化沉淀+工业化生产共同造就了今日的观视“规则”。印象最深的一段：印象派利用当时最新的色彩理论、反对学院派数百年来的传统、专心描绘空气与光，但他们在选择画布的时候呢，却选择了工业量产的统一尺寸。其中最常用的那一种比例，数年后又出现在常规电影中。规则，真是怎么逃也逃不出。
可以说是15年编辑生涯里能进入top3级别的好看。特别涨知识却又不掉书袋。我和意大利读者发出了一样的惊叹：不敢相信我会津津有味地看一本艺术书。
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