具体描述
本书共分为4章,第一章概念与原则,详细介绍文化的概念、分类,文化元素资源的内容,文化的功能,文化的特点以及文化对设计的引导;文化产品的概念,对比文化产品与产品文化的关系,文化产品设计目标,文化产品的类型四个方面进行展开;相关课程的沿革和发展,文创产品设计产生的背景,其沿革与发展和它的发展趋势以及文化产品的设计方法;课程的设计原则和评价标准。第二章设计与实训,包含“衣”“食”“住”“行”“文”“娱”6个项目主题,主要
从“形”“色”“质”“神”“色”“香”“味”“意”“形”“触”“式”“境”“休”“娱”“便”“道”“为”“数”等18个方面展开,其实践程序为:理解课题、市场调研、功能分析、概念提炼、概念方案、草图发想、设计深化、方案评估、设计完成,案例展示。第三章为创意设计创业策略,讲解自主创业的概念和自主创业的分类形式以及对经济趋势的理解和前景展望;创业条件、创业的基础环节、法律知识、风险规避意义及方法等,第四章为赏析部分,帮助读者拓宽视野、提升鉴赏水平。
作者简介
王俊涛,男,山东济南人。现任山东科技大学艺术与设计学院工业设计系书记、硕士生导师、艺术哲学博士。台湾高雄大学访问学者。
目录信息
001 第一节 文化的基本概念
019 第二节 文化产品
026 第三节 课程的沿革和发展
030 第四节 课程的设计原则和评价标准
031 第二章 设计与实训
031 第一节 项目训练—衣
042 第二节 项目训练—食
055 第三节 项目训练—住
066 第四节 项目训练—行
078 第五节 项目训练—文
090 第六节 项目训练—娱
103 第三章 创意设计创业策略
103 第一节 基本概念
104 第二节 创业条件
111 第三节 创业前期准备
114 第四章 欣赏与分析
114 第一节 相同元素的不同产品设计
117 第二节 相同工艺的不同产品设计
118 第三节 文创品牌的塑造与经营
121 第四节 “城市印象”主题文化产品设计
125 第五节 少数民族文创产品设计开发
128 第六节 非遗传承与民艺设计开发
131 第七节 传统文化的传承与时尚化
138 第八节 台湾高雄大学工艺与创意设计学系 学生文创作品
141 后记
143 参考文献
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
这本《文创开发与设计(全国高等院校艺术设计专业“十三五”规划教材)》真是一本让我这个初入设计行的新人感到既兴奋又有些许挑战的宝典。记得我刚接触文创领域时,感觉它更像是一种漂浮在空中的概念,充满了各种光怪陆离的创意,却缺乏一个可以落地的支架。这本书的出现,就像是给我这位迷途的学徒递上了一张详尽的地图。它并没有停留在空谈“创意至上”的表面,而是深入骨髓地剖析了“开发”这一关键环节。我尤其欣赏它对市场调研和用户洞察的系统阐述,那些关于如何从传统文化符号中提炼出符合当代审美语境的元素,以及如何通过设计思维来解决实际的商业落地问题的案例分析,简直是教科书级别的范本。例如,书中对某个地域非遗项目如何通过“IP化”和“系列化”设计,成功突破了传统手工艺品受众狭窄的困境,将其转化为受年轻人追捧的潮品,这个过程的逻辑推演清晰得令人拍案叫绝。它让我明白,文创不是凭空想象,而是严谨的设计策略与文化理解交织的产物。每一次翻阅,都能从中汲取到将“艺术”转化为“价值”的实操秘诀,对我后续的课程项目和实习工作都有着立竿见影的指导作用。
作为一名已经工作了几年、想要回炉重造提升专业技能的设计师,我发现这本书的价值并不局限于校内教学。它的结构划分非常合理,既有宏观的战略层面的指导,也有微观的操作层面的指引。令我印象深刻的是,它对于“知识产权保护”和“可持续发展”在文创设计中的重要性进行了深入的论述。在如今版权意识日益增强的市场环境下,不懂得如何规避风险、如何将环保理念融入设计,设计成果的生命力必然大打折扣。书中列举的几个失败案例,清晰地展示了在缺乏法律意识和环保责任感时,再精美的设计也可能寸步难行。这种将商业伦理、法律常识与美学实践结合起来的视角,是许多纯艺术类教材所欠缺的。它教会了我,一个真正成熟的设计师,不仅要懂得如何“美化”,更要懂得如何“负责任地构建”一个有生命力的产品生态链。这种全方位的素养提升,是任何短期培训班都无法比拟的。
说实话,我对很多设计教材的印象往往是枯燥、理论堆砌,读起来昏昏欲睡。然而,这本教材在内容编排上展现出了极高的专业性和前瞻性,完全没有那种陈旧的教条感。它最吸引我的地方在于它对“设计语言的跨界融合”的探讨。书中不仅涵盖了传统的设计学基础,更大量引入了新媒体交互、用户体验(UX/UI)设计在文创产品中的应用案例。我记得有一章专门讲了如何利用增强现实(AR)技术,为博物馆的衍生品注入“活的体验”,让静态的文创瞬间拥有了叙事性和互动性。这对于我们这一代习惯了数字化沉浸体验的学生来说,无疑是注入了一剂强心针。它没有将文创停留在实体纪念品层面,而是将其视为一种生活方式的媒介。阅读过程中,我甚至开始反思自己过去对“设计”的定义是否过于狭隘。作者的笔触流畅,论证有力,总能在复杂的理论和实际操作之间架起一座坚实的桥梁,让那些原本高深的商业模式和设计哲学变得触手可及,这极大地激发了我对这个专业更深层次的探索欲望。
坦白讲,我一开始有点担心这本书会过于偏重于某个特定地域或某种特定艺术门类的案例,毕竟“全国高等院校”的定位要求其视野必须足够广阔。但翻阅下来,我发现作者的取样非常具有代表性和包容性。从江南园林的意境再造,到西北地区的粗犷材质应用,再到港澳台地区的潮流文化嫁接,案例的地域跨度和文化体系的差异性都得到了充分体现。这极大地拓宽了我的设计视野,让我意识到文创的无限可能性。它不仅是一本理论参考书,更像是一本汇集了全国顶尖文创实践者的“经验之谈”。每一个章节都仿佛邀请了一位行业大咖进行深度对话,分享他们的心路历程和关键决策点。这种多维度的学习体验,让我不再局限于书本上的死知识,而是学会了如何像一个真正的项目经理那样去思考:从概念生成、预算控制到供应链管理,每一个环节都给予了专业而实在的建议。对于希望全面掌握文创全流程的学生或从业者而言,这本书的价值是无可替代的。
这本书在呈现方式上确实下了不少功夫,绝非一本普通的教科书。它的图文排版兼具学术的严谨性和视觉的愉悦性。我个人对书中那些关于“文化基因重组”的章节特别感兴趣,它不是简单地复制粘贴历史元素,而是探讨了如何解构核心文化符号的内涵,并用现代语汇进行转译。比如,书中分析了某个传统色彩体系是如何通过数字化调色板的建立,完美适配到现代服装面料和室内设计中的,这里涉及到色彩心理学、材料学和市场接受度的多方考量,分析得极其透彻。更重要的是,它强调了“在地性”与“全球化”的平衡艺术。很多文创产品在追求国际化表达时,反而失去了灵魂,变得千篇一律。这本书则提供了清晰的路径,指导我们如何在坚持本土文化独特性(即“小而美”)的同时,建立起可以被世界理解的表达体系。这种对文化自信与国际视野的巧妙拿捏,让我对未来文创产业的发展方向有了更清晰的判断。