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☆☆☆☆☆

出版者:Cassell Illustrated

作者:

出品人:

页数:960

译者:

出版时间:2006-09-14

价格:GBP 20.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781844034925

丛书系列:

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巨人的肩膀：一部关于电影工业革新与幕后传奇的深度剖析 聚焦黄金时代之后，探索技术浪潮如何重塑光影艺术的脉络 本书并非对经典电影名录的简单罗列，亦非对某一百零一个特定影片的详尽解构。相反，它将镜头对准了二十世纪中叶至今，电影制作的工业体系、技术迭代以及那些在幕后推动行业变革的无名英雄和远见卓识者。这是一部关于“如何制作电影”以及“电影如何改变世界”的编年史，它专注于电影艺术与商业运作的交汇点，探讨了从胶片到数字的鸿沟、特效革命的起源，以及全球化背景下叙事方式的演变。 第一部分：战后重构与独立精神的萌芽（1945-1970） 二战结束后，好莱坞面临着来自电视的巨大挑战，以及最高法院对派拉蒙案（Paramount Decree）的裁决，这彻底瓦解了制片厂对院线的垄断。本书的开篇将详细分析这一结构性转变如何迫使好莱坞从工厂模式转向制片人中心制。我们深入探讨了诸如塞缪尔·福克斯（Samuel Goldwyn）和独立制片人如何利用新的发行渠道，以及“午夜电影”运动的兴起如何为下一波的创新提供了土壤。 技术侧写：宽银幕的战争与立体声的尝试。 这一时期，电影制作人试图通过视觉奇观来对抗电视的侵蚀。我们将剖析CinemaScope、Todd-AO等宽画幅技术的物理原理及其对运镜美学的影响。书中收录了大量关于早期立体声试验（如环绕声的雏形）的工程师手稿摘录，揭示了这些技术在商业推广中的成功与失败。 文化影响：欧洲新浪潮的回响。 我们细致考察了法国新浪潮、意大利新现实主义等欧洲电影思潮如何反向输入美国，激励了如“新好莱坞”一代的年轻导演。这不仅仅是风格的模仿，更是对传统叙事逻辑的颠覆，探讨了“作者论”（Auteur Theory）如何从理论走向实践，并塑造了早期独立电影投资的模式。 第二部分：特效的诞生与工业化升级（1970-1995） 七十年代的电影不再仅仅是关于戏剧冲突，它开始成为一场关于技术极限的探索。本书的中间部分着重分析了工业体系如何围绕少数几个突破性项目进行重组。 工业革命的催化剂：特效的“工厂化”。 我们详细梳理了工业光魔（ILM）从一个小型工作室，如何通过《星球大战》和《夺宝奇兵》系列，确立了现代电影视觉效果的标准操作流程（SOP）。这部分内容并非展示特效的最终成果，而是还原了早期动态控制摄影、微缩模型制作以及蓝幕技术从实验室走向片场的艰辛过程。书中收录了关键技术人员的访谈录，探讨了他们如何平衡艺术愿景与当时有限的计算能力。 发行与市场的全球化。 随着录像带（VHS）成为重要的收入来源，电影的制作开始考虑更宽泛的国际市场接受度。本书分析了电影分级制度（MPAA Ratings）如何影响剧本的创作方向，以及制片厂如何利用家庭娱乐部门的利润来资助高风险的艺术电影。 数字化的前夜：早期计算机图形学的尝试。 在CG技术全面爆发之前，有一段漫长而昂贵的过渡期。我们追溯了早期使用电脑动画来辅助传统特效的案例，例如对流体模拟和骨骼绑定的初步探索，这些尝试为后来的数字角色建模奠定了基础。 第三部分：数字洪流与叙事的碎片化（1995至今） 进入九十年代末，数字技术从辅助工具一跃成为叙事的中心。本章探讨了技术对电影制作人身份的重塑，以及观众体验的根本性改变。 从像素到IP：后期制作的彻底转型。 本书详尽对比了胶片工作流程与数字中间片（DI）流程的差异。我们深入分析了数字调色如何赋予了电影新的“皮肤”，以及非线性编辑系统的普及如何改变了剪辑的节奏感和效率。特别关注了“虚拟制片”（Virtual Production）概念的早期实验，以及它如何开始模糊“拍摄”与“后期制作”的界限。 声音的维度：沉浸式音频的普及。 我们研究了杜比全景声（Dolby Atmos）等沉浸式音频技术如何从高端影院向家庭影院渗透。这不仅仅是声道的增加，而是声场设计理念的转变——电影声音不再仅仅是背景或对白的支持，它成为了叙事空间本身的一部分。 流媒体时代的挑战与机遇。 最后的章节聚焦于当前的环境。流媒体平台的崛起带来了新的发行窗口和预算结构。书中探讨了“剧集电影化”的趋势，以及独立电影制作人如何利用互联网工具绕过传统发行商，直接触达特定的细分受众。我们同时分析了数据分析在剧本选择和选角决策中扮演的角色，以及这可能对电影创作自由带来的潜在压力。 --- 本书的独特价值 在于它侧重于工业流程和技术伦理，而非具体的影片评论。它旨在为对电影制作的“幕后运作”感兴趣的读者提供一个清晰、结构化的知识框架，理解光影艺术是如何在全球化、高科技驱动的商业环境中被不断雕刻和重塑的。这是一次对电影工业史的全面丈量，而非对某一百零一个故事的巡礼。

评分☆☆☆☆☆

昨天刚刚拿到的书，接近1000页，比牛津高阶还厚些，印刷也不错。 外观上其实不是很满意封面设计，有点过于俗套了，显得不值钱。难道1001部优秀的电影就选出个琼斯博士坚毅的脸来做封面？莫不如就黑色封面几个大字。 想说说的是内容。别人怎样我不了解，主要想说说自己的感受...  

评分☆☆☆☆☆

我曾担任电视节目《有生之年要看的50部电影》的评委。当时看来，50是个招人喜欢的整数，对于时间安排十分紧凑的节目，和关注领域十分活跃、渴望将影片收集到手的观众们来说，这个数目不多不少正合适，不过正如跟我共事的评委们所抱怨的那样，这一任务颇为棘手。 最大的困难在于...  

评分☆☆☆☆☆

正如书名所暗示的那样，《有生之年非看不可的1001部电影》这本书不光是为您提供信息和开列清单，它还是一份敦促。它把好奇的读者变成满怀热情的电影观众，它向读者明确指出了这份压力的存在：人生苦短，而极富观赏价值的影片数量又如此之多。 如今，“十佳影片”榜单差不多只能...  

评分☆☆☆☆☆

我是一页一页翻着书录入的（花了3天时间），希望对广大豆友有帮助。中文版没有序号，只是按年代排序。 另外本书的片名翻译还比较靠谱。只是大约有... 慢慢看，欣赏啊 正如书名所暗示的那样，《有生之年非看不可的1001部电影》这本书不光是为您提供信息和开列清单，它还是一份...  

评分☆☆☆☆☆

记得有人说，也许是脑海中的那个我说的吧！无论怎样她他它是这样说的：电影就是无聊并且是无聊到无可奈何的产物！所以，它的产生正说明现代社会有一大群人无聊到无可奈何。不过我还是要说我他妈的爱死电影这玩意了！  

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容阅读这本书的感受，那就是“震撼”。这本“影史指南”的撰写者显然不是一个坐在办公室里整理资料的学者，而是一个真正浸淫在片场烟雾和剪辑室的狂热分子。他的观察角度极其刁钻，常常能从一个微不足道的道具、一句对白被删减的原因，推导出整部影片的命运走向。比如，他对某一特定时期欧洲艺术电影中“留白”手法的解析，直接颠覆了我以往对“叙事完整性”的认知。他认为，电影的真正力量往往存在于那些“没有被拍出来”的部分，存在于观众的想象和主动填补中。这种对电影“留白艺术”的推崇，让这本书充满了哲学思辨的味道。书中穿插的很多一手访谈资料，更是让人有种“偷听”到大师们私密对话的兴奋感，那些关于创作灵感的瞬间、关于与制片方的激烈争吵，都鲜活地呈现在眼前，极大地增强了阅读的真实感和趣味性。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的深度和广度，让我这个自诩为影迷的人都感到有些汗颜。它不仅仅是对既定经典的梳理，更是一次对电影工业体系的颠覆性审视。作者毫不留情地揭露了资本运作下，艺术是如何被扭曲或升华的过程。他对好莱坞黄金时代的叙事结构分析得入木三分，指出了那些看似完美的剧本背后隐藏的审查制度的枷锁和商业考量的妥协。但他的批判并非是单纯的指责，而是充满了理解和同情，他试图在商业的洪流中，寻找那些闪烁的、反抗主流的火花。我尤其欣赏他对不同文化背景下电影差异性的探讨，比如亚洲电影的含蓄美学与西方电影的直接叙事之间的张力，他没有简单地进行优劣评判，而是深入挖掘了背后的哲学差异。这本书需要细嚼慢咽，每读完一个章节，我都需要停下来，泡杯茶，让那些复杂的理论和深远的思考在脑海中沉淀一段时间，否则很容易被作者奔涌的思绪所淹没。

评分☆☆☆☆☆

天呐，我得好好说说我最近翻完的这本书——《光影的迷宫》。光是拿到手里，那厚重感就让人对接下来的阅读充满了期待。这本书与其说是一本单纯的影评集，不如说是一场深入电影灵魂的考古挖掘。作者的笔触极其细腻，他没有满足于简单地罗列经典，而是像一个精密的制表师，将每一部影片的年代背景、导演的内心挣扎，乃至当时的社会思潮，都一丝不苟地拆解开来，再重新组装成一个全新的、令人震撼的叙事结构。比如，他对某一特定时期意大利新现实主义电影的剖析，简直让我感觉自己就是和那些在废墟中寻找希望的意大利人民站在一起，那种身临其境的代入感，是其他任何电影书籍都无法比拟的。尤其让我印象深刻的是，作者对电影蒙太奇手法的探讨，他不仅解释了理论，还用大量的篇幅，通过对比不同导演对同一主题的不同剪辑方式，生动地展示了“剪辑就是语言”的真谛。读完之后，我再去看那些老电影，简直像是获得了一副新的透视镜，每一个镜头切换、每一次景深变化，都充满了设计和深意。这本书的价值，不在于它教你“看电影”，而在于它教你如何“理解电影的诞生过程”。

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这本书无疑是一部浩瀚的史诗，它不像教科书那样枯燥乏味，反而充满了生命力和激情。作者的文风极其多变，有时候是冷静的分析家，用精准的数据和年代考证来支撑观点；有时候又化身为浪漫的诗人，用近乎散文的笔触来描绘那些光影瞬间的永恒美感。我最喜欢他对比不同国家电影节获奖作品的章节，那不仅仅是比较奖项，更是对世界文化风向标的一次精准把脉。他深入探讨了电影语言在不同意识形态影响下的异化与发展，让读者明白，每一部电影都是特定时代投射在银幕上的复杂倒影。这本书的排版和装帧也做得非常用心，那些精选的剧照不仅是装饰，更是配合文字进行视觉叙事的关键要素，它们与文字形成了一种奇妙的共振。读完此书，我感觉自己不仅是多看了一堆电影的介绍，更是对“我们如何记录历史”这件事本身有了更深刻的理解。这是一次充实到令人头皮发麻的阅读之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，简直就像是跟一位博学健谈的老朋友一起，在一家挂满了老电影海报的昏暗酒吧里，听他滔滔不绝地分享他一生的挚爱。这位朋友的知识储备深不见底，但他的表达方式却充满了烟火气和热情，绝不是那种高高在上的学院派说教。他讲起那些默片时代的巨匠时，那种激动的情绪是完全可以穿透纸页的，仿佛他亲眼目睹了卓别林在镜头前是如何完成那些即兴的、令人捧腹又心碎的动作的。更妙的是，他总能找到一些极其冷门的、几乎被人遗忘的艺术短片或者实验电影来佐证自己的观点，这极大地拓宽了我的观影视野。我记得有一章专门讲到了色彩在特定类型片中的心理暗示作用，他用极其生动、甚至有点近乎诗意的语言，描述了某个黑色电影中，一抹突兀的红色是如何瞬间击溃了主角的心理防线。整本书的行文流畅得像一条蜿蜒的河流，从容不迫，却又暗流涌动，每一次翻页都充满了期待，生怕错过了下一个精彩的“故事”或“洞见”。

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