一幅画看日本 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南美术出版社

作者:[日] 髙畑勋

出品人:浦睿文化

页数:244

译者:张颖

出版时间:2019-8

价格:78.00

装帧:精装

isbn号码:9787535687869

丛书系列:

图书标签:

• 日本
• 艺术
• 高畑勋
• 艺术史
• 文化
• 绘画
• 日本研究
• 2019
• 日本文化
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• 历史背景
• 东方艺术
• 审美体验

一幅画看日本 本书并非一本传统的图鉴，也非枯燥的历史陈述，更不是一本关于艺术史的严肃学术著作。它是一扇窗，一扇让你窥探日本独特文化与民族性格的窗户，而这扇窗的开启，只凭一幅画。 我们精心挑选了多幅具有代表性的日本绘画作品，每一幅都如同一枚微缩的胶囊，浓缩了某个时代、某个角落、某种情感的精髓。我们不求面面俱到，也不试图穷尽日本文化的方方面面，而是通过这些经过时间沉淀、被无数双眼睛审视过的画面，去触碰那些深藏在日本人心中的柔软与坚韧，去感受那些流淌在日常中的细腻与壮阔。 一幅画，如何读懂一个民族？ 这或许是本书最大的尝试。日本的文化，常常被视为一种“暧昧”的存在，难以捉摸，又充满吸引力。它既有古老东方哲学的深邃，又有近代西方文明的冲击，更重要的是，它在长久的地理隔绝中，孕育出了许多独属于自己的情感表达方式和审美情趣。而绘画，作为一种直观的艺术形式，最能直接地反映出这些内在的特质。 通过一幅浮世绘，我们能看见江户时代市井的繁华与人情味，也能感受到艺术家对转瞬即逝的美的捕捉与惋惜。那些描绘歌舞伎、艺伎、相扑力士的画面，不仅仅是人物的肖像，更是那个时代社会风貌、生活方式乃至价值观念的生动写照。她们的妆容、服饰、姿态，甚至是眼神中的一丝忧郁或喜悦，都传递着复杂的信息，让我们得以窥探那个时代的“日本式”生活哲学。 当我们将目光投向水墨画，你可能会感受到禅宗的宁静与留白之美。一勾山峦，几点飞鸟，看似简单，却蕴含着天地万物的浩渺与生命的无常。艺术家们用笔墨的浓淡干湿，描绘的不仅仅是景物，更是他们内心的观照，是对“空”与“无”的体悟，是对人生短暂而又永恒的思考。这种“少即是多”的哲学，渗透在日本文化的方方面面，从建筑到庭园，从茶道到武道，无不体现着对极致简约的追求。 再将视线转向近代风格的绘画，你或许会发现日本艺术家在吸收西方技法的同时，如何巧妙地融入本土的审美情趣。他们可能描绘的是熟悉的日本风光，但色彩的运用、构图的处理，却可能带有某种独特的东方韵味，形成一种既熟悉又陌生的视觉冲击。这是一种文化碰撞与融合的产物，也反映了日本民族在面对外来文化时，既开放包容又力求保持自身特色的独特智慧。 书中没有你可能预期的内容，但有你可能想不到的惊喜 本书并不致力于详细介绍每一位画家的生平，也不会逐一考证画作的创作年代和技法。我们更关注的是，在这些画面背后，隐藏着怎样的日本人的情感世界。 没有详尽的艺术史梳理： 你不会在这里找到关于日本艺术流派演变、风格特征的系统性论述。我们相信，艺术的生命力在于其感染力，而非枯燥的理论。 没有枯燥的学术分析： 我们不会用晦涩的术语来解读画面，而是以一种更加贴近读者感受的方式，去引导你去发现画面中那些触动人心的细节。 没有教你如何“鉴赏”： 我们不希望你成为一个高高在上的评论家，而是鼓励你成为一个融入式的观察者，去感受画面所传达的情感，去与作品进行一次心灵的对话。 那么，这本书究竟会给你带来什么？ 重新认识“日本”： 通过一幅幅画面，你将有机会摆脱刻板印象，去发现一个更立体、更 nuanced（微妙）的日本。你会看到他们的细腻、他们的隐忍、他们的热烈、他们的孤独，以及他们对美的极致追求。 理解“匠人精神”的根源： 许多画面中对细节的刻画，对光影的捕捉，对情绪的描摹，都隐约透露出日本“匠人精神”的雏形。那种对待事物一丝不苟的态度，那种追求卓越的精神，并非一蹴而就，而是深深根植于他们的文化基因之中。 感受“物哀”的情感： 日本文学和艺术中常常提及的“物哀”，是一种对生命短暂、世事无常的深刻感悟，并由此生发出一种淡淡的忧伤与悲悯。这种情感，在许多画面中都有所体现，或许是夕阳下的残败，或许是落花飘零的景象，都带着一种催人泪下的美感。 洞察“侘寂”的意境： “侘寂”是日本美学中一个非常重要的概念，它追求的是一种不完美、不对称、不恒久之美，是从自然磨损和岁月的痕迹中发现的静谧与和谐。你会在许多描绘自然景物、生活器物的画面中，体会到这种“侘寂”的韵味，感受到一种返璞归真、淡泊宁静的生活哲学。 体味“本真”的生活态度： 日本文化中，常常有一种对“本真”的追求，回归事物的本质，去除不必要的装饰，追求最纯粹的状态。这种态度，在他们对自然的敬畏，对传统工艺的坚持，对生活细节的打磨上，都有深刻的体现。 本书的每一幅选画，都是经过精心挑选的，它们或描绘壮丽的山河，或刻画市井的喧嚣，或展现内心的宁静，或流露情感的细腻。我们期望通过这些画面，能为你开启一扇通往日本内心世界的门，让你在不经意间，被其中蕴含的独特文化魅力所打动，所启发。 翻开本书，就如同走进一间充满故事的画廊，每一幅画都是一位沉默的导览者，它会用自己独特的方式，向你讲述关于日本，关于生活，关于人生的故事。我们不预设任何答案，只邀请你一同去感受，去发现。也许，在某一幅画前，你会突然驻足，眼中闪过一丝了然，那一刻，你便已经开始读懂日本。

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先生其人 如果说知道高畑勋是因为《萤火虫之墓》，其实有些刻意了。这部电影至今仍存于我的“想看”列表里，躺在硬盘深处，几乎已经快被记忆忘却了。 我似乎总在这样不断的去寻找被世界忘却的记忆。杨德昌先生07年去世，而我在2008年才第一次听说他的名字；希腊大导演安哲2012...  

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看到图中的老虎，什么想法？那还是兽中之王吗？ 大部分人的内心不觉宛然一笑，好萌的老虎呀。 不由得赞叹，画家居然可以通过如此清新的笔法，勾勒出好玩有趣的老虎。 图片来自于高畑勋《一幅画看日本》，说实话，非常喜欢这本书。 内容很有趣，十分类似国内最近流行的诗配画。...  

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刚看到这本书时，还以为是那种“一张图读懂XXX”之类的作品，我还在想怎么高畑勋也写这样的书？后来才发现自己误会大了。 《一幅画看日本》是由高畑勋在杂志上开设的绘画鉴赏专栏做成的文章合集，原本的专栏是一篇日本绘画、一篇海外（主要是西方）绘画交替刊登的，本书选取的...  

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原谅我的肤浅和固有观念。看到这本书名时，我脑子里想到的第一个是浮世绘。据说，浮世绘这种日本艺术形式影响了诸多印象派大师。而浮世绘的美几乎“验证”了日本的文化，谨慎、艳丽、多变、冰冷。可读完第一篇文，我知道，是我太狭隘。 作者高畑勋先生是个很厉害的人，毫不避讳...  

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我手边的那本探讨古代冶金术的书籍，简直是历史爱好者与材料科学发烧友的狂欢派对。这本书的视角非常独特，它几乎完全避开了帝王将相的叙事，而是将焦点放在了“火与土”的结合上，也就是人类如何驯服金属的过程。作者从青铜时代的早期铜矿开采，一直讲到铁器时代的高炉技术，中间穿插了对不同文明中金属器皿的工艺对比。最让我感到震撼的是关于大马士革钢的章节，作者没有满足于描述其刀刃的锋利，而是深入分析了不同温度下的碳渗入过程以及当时炼钢者对微观晶体结构的近乎本能的掌握。书中还配有大量考古发掘现场的照片，以及现代实验室对古代金属样本的能谱分析图，这种古今对照的解读方式，使得古代工匠的“秘方”不再是神秘传说，而是可被验证的科学实践。这本书的行文风格带着一种冷静的考古学家的严谨，但字里行间又流露出对人类早期技术智慧的深深敬意。它成功地将一门看似沉闷的“技术史”，描绘成了一部充满探索、试错与突破的史诗，让人对那些生活在几千年前的工匠们，油然而生一种跨越时空的共鸣。

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说实话，我对音乐理论这块一直都比较头疼，那些复杂的和声进行和对位法简直是天书。但最近看的那本关于巴洛克音乐结构的解析，硬是把我拉着往前走了好几截。这本书的作者似乎深谙“化繁为简”的艺术，他没有直接扔出大量的五线谱和枯燥的术语，而是从“结构美学”的角度切入。比如，他用建筑学的空间布局来比喻赋格曲的声部交织，一下子就让原本听起来头晕脑胀的旋律线索变得清晰可辨。他会详细拆解巴赫某个协奏曲的引子部分，告诉你每一个乐句是如何像榫卯结构一样严丝合缝地嵌入整体框架中的。最精彩的部分在于，作者探讨了巴洛克音乐中“情感表达”与“数学精确性”之间的辩证关系。他认为，那种表面的华丽和复杂的装饰，其实都建立在极其严谨的逻辑基础之上，这是一种高度理性的感性表达。读这本书，我不再是单纯地听音乐，而是在“看”音乐的骨架和纹理。看完后，再去听《马太受难曲》时，那种对整体结构的把握感，带来的欣赏层次是以前无法企及的，简直就像从看一场热闹的烟火，变成了研究烟花背后的精密发射原理，趣味盎然。

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最近沉迷于一本关于早期航海技术发展的书籍，简直是打开了新世界的大门。这本书聚焦于十五、十六世纪的探险时代，但它避开了那些英雄主义的叙事，转而详细描述了技术革新是如何推动历史进程的。作者对天文导航仪器的演变过程进行了近乎偏执的考据，从星盘到象限仪，再到更精密的六分仪，每一种工具的改进，都伴随着制图学、光学和精密机械学的飞速发展。我尤其佩服他对“误差的累积与校正”的论述，他用大量的案例说明，早期航海家们如何依靠经验和细微的修正，来对抗计算上的不确定性。书中收录了大量当时的水手日志摘录和船只设计图纸的复刻版，这些原始材料的加入，让冰冷的技术细节充满了人性的温度——你知道船员们在面对一场持续数月的无风期时，那种对经纬度计算的焦虑与狂热。这本书没有歌颂征服，而是赞美人类的求知欲和对未知边界的持续试探。它让我深刻理解到，那些宏大的地理发现背后，是无数工匠、数学家和水手们，用汗水和智慧，一点一点从误差中抠出来的真实世界。

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这个周末，我终于啃完了那本关于世界建筑史的大部头，说实话，过程挺煎熬的，但收获也着实不小。这本书的叙事方式非常独特，它没有采用那种流水账式的编年体，而是像一个经验丰富的老导游带着你穿越时空。印象最深的是关于哥特式大教堂的章节，作者对光线、结构和象征意义的剖析细致入微，那种将冰冷的石头讲出生命力的功力，简直令人叹为观止。他会花大量篇幅去解释那些复杂的飞扶壁是如何平衡侧推力，同时又如何被雕刻成充满故事感的装饰，而不是简单地堆砌事实。读到后面，我感觉自己不只是在看书，而是在亲身体验那些中世纪工匠的智慧与信仰。尤其值得称赞的是，作者对不同地域建筑风格的融合与演变有独到的见解，比如他如何论证地中海文明对早期罗马建筑的影响，以及这种影响后来又是如何被拜占庭风格吸收和改造的。这种层层递进的分析，让那些原本晦涩难懂的术语和概念变得清晰易懂，即便是对建筑学一窍不通的门外汉，也能从中体会到历史的厚重和美学的精妙。这本书的图版质量也相当高，那些精细的黑白线条图和罕见的早期手绘草图，为理解复杂的空间关系提供了极大的便利，实乃建筑爱好者案头不可多得的佳作。

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我最近读完了一本关于二十世纪先锋艺术运动的画册，那本厚厚的精装本，捧在手里沉甸甸的，感觉就像握着一段被凝固的时代激情。这本书的厉害之处在于，它敢于挑战传统叙事框架，不拘泥于学院派对“大师”的推崇，而是将视角投向那些在边缘挣扎却又极具创新精神的艺术家群体。比如，它对达达主义的介绍，就不仅仅停留在“反艺术”的口号层面，而是深入挖掘了其背后的社会动荡与心理焦虑。书中收录了大量当时的小册子、传单和未完成的草稿，这些“一手资料”的展示，极大地增强了阅读的临场感和冲击力。我特别欣赏作者在分析超现实主义时所采取的心理分析路径，他巧妙地引入了弗洛伊德的理论，来解释梦境与潜意识如何成为艺术家们反抗理性至上主义的武器。这种跨学科的解读方式，让艺术史不再是孤立的学科，而是与哲学、心理学紧密交织的复杂网络。读完这本书，我深感震撼的不仅是那些色彩的爆发和形态的颠覆，更是艺术家们面对一个失序世界时，那种近乎绝望却又充满创造力的抵抗精神。它成功地让我重新审视了“美”的定义，明白了艺术的真正力量或许在于对既有秩序的不断叩问与颠覆。

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几乎没有完整的画对应，大部分只有局部，是让大家看文字还是猜画？

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高畑勋《一幅画开启的世界》姊妹篇

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在三颗星和四颗星之间纠结了许久，或许这就是7分作品的困境。一本不错的艺术作品，但是有点太散了。不指望能靠这本书学到什么，但是非常易读，也很耐看。

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几乎没有完整的画对应，大部分只有局部，是让大家看文字还是猜画？

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对一个几乎不怎么了解日本美术史的人来说颇有趣味。节选了一些作品进行个人评判，但基本都是细节图，这种看画的方式倒是很少见。高畑勋的艺术素养在那里，写得也是非常个人的体会，还穿插了一些做动画时的小细节，比起艺术鉴赏更像是兴致所至的散文，就觉得真的是很热爱艺术，也很爱工作的人啊。