具体描述
-编辑推荐-
★1970年代艺术史酝酿新的变革之际，布列逊创作了“新艺术史三部曲”，本书正是其中的第二部，它于1983年问世后，对学术界产生了深远的影响。
★通过这三部惊世之作，布列逊史无前例地将“法国理论”引入艺术史研究，为艺术史研究注入了新的活力。
★在本书中，布列逊大胆地批判了贡布里希的“感知论”，也就是“一个对绘画符号的物质本质予以认可，但尚未深入理论化的过渡性美学”。
★借助《七柏图》、《溪山兰若图》、《酒神与阿里阿德涅》、《画室中的艺术家》等中外名画，布列逊再次强调绘画的社会维度，避免符号学研究的形式主义，从而走向一个“真正历史的”艺术史学科。
-内容简介-
本书涉及视觉研究和艺术史研究中的一系列重要的议题，布列逊一方面立足于艺术史的传统问题，另一方面大量借用法国新理论对问题进行重新的梳理和反思，对被视为经典或者被认为自然而然的习见给予批判性的考察，对观者与绘画的关系做了重新审视。
作者简介
-作者简介-
诺曼•布列逊（Norman Bryson），当代英国艺术史家、艺术理论家、艺术批评家，曾经任教于剑桥、哈佛等大学。西方新艺术史（New Art History）有三个突出的方向：新马克思主义、女性主义和符号学。布列逊是其中符号学方面的代表人物。他全面系统地运用符号学理论和话语介入艺术史研究，其著作不仅在艺术史学界而且在当代视觉文化研究中都有巨大的影响。
-译者简介-
谷李，马萨诸塞大学传播学博士，现任西南政法大学新闻传播学院副教授。主要研究领域包括文化研究、媒介理论、纪录片、认知与传播，等等。
目录信息
总 序
译者序
序 言
致 谢
1 自然态度
2 本质拷贝
3 感知论
4 来自内部与外部的影像
5 凝视与瞥见
6 影像、话语、权力
后 记：不可见的身体
索 引
· · · · · · (收起)
读后感
历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
评分历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
评分历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
评分历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
评分历时七天，终于断断续续看完诺曼:布列逊的《视阈与绘画:凝视的逻辑》。没有永恒的真理，艺术史如此，观看阐释也是如此，只有相对的合理。布的这部书围绕观看中的凝视而及其逻辑关系而展开。对显义和隐义，凝视逻辑进行了精彩的分析，发人深思。其对身体也格外关注。可以看出其...
用户评价
《视阈与绘画》这本书，让我对“看见”这个看似简单的事情，有了前所未有的深刻理解。作者提出的“视阈”概念，像一把钥匙，打开了我认识绘画的全新维度。他不仅仅是分析画面的形式美，更深入地挖掘了绘画背后所承载的观看者与被观看者之间错综复杂的关系。书中对不同时代绘画的解读，总能触及到我内心最深处的思考。比如，他对古希腊雕塑与绘画之间视觉逻辑的对比，是如何在空间感、人体比例以及对美的理想化追求上，奠定了西方艺术的基础。他又将这种对“完美”的追求，与不同文化背景下的“自然”观进行比较，让我看到不同文明在视觉审美上的独特取向。我尤其欣赏书中对“叙事性”的探讨，即绘画如何通过构图、人物互动、乃至色彩的烘托，来构建一个完整的故事，并引导观者的情感走向。作者用大量的案例说明，一幅静态的画面，可以蕴含着如此丰富的动态信息，可以引发观者无限的想象。他甚至将这种“叙事性”的解读，延伸到了抽象画领域，让我看到了抽象画并非无迹可寻，而是以一种更为内在、更为隐喻的方式来传达信息。他对中国水墨画中“笔墨情趣”的阐释，更是让我体会到了中国传统艺术的精髓，那种“写意”所蕴含的东方哲学和文人情怀，是西方绘画所难以比拟的。这本书的语言风格变化多端，有时如潺潺溪流，娓娓道来，有时又如惊涛骇浪，直击人心。它让我看到了艺术史研究的广度和深度，也让我对自身作为一名观看者，有了更清晰的认知。
评分《视阈与绘画》这本书，与其说是一本关于绘画的鉴赏指南，不如说是一次关于我们自身观看方式的深度探索。作者以一个极其敏锐的视角，将绘画的每一次创作、每一次观看，都置于一个动态的“视阈”之中审视。我特别欣赏他对于不同文化背景下绘画传统的比较分析。例如，他对比了中国传统山水画的“移步换景”与西方绘画的“固定视角”，深刻地揭示了两种文化对于空间、自然以及人与自然关系的根本性差异，这些差异直接体现在了绘画的视觉语言上。他对中国画中“虚实相生”的理解，与西方绘画强调的“实体感”形成了鲜明的对照，让我从全新的角度去理解中国画的意境和留白之美。书中对日本浮世绘的分析也颇具启发性，他探讨了浮世绘如何捕捉市井生活中的瞬间之美，如何通过大胆的色彩和构图来吸引大众的眼球，这与当时欧洲艺术界更为精英化的追求形成了有趣的对比。他甚至将这种“大众化”的视觉审美，与现代设计和广告的兴起联系起来，展现了艺术观念的演变和传播。我印象最深刻的是，作者并没有简单地列举画作，而是通过深入挖掘每一幅画作背后的创作动因、社会影响以及观者反应，来阐释“视阈”是如何被构建、被影响、甚至被改变的。他对于古代壁画如何作为一种集体记忆和宗教叙事工具的解读，让我看到了艺术在社会生活中的重要功能。而他对巴洛克时期戏剧化光影运用的分析，更是让我体会到了绘画如何通过营造视觉张力来调动观者的情感。这本书的语言充满了思辨性，但又不失文学的美感，读起来一点也不觉得枯燥。它像一位循循善诱的老师，不断引导我去思考，去发现。
评分这本《视阈与绘画》绝对是我近期最惊喜的一本书。初拿到手时，就被它那沉甸甸的质感和封面设计所吸引，一种莫名的期待感油然而生。翻开第一页，一股浓郁的学术气息扑面而来，但并非枯燥乏味，而是以一种极其生动、引人入胜的方式展开。作者在开篇便抛出了一个极具挑战性的问题：我们是如何“看见”一幅画的？这不仅仅是关于视觉神经的物理过程，更是关乎个人经验、文化背景、历史语境以及艺术媒介本身所塑造的一种“观看”方式。书中对不同时期、不同地域、不同风格的绘画进行了深入的剖析，比如他对文艺复兴时期黄金分割的运用，如何通过数学比例来引导观者的目光，创造出和谐与秩序的美感；又比如他对印象派色彩运用的独到见解，如何打破传统写实，以光影和色彩本身来传达情感和瞬间的感受。他甚至将一些现代艺术的观念，如蒙德里安的抽象构成，与古老的东方哲学思想进行巧妙的联结，让我看到了艺术的普适性和跨越时空的共通性。最让我印象深刻的是，作者不仅仅局限于绘画技法，更深入探讨了绘画作为一种叙事媒介，如何通过构图、人物表情、色彩冷暖等元素，讲述故事、表达思想、甚至引发观者内心的共鸣。他提出的“视阈”概念，在我看来，是理解这本著作的核心钥匙。它不再是单纯的“视野”，而是包含了个体的主观认知、情感倾向、以及对世界固有的理解模式。当我们面对一幅画时，我们其实是在用自己的“视阈”去解读画面，而画面本身也在不断挑战和重塑我们的“视阈”。这种互动式的观看过程，被作者描绘得淋漓尽致，让我重新审视了自己以往的观看习惯，也发现了许多被忽略的细节。这本书的语言流畅优美，即便涉及一些复杂的理论，也能被作者化繁为简，用生动形象的比喻和恰到好处的案例来阐释，使得非专业读者也能轻松理解并从中获得乐趣。总而言之，《视阈与绘画》是一部极具深度和广度的艺术评论著作，它不仅为我打开了理解绘画的新视角，更引领我进行了一场关于“看见”本身的深刻思考。
评分读完《视阈与绘画》，我感觉自己仿佛进行了一场跨越时空的视觉旅行。作者以“视阈”为线索，串联起了不同时代、不同地域的绘画艺术，让我看到了它们之间千丝万缕的联系。书中对意大利早期宗教画的分析，让我领略到了宗教信仰如何塑造了人们的观看方式，以及艺术家如何通过视觉元素来传达神圣的信息，引导信徒的虔诚。他对文艺复兴时期对人体解剖学的研究，以及透视法的运用，更是让我看到了科学精神如何与艺术相结合，从而产生了划时代的变革。我特别喜欢书中对荷兰黄金时代绘画的解读，例如对静物画的细致描绘，如何反映了当时市民阶层的审美趣味和生活方式。他对风景画的分析，也让我看到了艺术家如何捕捉自然之美，以及不同时代人们对于自然的理解和情感。书中还探讨了女性艺术家在男性主导的艺术史中，是如何以自己独特的“视阈”来创作，以及她们的作品是如何被边缘化或被重新解读的。这种对历史的细致梳理和批判性思考，让我对艺术史的理解更加全面和深入。他对表现主义的分析，更是让我看到了艺术家如何用扭曲的色彩和变形的形象来表达内心的痛苦和呐喊，这是一种极其个人化且富有力量的“视阈”。这本书的语言风格变化万千，有时如诗歌般优美，有时又如哲学辩论般深刻。它让我看到了艺术的无限可能性，也让我对自己作为一名观看者，有了更深的认识。
评分《视阈与绘画》这本书，是我近期读到的一本真正能够“触碰”艺术灵魂的作品。作者以“视阈”为核心，带领读者深入到每一幅画作的内在世界，去理解它所传达的观看方式和生命体验。书中对巴洛克艺术的分析，让我感受到了那种强烈的戏剧性和情感张力，艺术家是如何运用光影、色彩和构图来营造一种宏大而动人的视觉效果，以吸引和震撼观者的。他对洛可可风格的解读，则展现了另一种截然不同的“视阈”，那种精致、轻盈、充满感官享乐的风格，反映了特定时代贵族阶层的审美趣味。我尤其着迷于书中关于“观看的互动性”的讨论。作者通过分析一些互动性强的艺术作品，例如装置艺术和行为艺术，来探讨艺术家如何试图打破观众与作品之间的隔阂，邀请观众参与到创作过程中，共同完成艺术体验。他甚至将这种互动性，与古代壁画和宗教仪式中的集体参与相联系，让我看到了“观看”的古老而又永恒的魅力。他对波普艺术的解读，更是让我看到了艺术如何从高雅的殿堂走向街头巷尾，如何将日常物品和流行文化转化为艺术符号，从而影响了整个社会的视觉“视阈”。这本书的语言风格别具一格，作者善于用生动形象的比喻和引人入胜的故事，来阐释复杂的艺术理论，让我在轻松愉悦的阅读中，获得了深刻的启发。它让我认识到，每一幅画作都是一面镜子，折射出艺术家和观者各自的“视阈”。
评分读完《视阈与绘画》，我仿佛经历了一次洗礼，之前的许多关于艺术的模糊认识都变得清晰起来。这本书最让我震撼的地方在于，它没有将绘画仅仅视为一种美的呈现，而是将其置于更广阔的文化、历史和哲学语境中进行考察。作者对“视阈”这一概念的反复探讨，让我意识到，我们观看画作的方式，其实是我们理解世界方式的一种缩影。例如，书中对不同时期宗教画的分析，是如何服务于当时的信仰体系，如何通过视觉符号和象征意义来传达神圣的信息，从而塑造信徒的“视阈”，引导他们的精神追求。再比如，他对近代以来个人主义兴起后，肖像画如何从对身份的象征性描绘，转向对个体内心世界的探索，这种转变背后，是整个社会“视阈”的变迁。作者并没有回避那些看似晦涩的理论，而是将其与具体画作相结合，例如在讨论透视法时，他巧妙地引用了阿尔伯蒂的线性透视理论，并联系到文艺复兴时期以人为中心的思想观念，解释了这种科学的观看方式如何与当时的哲学思潮相辅相成。这种跨学科的解读，让我看到了艺术史研究的无限可能性。更让我惊喜的是，作者还涉及了当代艺术的议题，他分析了观念艺术如何挑战传统的观看模式，将观众的思考过程本身纳入到作品的构成中，这无疑是对“视阈”概念的又一次极大的拓展。他用相当篇幅探讨了观众的“在场”感，以及艺术如何通过引发观众的参与和互动，来打破艺术品与观者之间的隔阂。我尤其喜欢书中关于“观看的政治性”的讨论，如何通过视觉语言来巩固或颠覆权力结构，如何通过描绘特定群体来构建或解构社会认知。这些深刻的洞察，让我对艺术的社会功能有了全新的认识。这本书的文字功底也令人称道，行文流畅，逻辑清晰，即使是初次接触艺术史的读者，也能被其魅力所吸引，逐步深入。
评分《视阈与绘画》这本书，带给我的震撼不仅仅是知识的增长，更是思维方式的转变。作者巧妙地运用“视阈”这一概念，将绘画从一种静态的艺术品，变成了一个动态的、充满互动的观看场域。书中对不同文化背景下绘画传统的比较，让我看到了艺术的多样性和普适性。例如，他对非洲部落艺术的解读，是如何将图像与祭祀、部落仪式、集体记忆紧密结合，这与西方艺术强调的个人表达和理性分析有着根本性的不同。他对原始洞穴壁画的分析，更是让我看到了艺术最原始的功能——记录、沟通、以及仪式。他将这些原始的观看方式，与现代艺术中强调的“直觉”和“情感表达”联系起来，让我看到了艺术的源头活水。我尤其被书中关于“观看的政治性”的讨论所吸引。作者分析了许多画作是如何被用作宣传工具，如何通过视觉形象来强化统治者的权力，或者挑战现有的社会秩序。他对革命时期绘画的解读，让我看到了艺术在社会变革中所扮演的重要角色。他甚至讨论了艺术品作为一种商品，其“观看价值”是如何被市场所塑造和炒作的。这本书的语言充满了力量，也充满了智慧。作者的笔触细腻而深刻，能够将复杂的艺术理论，用通俗易懂的方式呈现出来，让我受益匪浅。它让我认识到，每一次观看，都是一次与历史、与文化、与自我的对话。
评分我必须承认，《视阈与绘画》这本书，彻底颠覆了我对绘画的固有认知。在读这本书之前，我总以为绘画就是一种技巧的展示，是一种美的复制。但这本书，通过“视阈”这个核心概念，将绘画提升到了一个全新的哲学层面。作者不仅仅在探讨“如何画”，更重要的是探讨“如何观看”，以及“观看”本身是如何被塑造和塑造的。他对于不同艺术流派之间“视阈”的演变的分析，让我看到了艺术史的发展并非是简单的线性推进，而是一个不断碰撞、融合、甚至相互否定的过程。我对书中关于“观看的焦虑”的讨论印象尤为深刻。在信息爆炸的时代，我们似乎被无数的视觉图像所包围，但我们是否真正“看见”了它们？作者借用一些当代艺术家的作品，来探讨这种“观看的疲劳”以及艺术家如何试图打破这种局面，重新唤起观者的感知力。他对波普艺术的解读，更是让我看到了大众文化与精英艺术之间的界限是如何被模糊，以及消费主义如何影响了我们的视觉“视阈”。书中关于“观看的空间性”的探讨也十分精彩，例如，室内绘画与风景画在构图和视角上的差异，如何反映了人们对于空间认知的不同。他甚至将这种空间性的探讨，延伸到了虚拟现实和增强现实的时代，预示着未来“视阈”将如何被进一步拓展和重塑。这本书的语言风格极具感染力，作者的文字如同拥有生命一般，能够引领读者进入一个又一个引人入胜的视觉世界。它让我认识到，每一幅画作都是一个独特的“视阈”，而我们每一次观看，都是一次对自身“视阈”的检验和拓展。
评分《视阈与绘画》这本书，在我心中留下了深刻的印记。作者以“视阈”这一独特视角，将绘画艺术提升到了一个前所未有的哲学高度。他不仅仅在分析画面的美学特征，更是在探讨“观看”本身是如何被构建、被塑造、以及如何随着时代和社会的变化而演变的。书中对浪漫主义绘画的解读，让我体会到了那种对情感、想象和自由的极致追求，艺术家如何通过宏大壮丽的风景、悲壮的人物形象来表达内心的激荡和对理想的向往。他对印象派的分析，更是让我看到了艺术如何从写实转向对光影和色彩的捕捉，如何以一种更为个人化和主观的方式来呈现世界。我尤其被书中关于“观看的记忆”的讨论所吸引。作者分析了艺术作品如何承载着历史的记忆，如何通过视觉形象来唤醒观者对过去的联想和情感。他对历史画的解读，让我看到了艺术家如何通过描绘重要的历史事件，来塑造集体的记忆和民族的认同。他甚至将这种“记忆”的探讨，延伸到了个人经历和情感体验，让我看到了艺术如何成为我们记录和理解自身生命历程的重要载体。这本书的语言风格变化多端，有时如同一位睿智的长者，娓娓道来，有时又如一位敏锐的评论家，直击要害。它让我看到了艺术史研究的深度和广度，也让我对自己作为一名观看者，有了更清晰的认识。
评分拿到《视阈与绘画》这本书，我最先被吸引的是它的标题，一种直觉告诉我，这本书将不仅仅是关于色彩和线条的组合，更会触及到我们感知和理解世界的方式。在阅读的过程中，我发现我的直觉是对的。作者对“视阈”的界定非常独特，他将其视为一种个人化的、经验化的、同时也受到社会文化因素影响的观看框架。这本书就像一部通往绘画内心世界的地图，引导我去理解每一幅作品背后隐藏的视听语言。我对书中关于“观看的主体性”的论述尤为着迷。作者通过分析不同历史时期的画作，揭示了在不同的时代，观看的主体是如何被定义和塑造的。例如，在中世纪，观看往往是一种宗教体验，画作是通往神界的窗口，观者的“视阈”是被信仰所引导。而在现代，观看则更多地成为一种个人化的审美追求，甚至是智力上的挑战。他甚至讨论了性别、阶级等因素如何影响个体的“视阈”，以及艺术家如何通过作品来挑战或强化这些“视阈”。我特别喜欢他对于马奈及其作品的解读，他如何打破了传统学院派的观看规则，用一种更为直接、甚至有些“粗糙”的方式来描绘现实生活，从而引发了当时的社会争议。这种争议本身，就是一次“视阈”的碰撞和重塑。书中还对摄影的出现对绘画产生的深远影响进行了探讨，作者分析了摄影如何解放了绘画的写实功能，使其能够更加自由地探索形式、色彩和情感表达，这无疑是“视阈”演变中的一个重要节点。这本书的论述层层递进，逻辑严密，虽然其中不乏深奥的理论，但作者总能用生动形象的例子将其解释清楚，让我仿佛置身于一个充满智慧的对话之中。
评分将艺术史开始搞不明白的第一书，前三章还基本能看懂，因为是讲旧艺术史，后几章开始有点云山雾罩了，因为新艺术史开始了......
评分布列逊“新艺术史三部曲”之二
评分布列逊“新艺术史三部曲”之二
评分正在读这本。序不错
评分当下视觉研究无法绕开的作品。章一考察了「自然态度」，提出了一些基本设定；章二集中反驳贡布里希的图式论，后者摆脱知识社会学去物质化困境却并仍坚持着「图像作为再现」的自然主义模式；章三破而后立，借助形式主义将绘画真实性的演进处理为显义相对与隐义的冗余；章四重审形式主义路线，破除「自然化」迷思，找到隐义之具身性，与之相应的图像实践之物质性促使其超越「规范」与「信息」；章五梳理自宗教建筑美术到阿尔伯蒂再到维米尔的过程，即身体与图像从三维环绕到二维走动再到一维点状凝视，观者客体化、瞥见逐步失落的过程，其关键是绘画技术对身体的消除；章六讨论绘画与社会结构之关系，不同观点各打五十大板后宣称现代绘画天然弥散在社会结构中，这一（涂尔干式的）社会结构是个体相互自我调制的、平静的。后记希望找回身体，苦于无路无术。
相关图书
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2026 qciss.net All Rights Reserved. 小哈图书下载中心 版权所有