Art and Design in Photoshop pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Focal Press

作者:Steve Caplin

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2008-08-25

价格:280.00元

装帧:Paperback

isbn号码:9780240811093

丛书系列:

图书标签:

• photoshop
• 平面设计
• Photoshop
• 艺术设计
• 图像处理
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• 数字艺术
• 教程
• 软件技巧
• 设计灵感
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• 图形设计

《光影织梦：Photoshop艺术设计教程》 本书并非一本关于Photoshop软件操作技巧的指南，亦非一本罗列无数滤镜和预设的速成手册。它旨在深度探索光影、色彩、构图、透视等核心艺术语言在Photoshop这一强大数字画布上的表达与实践，引领读者穿越像素的海洋，抵达创意设计的彼岸。 一、 光影的叙事：从本质到表现 光是形体的灵魂，影是空间的骨骼。本书将首先剥离Photoshop中“光影”概念的表层工具性，深入探讨光线本身的物理特性——光源的类型（点光源、面光源、体积光等）、色温、衰减规律、反射与折射原理。理解了这些基础，我们才能在Photoshop中更精准地模拟真实世界的光影效果。 自然光的韵律： 探讨日出、日落、阴天、散射光等不同自然光照下的光影特点，如何在Photoshop中通过调整图层、画笔工具、渐变映射等方式，捕捉并重塑这些微妙的光线变化。例如，模拟午后阳光穿过树叶的斑驳光影，或是在黄昏时分营造温暖而富有戏剧性的光感。 人造光的魅力： 深入研究聚光灯、霓虹灯、舞台灯等不同人造光源的特性，以及它们如何影响物体的体积感和空间氛围。学习运用图层样式（内发光、外发光、投影）、笔刷纹理、蒙版等技术，创造出逼真或充满想象力的人工光效，如赛博朋克城市的霓虹闪烁，或复古电影中的柔和灯光。 光影的心理学： 光影不仅仅是视觉的呈现，更是情感的载体。本书将引导读者思考不同光影组合所传达的情绪——高调光影的明亮与轻快，低调光影的沉静与神秘，逆光下的剪影带来的戏剧张力，侧光突出的立体感与质感。通过实践，读者将学会运用光影来引导观者的情绪，深化作品的主题表达。 高级光影技巧： 触及体积光、体积雾、焦散等高级光影模拟技术，如何利用Photoshop的混合模式、滤镜以及第三方插件，创造出令人惊叹的景深和空间感。 二、 色彩的语言：情绪、调性与和谐 色彩是艺术中最直观的情感表达。本书将超越简单的色彩搭配，聚焦于色彩在Photoshop中的哲学与艺术性应用。 色彩理论的实践： 深入解读色彩的心理学效应，如红色代表热情与危险，蓝色象征冷静与忧郁。在Photoshop中，如何通过色相/饱和度、色彩平衡、曲线、可选颜色等工具，精确调控色彩的饱和度、明度、色相，从而达到预期的情感传达。 建立视觉风格的色彩体系： 探索不同艺术风格（如印象派、表现主义、极简主义）的典型色彩运用，以及如何在Photoshop中构建属于自己的色彩体系。从经典的单色调、邻近色搭配，到大胆的对比色碰撞，学习如何建立稳定而富有吸引力的色彩和谐。 氛围的塑造者： 分析环境色、光源色、物体固有色之间的相互影响，以及它们如何共同营造作品的整体氛围。例如，如何在Photoshop中通过冷暖色调的对比，营造出温暖的室内场景或清冷的户外空间。 高级色彩处理： 讲解如何在Photoshop中进行复杂的色彩校正、色彩替换、色彩叠加，以及如何利用 LUTs（颜色查找表）快速建立电影级的色彩风格。学习如何通过对细节色彩的精微调整，赋予画面更高级的质感和生命力。 三、 构图的呼吸：引导视线，平衡美学 构图是画面的骨架，决定了信息的传达顺序和视觉的重心。本书将带领读者从“画什么”转向“怎么画”，深入理解构图的艺术。 经典构图法则的解析与创新： 并非机械地套用三分法、黄金分割、对称构图等，而是深入分析这些法则背后的视觉心理学原理，以及它们如何引导观众的视线。在此基础上，鼓励读者打破常规，创造出更具个性和张力的构图。 引导观众的视线： 学习如何利用线条、形状、色彩、光影等元素，在画面中构建引导线，将观众的目光自然地引向主体。探讨景深、虚化、前景、背景的运用，如何控制画面的空间层次，引导视线穿越。 平衡与张力： 分析画面中元素的重量感、视觉密度，以及如何通过对这些元素的分布，达到画面的视觉平衡。同时，学习如何通过不对称、留白、视角等方式，制造画面张力，增强作品的动感和故事性。 叙事性构图： 探讨如何通过构图来讲述故事。例如，如何通过人物的位置、表情、肢体语言，以及场景的布置，来暗示人物的关系、情节的发展。 探索透视的魅力： 深入理解一点透视、两点透视、多点透视等原理，以及如何在Photoshop中运用辅助线、变形工具等，构建真实或富有想象力的三维空间。 四、 质感的刻画：触觉的延伸，细节的生命 质感是作品的灵魂，它赋予画面触觉的维度，让图像更加生动逼真，或充满独特的艺术风格。 模拟真实世界的材质： 深入研究各种常见材质的表面特性——金属的光泽与反射、木材的纹理与粗糙、布料的褶皱与光泽、皮肤的细腻与毛孔。学习在Photoshop中，通过叠加纹理、运用笔刷、调整高光与阴影，来模拟这些材质的细节。 创造抽象的质感： 超越对真实材质的模拟，探索如何在Photoshop中创造出富有表现力的抽象质感。例如，通过故障艺术（Glitch Art）、噪点、划痕、水墨晕染等效果，赋予画面独特的艺术语汇。 细节的魔力： 强调细节在质感刻画中的重要性。学习如何放大观察，精雕细琢，从微小的光斑、细微的纹理，到微妙的色彩过渡，都赋予画面生命力。 质感与情感的关联： 探讨不同质感所传达的情感。例如，粗糙的质感可能带来原始、坚毅的感觉，光滑的质感则可能显得优雅、现代。 五、 创意实践与风格探索 本书的最终目标，是帮助读者将对光影、色彩、构图、质感的理解，融会贯通，转化为独具个性的艺术作品。 从概念到像素： 引导读者建立从最初的创意想法，到具象化为Photoshop中的具体操作流程。强调草图、情绪板、参考图在设计过程中的重要性。 解构与重塑： 鼓励读者学习分析优秀作品的艺术语言，理解其背后的构图、色彩、光影处理，然后进行解构与重塑，融入自己的理解和风格。 探索不同媒介的融合： 探讨如何将摄影、绘画、手绘元素，乃至三维建模的输出，巧妙地融入Photoshop的创作中，打破媒介的界限。 数字绘画与照片合成的艺术： 深入探讨照片合成中如何做到光影、色彩、质感的高度统一，以及数字绘画在创造独特视觉风格方面的无限可能。 《光影织梦：Photoshop艺术设计教程》并非一本“如何做”的工具书，而是一本“为何如此”的艺术探索指南。它将引导您以更深邃的目光审视图像，以更敏锐的触角感受色彩，以更自由的灵魂驾驭光影，最终在Photoshop这个数字宇宙中，编织出属于您自己的光影之梦。

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拿到书后，我最先被吸引的是它排版上的考究，字体选择的衬线与无衬线搭配得恰到好处，无论是大段的理论阐述还是技术步骤的分解，都保持了一种极佳的可读性。我尝试着跟随其中一个关于“空间错觉构建”的章节进行了实践。原以为这只是讲解透视网速的传统技巧，没想到作者引入了非常多关于巴洛克时期建筑美学以及现代主义雕塑的案例进行对比分析，这让整个学习过程充满了跨学科的乐趣。我特别欣赏作者在讲解一个复杂蒙版技巧时所采用的比喻——将图层叠加比作交响乐团中不同声部的融合，而非简单的叠加，这个比喻一下子就点亮了我对图层混合模式的理解。很多其他教材往往只停留在工具层面的罗列，但这本书显然是站在一个更高维度的视角来审视Photoshop的潜力。它没有急于展示那些炫酷的特效，而是花了大量的篇幅去解构那些“看起来很自然”的效果背后，设计师需要具备的审美基础和对视觉语言的深刻理解。这对我来说，是真正有价值的投资，它提升的不是我的点击速度，而是我的设计思维。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深邃的蓝色背景搭配上抽象的金色线条，立刻就让人联想到数字艺术的无限可能性。我是在一家独立书店偶然翻到它的，当时正为手头的几个平面设计项目寻找新的灵感突破口。说实话，我对Photoshop的掌握程度算是中级偏上，日常操作游刃有余，但总感觉自己的作品缺乏一种“设计感”，总是停留在技术层面，无法触及艺术的内核。这本书的副标题——虽然我不能说出它的具体内容——但那种暗示的深度和广度，让我毫不犹豫地将其收入囊中。我期待它能像一个经验丰富的大师，用一种既亲切又充满挑战性的方式，引导我跳出固有的操作习惯，去思考光影、构图以及色彩心理学在数码媒介上的全新表达。尤其是在处理材质和纹理时，我希望能找到一些超越预设笔刷的创新思路，让作品不再是单纯的像素堆砌，而是真正具有生命力的视觉叙事。这种对“艺术”二字的执着追求，让它在众多技术手册中脱颖而出，它不仅仅是关于“如何做”，更是关于“为何要这样做”的深刻探讨，这正是我现在最需要的营养。

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从纯粹的“用户体验”角度来看，这本书的实用性也是一流的。虽然它探讨了深奥的艺术理论，但从不牺牲操作的直观性。比如，在讲解如何进行非线性变形和高级蒙版填充时，作者总是会配上非常清晰的、带有高亮提示的屏幕截图，这些截图的质量极高，即便是小屏幕用户也能清楚分辨出鼠标指针的位置和选区的细节。更难得的是，它在每一个关键技术点旁边，都会附带一个“创意应用提示”，将技术与实际的商业或艺术项目关联起来。比如，学习了曲线工具的高级应用后，紧接着的提示就会告诉你如何利用它来制作时尚杂志封面的对比度风格，这种即时的反馈和应用场景的植入，极大地增强了学习的动力和效率。这本书成功地架起了“理论深度”和“实战操作”之间的桥梁，它没有让晦涩的艺术史成为阻碍，反而成为了激发我们应用新技术的催化剂。它是一本让人愿意反复翻阅、不断探索的书，每一次重读，都会因为自己技术或阅历的增长，而获得新的领悟。

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我是一个自学者，在摸索Photoshop的路上走了很多弯路，总是在重复前人犯过的错误，尤其是对色彩管理和高动态范围（HDR）的处理上，常常感到力不从心。这本书在谈及光线模拟的那部分内容时，给出了一个非常直击人心的观点：数字光线是“记忆”而不是“记录”。这个角度让我猛然醒悟，我过去总是试图用最逼真的方式去模拟现实中的光，却忽略了艺术创作中对光线的“选择性表达”和“情感化处理”。书中关于如何使用调整图层来模拟特定时间段（比如日出时分的暖调或午夜的冷调）的光感，讲解得极其细致，甚至连不同介质（如玻璃、磨砂金属）对光线折射的微小差异都考虑进去了。我立刻用它提供的方法重做了一个之前失败的室内场景渲染图，效果立竿见影，不再是那种“塑料感”十足的平庸作品，而是充满了氛围和故事性。这本书的深度远远超出了我预期的“软件指南”，它更像是一本关于“视觉心理学与数字工具结合应用”的进阶教材，对于想要突破瓶颈的资深用户而言，无疑是醍醐灌顶的。

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与其他同类书籍相比，这本书在“创新工作流”方面的探讨是独树一帜的。它并没有推荐一个“万能”的工作流程，而是鼓励读者根据项目的具体需求，去“发明”属于自己的高效路径。例如，在讨论到复杂合成时，作者展示了两种截然不同的处理方式：一种是强调非破坏性编辑的精确控制，另一种则是侧重于快速迭代和情绪捕捉的粗犷处理。这让我开始反思自己过去过于僵化的工作习惯。我发现自己太依赖于快捷键和固定的步骤，导致一旦项目需求稍微改变，整个流程就得推倒重来。这本书提供的是一种“思维框架”，它教你如何像搭建乐高积木一样，灵活组合Photoshop的各个功能模块，以应对瞬息万变的设计挑战。我尤其喜欢其中关于“草图与定稿分离”的讨论，它强调了前期创意阶段应该尽可能地减少对工具的依赖，这对于那些常常在“追求完美细节”中迷失方向的设计师来说，是一个非常及时的提醒。阅读这本书，感觉像是在和一位真正理解设计本质的导师对话，而不是被一本冰冷的说明书所支配。

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真是太老了。。才12年就觉得土得掉渣。要说其他类别的书12年也还算能读，设计类的真的是。。。。头秃。

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