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出版者:

作者:姜之国

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2008-8

价格:30.00元

装帧:平装

isbn号码:9787540441739

丛书系列:音乐考研复习精要

图书标签:

• 简明
• 音乐理论
• 和声
• 音乐分析
• 作曲
• 编曲
• 音乐教育
• 声学
• 音乐史
• 古典音乐
• 流行音乐

《乐章的织锦：和声的奥秘与运用》 序言 音乐，作为人类情感最直接的表达方式，其魅力所在，很大程度上源于声音的交织与律动的律动。而在音乐的宏大结构中，和声无疑扮演着至关重要的角色。它如同色彩的调和，将独立的旋律线巧妙地融合，创造出丰富的情感层次和深刻的聆听体验。本书《乐章的织锦：和声的奥秘与运用》，旨在深入探究和声的本质，揭示其运作的规律，并提供丰富的实践应用案例，帮助读者构建坚实而富有创造力的和声知识体系。 第一章：和声的基石——音程与音阶 在触及和声的复杂性之前，我们必须牢固掌握其最基础的构成元素：音程与音阶。 音程的解析：音程是两个音之间在音高上的距离，是构成一切和声关系的基础。我们将细致剖析单音程（如大二度、小三度、纯五度等）的性质、听觉感受及其在和声中的基础作用。更进一步，我们会探讨复音程的构成，理解其与单音程的内在联系。同时，音程的度数、性质（大小、增减）以及它们如何影响和声的色彩和张力，都将成为本章深入探讨的对象。我们会通过具体的音响示例，让读者切身体会不同音程所带来的独特听觉感受。 音阶的建构与特性：音阶是按照一定音高顺序排列的一系列音，是旋律和和声的骨架。本章将首先回顾并深入理解自然大调和自然小调的音级结构、全半音分布以及它们各自的音乐性格。在此基础上，我们将着重解析“调式”这一更广阔的概念，介绍不同教会调式（如多利亚、弗里几亚、利底亚、混合利底亚、艾奥利亚、洛克里亚）的特点，并探讨它们如何为音乐带来独特的色彩和情绪。还会简要介绍五声音阶、布鲁斯音阶等在不同音乐风格中的应用，为读者打开更广阔的和声视野。 第二章：和声的初探——三和弦与七和弦 掌握了音程和音阶的基石，我们便可以开始构建和声的第一个砖块：和弦。 三和弦的形态与功能：三和弦是构成基本和声语汇的核心。我们将逐一介绍大三和弦、小三和弦、减三和弦、增三和弦的构成原理，并深入分析它们各自的听觉特点和情感表达。重点将放在大三和弦与小三和弦的“稳定”与“不稳定性”上，为理解和弦进行奠定基础。每个和弦内部的音级关系，以及它们在不同调式中的具体指法和记号，都将通过清晰的图示和示例进行讲解。 七和弦的拓展与色彩：七和弦是在三和弦的基础上再叠加一个三度音程而形成的，极大地丰富了和声的色彩和进行的可能性。本章将重点解析属七和弦，理解其强烈的导向主和弦的倾向性，这是古典和声进行中最具力量的动因之一。同时，我们还将介绍大七和弦、小七和弦、半减七和弦、减七和弦等，分析它们的构成、听觉效果以及在不同音乐语境下的应用。七和弦的引入，为音乐注入了更多的张力和戏剧性。 第三章：和声的脉络——和弦进行与调性 和弦本身是静态的，而使音乐“流动”并产生意义的，是和弦的连接，即和弦进行。 基础和弦进行规则：本章将深入探讨在古典和声体系下，最常用、最基础的和弦进行规则。我们将详细讲解如何运用主、属、下属和弦（I、V、IV）来构建稳定而富有逻辑的音乐乐句。重点分析“级数进行”的原理，即利用音阶内各个音级所构成的和弦之间的自然连接。例如，I-IV-V-I，I-vi-IV-V-I等经典进行。我们将解释为何某些进行听起来“对”，而另一些则显得突兀，这与和声的解决、声部进行以及调性的稳定性息息相关。 调性的稳定性与解决：调性是音乐的“家”，是听众感知音乐方向和归宿的中心。我们将深入探讨主调的稳定性，以及属和弦（V）和下属和弦（IV）在引导音乐回归主调中的关键作用。学习如何通过和弦的解决，使音乐的张力得到释放，达到听觉上的满足感。分析不同类型和弦进行的“解决”方式，以及“不解决”的进行所带来的特殊效果。 二级和弦与非功能和弦：除了主、属、下属和弦，二级和弦（ii）在和弦进行中也扮演着重要的角色，通常作为属和弦（V）的准备。本章将详细介绍二级和弦的构成及其在连接功能和弦中的作用。同时，我们还将初步接触一些“非功能和弦”，即不严格遵循传统功能和声体系的和弦，例如转位和弦、挂留和弦、附加音和弦等，理解它们如何为音乐增添色彩和变化。 第四章：和声的色彩——转调与模进 当音乐在单一调性中进行一段时间后，通过转调和模进，可以极大地拓展音乐的表现空间，带来新鲜感和戏剧性。 转调的艺术：转调是指音乐从一个调性转向另一个调性的过程。本章将详细讲解常见的转调手法，包括关系转调（大调与小调之间的转调）、同主音转调（同一主音但不同调号的调之间的转调）、平行转调（同主音大小调之间的转调），以及通过转调和弦（如属降七和弦）实现的较远关系的转调。我们将分析不同转调方式所带来的听觉效果，以及如何通过巧妙的转调来增强音乐的情感表达和戏剧性。 模进的规律与应用：模进是指旋律或和声在音高上按照固定的音程关系进行重复。我们将解析旋律模进（如上行模进、下行模进）和和声模进（如连续属七模进）。理解模进的构成规律，以及它如何制造运动感和推进力。通过分析不同风格的音乐作品，展示模进在构建乐句、发展主题中的重要作用。 第五章：和声的深化——变化和弦与不协和音 超越基本的功能和声，探索更多样化的和声语言，是音乐创作走向成熟的关键。 变化和弦的运用：本章将介绍一些更具现代色彩的变化和弦，例如增六和弦（意大利增六、法国增六、德意志增六）及其在解决到属和弦或主和弦前所产生的强大张力。还将探讨挂留和弦、附加音和弦（如挂四、挂二）等，理解它们如何丰富和声的层次和色彩。 不协和音的魅力：协和与不协和是相对的概念，不协和音的引入，恰恰是为了更好地衬托协和音的稳定，产生更强的音乐张力和情感起伏。我们将深入研究不协和音的构成，如二度、七度、减五等，以及它们“解决”到协和音的规律。理解如何在音乐中巧妙地运用不协和音，以制造戏剧性的冲突、表达复杂的情感，并最终导向令人满意的协和。 第六章：和声的实践——不同风格中的和声运用 理解和声的原理固然重要，但将其应用于真实的音乐创作，才是最终目的。 古典时期的和声特点：本章将以巴洛克、古典主义、浪漫主义时期为时间线，分析不同时期在和声运用上的主要特点。例如，巴洛克时期的复调织体与清晰的功能和声，古典时期的高度规范与平衡，浪漫时期对色彩、张力和情感的极致追求，以及对远关系转调和不协和音的更大胆运用。 现代音乐与流行音乐的和声探索：我们将跳出古典的框架，探讨爵士、摇滚、流行等现代音乐风格中的和声特点。例如，爵士乐中复杂的延伸和弦（九和弦、十一和弦、十三和弦）、色彩和弦（如减七、增五）、调式化和声等。流行音乐中常见的和弦进行模式、旋律与和声的互动关系，以及如何利用简单的和弦创造出动听的旋律。 创作与编配中的和声技巧：本书将提供一系列实际的创作和编配案例，演示如何运用所学的和声知识来创作旋律、构建伴奏、进行配器。从简单的歌曲创作到复杂乐曲的编配，都将提供具体的思路和方法。引导读者通过实践，加深对和声理论的理解，并形成自己的创作风格。 结语 和声，是音乐的血液，是旋律的灵魂，是情感的载体。它以其精妙的逻辑和无穷的色彩，为我们构建了一个丰富多彩的音乐世界。《乐章的织锦：和声的奥秘与运用》希望成为您探索这个世界的向导，帮助您理解音乐的内在脉络，掌握创作的奥秘，最终用声音编织出属于您自己的动人乐章。愿本书能激发您对和声的无限热爱，并在您的音乐之旅中，为您提供源源不断的灵感与力量。

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我是一名自学作曲的爱好者，最大的痛点就是找不到一个能够真正桥接“听觉感知”和“理性分析”的工具。《和声学》这本书在这方面表现出了惊人的平衡感。它的语言风格介于学术论文的严谨和一位资深导师的亲切教诲之间。例如，书中在解释“属七和弦”时，并没有直接抛出“V7到I”的公式，而是先通过描述我们在音乐中听到的那种强烈的“回归”欲望，先建立起听觉上的期待感，然后再去解析支撑这种感觉的理论结构。这种“先入耳，后入脑”的教学路径，让我过去一些模糊的听觉经验得到了理论的印证。此外，书中的练习题设计也十分巧妙，它们大多是开放式的，要求你不仅要完成和声任务，还要在完成任务后阐述你的创作意图，这种“知行合一”的训练方式，极大地提高了我将理论转化为实际音乐作品的能力。这本书更像是一位耐心的陪练，而不是一个冷酷的考官。

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这本书的排版和设计简直是为我们这些“视觉学习者”量身定做的。通常理论书籍的谱例总是挤在一起，线条密密麻麻，看久了眼睛疼，而且很难快速定位到作者正在讲解的那个关键点。《和声学》在这方面做得非常出色，它的留白恰到好处，关键的和弦标记或不协和音都被用不同颜色的字体或粗体标出，阅读体验堪称一流。更重要的是，它不仅仅停留在“教你写出正确的和声”，而是深入探讨了“如何写出具有个人风格的和声”。在讲解到几种常见的“和声陷阱”时，作者列举了大量反面教材的例子，这比单纯看正面例证更有警示作用。它不是提供一个完美的模板让你去模仿，而是让你理解每一种选择背后的“代价”与“收获”。这种批判性的思维引导，让我不再满足于写出“不出错”的音乐，而是开始追求“有生命力”的音乐表达，这对于一个进阶学习者来说，价值不可估量。

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坦白讲，我接触过很多号称是“入门级”的和声教材，它们往往要么过于简化，导致后期进阶困难；要么就是内容浩如烟海，让人望而却步。《和声学》成功地找到了那个绝妙的平衡点。它对基础知识的讲解扎实得像花岗岩基座，但又不失现代音乐教育的灵活性。我特别欣赏其中对于“调性外和声”的介绍部分，不同于许多教材将此视为高级的、需要多年积累才能触碰的领域，这本书用清晰的脉络，将增六和弦、远关系和弦的色彩运用做了系统性的梳理，并提供了大量现代作品的切片作为参考。这让我感觉到，学习和声并非一个必须在某个历史时期“封顶”的过程，而是一个可以持续扩展的领域。读完这本书，我感觉自己拿到的不仅仅是一本知识手册，更像是一张通往更广阔音乐世界的地图，它指引着我未来的探索方向，让我对音乐的理解层次得到了质的飞跃。

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这本《和声学》简直是音乐理论学习的“救星”！我之前对和声的理解总是停留在书本上那些枯燥的规则和密密麻麻的五线谱上，感觉离真正的音乐创作和欣赏总隔着一层纱。直到我翻开这本书，才真正体会到什么叫“拨云见日”。它没有一上来就强迫你背诵那些复杂的转位和功能分析，而是用一种极其生动、贴近实践的方式来阐述和声的逻辑。作者似乎非常懂得初学者的困惑，每一个概念的引入都伴随着清晰的乐例，而且这些乐例的选择非常巧妙，既涵盖了古典时期的严谨，又不乏浪漫主义的色彩。特别是关于“不协和音的解决”那一章，以往我总是死记硬背，但这本书里将其解释为一种“张力与释放”的内在需求，让我从根本上理解了为什么某些音符必须那样进行。读完这一部分，我甚至忍不住拿起钢琴去即兴尝试，那种豁然开朗的感觉，比单纯记住一个和弦公式要来得深刻得多。它成功地将理论的冰冷外壳剥开，露出了和声背后那颗跳动的心脏，让我在学习的过程中充满了探索的乐趣，而不是应付考试的压力。

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老实说，我购买这本书的时候，内心是抱有一丝怀疑的，因为市面上关于音乐理论的书籍汗牛充栋，很多都是对旧有教材的重新包装，读起来味同嚼蜡。然而，《和声学》这本书的叙事节奏和深度是完全出乎我意料的。它对于音乐史背景的融入处理得非常自然，不是那种生硬地插入历史片段，而是让你明白，某个和声进行之所以会形成，是因为当时作曲家的审美趋势和乐器技术的限制。比如，作者在讨论到调性中心的建立时，会穿插引用巴赫赋曲的结构分析，这种结合具体作品的讲解，让抽象的概念瞬间落地生根。我尤其欣赏它对“色彩和声”的探讨，这部分内容往往是其他教材避重就轻的地方。这本书没有止步于传统的导向功能，而是大胆地引入了印象派和德彪西的一些和声手法，并分析了这些“新奇”声音是如何在不破坏听感的前提下拓展了调性的边界。这种超越传统框架的视野，极大地拓宽了我对“什么是和声”的认知，让我开始思考和声在当代音乐中的可能性。

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姜老师上课用的教材。。。。。。。。

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考研参考书呗，更有针对性，符合应试教育。

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