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出版者:辽宁科学技术出版社

作者:郑静

出品人:

页数:255

译者:

出版时间:2008-4

价格:228.00元

装帧:精装

isbn号码:9787538154542

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一本关于北宋院体绘画的图书简介，旨在深入探讨宋徽宗时期皇家画院的艺术成就、风格演变及其在整个中国艺术史中的地位。 --- 书名：《宋韵流光：北宋院体画的盛世气象与审美变迁》 内容提要： 本书是一部聚焦于北宋中晚期，尤其是徽宗朝鼎盛时期的宫廷艺术现象——院体画的学术专著。它不着眼于当下流行的“新中式”美学，而是将读者带回那个中国古典艺术登峰造极的时代，深入剖析了院体画如何成为宋代“格物致知”哲学与精微写实精神的完美载体。全书结构严谨，考据详实，力求从多个维度还原北宋院体画的艺术生态。 第一部分：肇始与定型——院体的制度构建与早期风格 本部分首先梳理了北宋初年宫廷画院的建立与发展脉络，追溯了自赵匡胤以来对画院体制的重视。重点分析了早期院体画如何吸收唐代浙派的余韵，并在“两宋之交”的动荡中寻求新的艺术方向。我们详细考察了李公麟在白描方面的创新，他的“超以象外，得其环中”的思想，如何为后来的院体画奠定了精神基调，即追求形神兼备的写实与高古的文人趣味的平衡。 制度背景： 探讨翰林图画院的选拔机制、考核标准（如“搜尽奇峰打草稿”）对院体画风格的决定性影响。 风格溯源： 分析李唐、刘松年等早期院派画家如何将早期山水画的写意精神与成熟的写实技巧相结合，形成院体初期的严谨与气势。 第二部分：徽宗盛世：院体的极盛与科学写实 这是本书的核心部分，集中探讨了宋徽宗赵佶统治下院体画达到的前所未有的高峰。徽宗本人既是杰出的艺术家，也是严苛的艺术管理者，他对院体的要求达到了极致的“精密”与“合度”。 花鸟画的革命： 深入剖析了院体花鸟画如何从装饰性走向科学观察的典范。着重分析了《瑞应图》、《桃鸠图》等经典作品中对植物、动物生态的精准把握，这种“格物”精神不仅是技术要求，更是哲学表达。研究了徽宗亲自参与的“集贤院”对艺术创作的指导作用。 山水画的精微： 探讨了张择端等人在界画和写实山水方面的成就。院体山水如何通过“高远”、“深远”、“平远”的构图法，在工整的笔触下展现出气象万千的境界。分析了院体山水对后世界画体系的深远影响，区别于同时期文人画家所追求的“胸中丘壑”。 人物画的典范： 考察了院体人物画如何摆脱晚唐五代的颓靡之气，恢复了唐代人物画的雄健与神采，尤其是在描绘宫廷生活、重大庆典场景时的史诗性表达。 第三部分：审美冲突与风格分野——院体与文人画的张力 院体画的“程式化”与“精微化”最终走向了其自身发展的局限。本书详细阐述了院体画与新兴的文人画（如米芾、苏轼一脉）之间的审美差异与内在张力。 工细与写意的对峙： 通过对比分析，揭示院体画对技法的极致追求如何可能抑制个性的自由抒发。院体画重“法度”，而文人画重“意趣”，这种分野不仅是技法之争，更是士大夫阶层对艺术功能定位的根本分歧。 院体的衰落与转化： 北宋末年的战乱，使得宫廷艺术中心遭受重创。研究了靖康之变后，幸存的院画家如何南渡，他们的技法如何被南宋院体所继承，并与江南文人画的审美进一步融合，促成了院体画向成熟的南宋院体风格的过渡。 本书特色： 1. 图像学深度分析： 结合高清图版，对院体画中的细节处理、光影运用和笔墨语言进行微观分析。 2. 文献考据扎实： 充分利用《续画品》、《图画名录》等一手史料，修正了以往对部分院体画家生平与作品的误解。 3. 立足古典，超越时代： 本书旨在重现北宋院体画作为中国古典艺术高峰的辉煌，为理解中国传统造型艺术的精髓提供坚实的基础。 适读人群： 艺术史研究者、中国古典绘画爱好者、对宋代文化史有浓厚兴趣的读者。通过本书，读者将能领略到那个时代极致的审美情趣与无与伦比的艺术成就。

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我必须说，这本书的视觉呈现简直是教科书级别的典范。每一张插图、每一个配图都经过了极其审慎的选择和编排，它们不仅仅是文字内容的辅助，本身就是新中式艺术理念的生动诠释。纸张的触感、墨色的深浅变化，都完美地烘托了主题的氛围。内容方面，作者对“留白”哲学在当代应用上的阐述达到了新的高度。它不仅仅是物理上的空间留白，更是时间、信息和情感上的“适度克制”。书中通过对比几个室内设计案例——一个极其繁复，一个极其简约——来论证“少即是多”的东方智慧在不同语境下的适应性，这种对比论证极具说服力。全书的行文流畅，逻辑清晰，仿佛引导读者穿越了历史长河，最终抵达一个宁静的当代审美高地。读完后，我感觉心境也随之沉静下来，对于如何在喧嚣的生活中，保留一份属于自己的东方诗意，有了清晰而坚定的方向感。

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哇，这本书简直是视觉和心灵的双重享受！我原本以为《新中式艺术》会是一本偏向于传统文化介绍的书，没想到它竟然以一种极其现代和前卫的视角，深入剖析了当代设计语境下“新中式”的无限可能。作者的笔触非常细腻，对色彩、材质的运用有着独到的见解，比如书中对宣纸肌理在现代灯光下的光影效果的描述，简直让我有身临其境之感。特别是关于空间美学的探讨，它没有停留在简单的元素堆砌，而是深入到东方哲学中“留白”与“意境”的构建，将中国传统美学精髓巧妙地融入到当代人的生活场景中。我特别欣赏其中几个案例分析，它们展示了如何在高密度的城市空间中，通过巧妙的布局和对自然元素的引入，营造出一方宁静致远的个人天地。这本书的排版和印刷质量也无可挑剔，每一页都像是一件精心打磨的艺术品，让人爱不释手，从这个角度来说，它本身就践行了新中式艺术所倡导的“物我合一”的境界。读完之后，我感觉自己的审美视野被极大地拓宽了，对于如何在家居、服装乃至平面设计中融入东方韵味，都有了更系统、更具操作性的理解。

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这本书的价值在于它提供了一种超越表象的解读框架。它没有止步于介绍“好看的”新中式设计，而是深刻剖析了支撑这种美学的文化内核——那种对于自然秩序的尊重、对人与环境和谐共处的追求。书中探讨了书法中的笔意、园林中的借景等传统艺术手法，如何被提炼、简化，并转化为现代空间布局中的情感暗示。这种对“神似”而非“形似”的强调，是本书最具启发性的地方。我发现，书中许多关于光线和阴翳的论述，与日本的侘寂美学有着奇妙的共鸣，但作者又清晰地指出了中国语境下特有的温润与内敛。它成功地引导读者去思考，当我们谈论“东方美学”时，我们究竟在寻找一种什么样的精神慰藉。对于那些厌倦了西方主导的现代主义，渴望在本土文化中寻找根源力量的设计师或爱好者来说，这本书无疑是一剂强心针，它提供了一个扎实且富有诗意的参照系。

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老实说，我一开始有点担心这类主题的书会过于学院化和枯燥，但《新中式艺术》完全打消了我的顾虑。它的叙事方式非常生动活泼，像是一场充满惊喜的艺术漫游。作者的文字功底极佳，尤其擅长用富有画面感的语言来描绘抽象的艺术概念。比如，描述一件新中式家具时，不是简单地列举其结构特点，而是描绘其“在晨光中缓缓舒展的木纹，如同沉睡千年的山川轮廓”。这本书的结构安排也十分巧妙，它以一种非线性的方式，将历史脉络、当代实践和未来展望交织在一起，使得阅读体验非常流畅且富有节奏感。我特别喜欢其中穿插的一些艺术家的访谈片段，那些鲜活的声音和他们对创作过程的坦诚分享，让原本可能显得严肃的理论变得亲切易懂。这本书让我意识到，所谓的“新中式”并非僵化的教条，而是一种充满生命力的、呼吸着的文化状态，它根植于深厚的历史土壤，却又勇敢地面向未来，充满了探索的激情。

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这本书的深度和广度都超出了我的预期，尤其是在探讨“文化自信”与“艺术创新”的张力方面，作者的观点非常犀利且富有洞察力。它不是一本浅尝辄止的风格指南，而更像是一篇关于当代中国艺术精神的哲学思辨录。书中对不同地域新中式风格流派的梳理尤其精彩，比如探讨了江南的婉约与北方的雄浑如何在新语境下进行对话与融合。我印象最深的是关于材料革新的部分，作者详细介绍了诸如竹、陶土、再生木材等自然材料，在当代高科技加工下的新形态，以及它们如何重新激活了传统工艺的生命力。这种对“传承与创新”辩证关系的把握，使得全书的论述充满了张力，绝非那种一成不变的怀旧之作。阅读过程中，我时常停下来，思考作者提出的关于“时间感”在东方艺术中的重要性——如何通过有机的材料和不完美的细节，去捕捉流逝中的永恒。这是一本需要反复咀嚼和沉淀的书，每次翻阅都会有新的感悟，它对当代艺术创作者和所有热爱生活美学的人士，无疑是一份宝贵的精神食粮。

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好看，但不完全实用

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很不错的说~~

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好看，但不完全实用

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