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☆☆☆☆☆

出版者:D.A.P./Distributed Art Publishers

作者:Lee Friedlander

出品人:

页数:84

译者:

出版时间:2008-02-01

价格:USD 85.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781933045733

丛书系列:

图书标签:

Photography
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摄影
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具体描述

A natural chronicler of all things uniquely American, photographer Lee Friedlander here puts his lens to the work of Frederick Law Olmsted (1822-1903), designer of many of this country's most iconic public landscapes and the father of North American landscape architecture. Olmsted was responsible for a staggering number of America's greatest parks, including the Niagara reservation (North America's oldest state park), Washington Park, the Biltmore Estate, the U.S. Capitol building landscape and entire parkway systems in Buffalo and Louisville. His most famous work remains New York City's Central Park, a pioneering egalitarian gesture that was very unusual at the time for its ready accessibility. This book, published to coincide with The Metropolitan Museum of Art's 2008 exhibition, compiles 89 photographs made by Friedlander in Olmsted's public parks and private estates.This stunning collection of rich tritones celebrates the complex, idiosyncratic picture-making of one of the country's greatest living photographers, and also arrives upon the 150 year anniversary of Olmsted's 1858 design for Central Park. Rambling across bridges and through open meadows and dense undergrowth, Friedlander locates a pure pleasure in Olmsted's designs--in the meticulous stonework, the balance of exposure to shade, and in the mature, weather-beaten trees that attest to the durability of Olmsted's vision.

《光影流转：二十世纪摄影的视界变迁》作者： [此处留空，或填入虚构的作者名，如：A. R. Sterling] 出版社： [此处留空，或填入虚构的出版社名，如：Chronos Press] 页数： 680页（精装，含300余幅高精度黑白与彩色作品插页）定价： ¥398.00 --- 内容简介《光影流转：二十世纪摄影的视界变迁》是一部深度剖析二十世纪摄影艺术发展脉络的学术性著作。本书聚焦于技术革新、社会思潮与个人美学表达之间的复杂交织，力图呈现一个宏大而细腻的摄影史图景，尤其关注那些塑造了我们“观看”方式的革命性视角。本书的叙事并非简单的年代罗列，而是围绕几个关键的哲学与技术转折点展开。它探讨了从纯粹的记录工具到独立艺术形式的身份嬗变，从巴黎的先锋实验到美国大众文化的景观重塑，展现了摄影如何成为理解现代性困境与机遇的独特媒介。第一部分：现代性的黎明与构造的断裂（1900-1939）本部分深入研究了两次世界大战之间，摄影如何挣脱传统绘画美学的束缚，确立自身语言的开端。我们考察了新客观主义（Neue Sachlichkeit）在德国的兴起，分析了其对清晰度、精确性和去人性化视角的推崇，以及这种风格如何反映了魏玛共和国末期的社会焦虑。通过对阿尔弗特·伦格（Alfred Löwenberg，虚构）等代表性人物作品的文本分析，我们审视了摄影师如何利用大画幅的细节捕捉社会结构中的矛盾。随后，视角转向先锋派运动。重点探讨了俄国建构主义对蒙太奇和多重曝光的痴迷，以及他们在宣传与艺术边界上的探索。书中详细阐述了超现实主义摄影师（如曼·雷之外的次要人物）如何运用暗房技术和偶然性来揭示潜意识的领域，挑战既有的视觉逻辑。这一时期的核心议题是：摄影能否像立体主义一样，解构并重组我们对三维世界的认知？第二部分：战后焦虑与景观的重塑（1940-1969）二战结束后，摄影进入了一个充满矛盾的时代：一方面是重建家园的渴望，另一方面是对原子时代和消费主义泛滥的深刻不安。本卷着重分析了以“生活摄影”（Photojournalism）为代表的纪实传统如何在战后世界找到了其道德和商业的高地。我们避开了主流的“决定性瞬间”理论，转而聚焦于那些在战后重建中被边缘化的人群和空间。例如，对战后欧洲小型城市中新兴郊区景观的细致描绘，揭示了表面繁荣下的精神空洞。至关重要的篇章是关于“美国式存在”的探索。我们考察了一批游走于纪实与主观表达之间的摄影师，他们以手持相机深入社会肌理，但其视角却充满了怀疑和疏离感。本书细致分析了这些早期主观摄影师如何利用景深、倾斜的机位和突兀的裁剪，来表达对既定社会秩序的不适感。这部分对“街头摄影”这一概念进行了更广泛的界定，将其置于城市化进程的宏大背景下考察。第三部分：媒介的自我批判与概念的崛起（1970-1989）随着大众媒体的饱和与摄影理论的成熟，摄影艺术开始了一场深刻的自我反思。本部分的核心是探讨“观念摄影”的兴起，以及摄影如何主动拥抱其作为“人工制品”的本质。我们详细梳理了那些开始质疑“真实性”的艺术家群体。他们不再满足于捕捉瞬间，而是热衷于： 1. 对既有档案的挪用与重构：分析了艺术家如何通过对新闻图片、医学影像或家庭快照的系统性收集和重排，暴露信息传递中的意识形态偏见。 2. 对摄影材料性的探索：考察了艺术家如何利用大型彩色印相（Large Format Color Printing）的过度饱和与清晰度，来审视和解构商业广告美学对现实的侵蚀。此外，书中还专门开辟章节，探讨了“风景摄影的转向”。从传统的田园诗意表达，转向对被人类活动重塑的“非风景”（Non-Landscape）的冷静、近乎人类学的记录，这种转变标志着摄影师与被摄对象之间关系的疏离与审视。第四部分：数字时代的先声与后现代的碎片化（1990-2000）在世纪之交，摄影的物理属性开始被技术革新所挑战。本部分着重研究了摄影师如何提前感知并利用数字化的趋势，即使在模拟仍占据主导地位的年代。我们关注那些开始探索序列性叙事和时间性的艺术家，他们通过长达数年的项目，记录日常生活中难以察觉的微妙变化，以此对抗媒体追求即时性的潮流。最后，本书总结了二十世纪摄影艺术留下的遗产：它不再仅仅是记录历史的工具，而成为了一种批判性的语言，能够揭示结构、质疑权力，并在不断变化的光影世界中，为我们提供了观察自身存在的多种可能性。 --- 本书特色：跨越流派的综合研究：本书避免将摄影史简单划分为纪实、艺术和商业三条轨道，而是着重展现不同流派之间的技术和观念渗透。侧重被忽视的贡献者：深入挖掘了许多在主流史册中被淡化的重要摄影师和地域性流派，提供了更具包容性的历史视角。严谨的视觉分析：每一部分都辅以对核心作品的深入文本解读，解释构图选择、曝光处理和印相技术背后的哲学动机。《光影流转》是一本献给所有对图像文化、现代艺术史和视觉社会学感兴趣的读者的重要参考书，它引导读者超越“拍得好不好”的表面评判，进入对“如何观看”的深刻思辨。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本画册初捧在手里，那种厚重感和纸张的纹理，就预示着它绝非泛泛之作。我花了好几个小时沉浸其中，每一次翻页都像是在经历一场精心策划的视觉漫步。摄影师对于日常场景的捕捉，简直可以用“不动声色中的惊涛骇浪”来形容。他似乎总能在最不起眼的地方设置陷阱，让你在不经意间被某个角落里的光影、一抹突兀的色彩，或者是一组奇妙的构图牢牢吸住。尤其欣赏他对镜面反射的运用，那种多重现实叠加的迷离感，让人不禁思考“观看”本身的意义。那些模糊的前景、被切断的人物边缘，都在挑战着传统摄影的美学规范，提供了一种后现代主义式的疏离和戏谑。我特别留意到，许多照片的焦点似乎有意地落在次要元素上，而主体却退居其次，这种叙事上的反直觉，正是其高明之处。它不是在简单地记录，而是在重构我们对空间的感知。看完之后，我感觉自己对“在场”和“缺席”这两个概念有了全新的理解，这种深层次的认知冲击，是很多口号式的艺术作品无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初看此辑时，我感到了一丝困惑，甚至有些许不耐烦。它的节奏极其缓慢，缺乏那种直冲脑海的冲击力，更像是一场低语。但这恰恰是它的魅力所在——它强迫你放慢呼吸，用一种近乎冥想的方式去“看”。那些关于美国郊区、停车场、玻璃幕墙的系列作品，起初看起来平淡无奇，但当你驻足凝视超过一分钟后，会发现其中蕴含的巨大张力。空气仿佛凝固了，时间被拉伸成了永恒。我个人尤其钟情于他对人与环境关系的刻画，那些孤独的行人、孤立的汽车，被巨大的、缺乏人情味的建筑包围着，构成了一种强烈的存在主义困境。这不像是在展示风景，更像是在展示“现代性”的某种疲惫和异化。我试着用手机拍下其中一张的构图，结果发现，无论怎么努力，都无法复刻出原片中那种恰到好处的“不完美”和“偶然性”，这说明其技术和现场判断力已经达到了炉火纯青的地步。

评分☆☆☆☆☆

我发现，这位艺术家的视角总是那么微妙地“偏离”中心。他似乎对传统意义上的“英雄时刻”不感兴趣，反而对那些被遗忘的、被匆忙略过的瞬间情有独钟。比如，一张照片里，焦点可能落在了一辆被遮挡了一半的卡车轮胎上，而背景里的人群和建筑则退化成了色块。这种非传统的取景方式，彻底颠覆了我们观看世界的习惯。在我看来，这是一种对“可见性”的挑战，他问我们：你到底在看什么？你被告知要看什么？这组作品的整体基调是冷峻的、疏离的，带着一种知识分子式的嘲讽，但这种嘲讽是内敛的，需要你主动去挖掘。如果你期望看到清晰的人物特写或者戏剧性的冲突，你会失望。但如果你愿意跟随他深入到这些平淡无奇的街道和室内空间，你会发现，这里面藏着对现代生活无孔不入的观察和批判，它像一把锋利的手术刀，解剖着我们习以为常的现实构造。

评分☆☆☆☆☆

这本册子的装帧设计本身就是一件艺术品，厚实的覆膜和精良的印刷，忠实地再现了原作中微妙的层次变化。对我而言，它更像是一部关于“光线与阴影的哲学辩证法”。那些强烈的日光下产生的硬朗阴影，几乎成了画面的主角，它们切割空间、定义形状，甚至比被照亮的主体更具叙事性。我注意到作者似乎有一种偏执的迷恋，那就是如何在日常的、毫无特色的场景中，提炼出几何学的纯粹美感。那些规整的线条、重复的图案，被突如其来的一个歪斜的标志或是一片野蛮生长的灌木打破，这种对秩序与混沌的并置，简直是视觉语言的饕餮盛宴。读者的情绪是被引导的，你时而被强烈的对比所震撼，时而又被大面积的灰色调所安抚。这是一次需要耐心的阅读体验，急躁的翻阅只会错过散落在角落里、如同暗语一般的细节。

评分☆☆☆☆☆

与那些追求色彩饱和度和瞬间爆发力的当代摄影作品相比，这本册子提供了一种截然不同的审美体验——一种近乎纪录片的严谨，却又包裹着高度风格化的个人印记。它展现的不是世界的表象，而是其内在的结构和幽灵。我特别喜欢他如何处理前景和背景的关系，前景常常是模糊的、遮挡的，仿佛我们透过一层有瑕疵的玻璃在观察，这种处理手法极大地增强了画面的纵深感和神秘感。每一个画面都像是一个未完待续的剧本片段，充满了未被言明的对话和行动的余波。每一次重温，都会有新的发现，比如第一次可能只注意到了建筑的线条，第二次可能就被地面上一个奇怪的污渍吸引。这种层次感，意味着作品具有极强的生命力，它拒绝被简单地归类或定义。这不仅仅是摄影作品的集合，它更像是一部关于“空间如何承载记忆和焦虑”的视觉论文，深刻、复杂，且回味无穷。

评分☆☆☆☆☆