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出版者:上海人美

作者:于瑾//方建国

出品人:

页数:113

译者:

出版时间:2008-3

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787532254972

丛书系列:高等院校动漫教材

图书标签:

• 动画
• 动漫理论
• 动画设计
• 动画制作
• 角色设计
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• 视觉效果
• 设计软件
• 创意设计
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• 动画风格

《妙笔生辉：视觉叙事与风格塑造的艺术》 这是一本关于如何通过视觉语言讲述引人入胜故事的深度探索。它并非直接教授动画制作的步骤或技巧，而是将焦点置于构成优秀视觉叙事的核心元素之上。本书旨在为所有对画面表现力、情感传达和风格化创作感兴趣的读者提供一套系统性的思考框架和实践指导。 核心理念：以“为何”驱动“如何” 本书的前提是，任何形式的视觉创作，无论是静态插画、漫画、还是动态影像，其最根本的目的是为了传达信息、唤起情感、构建世界。因此，《妙笔生辉》将引导读者深入理解“为什么”要这样画，“为什么”要选择某种风格，以及“为什么”这种视觉表现能够触动人心。这种对创作动因的深刻挖掘，将直接转化为更具目的性和感染力的“如何”的实践。 第一部分：视觉语言的构建——不仅仅是线条和色彩 意象与符号的的力量： 探索如何在画面中有效地运用具有象征意义的意象和符号，让画面在直观呈现的同时，也能承载更深层次的含义。我们会分析不同文化背景下的视觉符号，以及如何在创作中巧妙地融入这些元素，赋予作品独特的文化底蕴和思想深度。 构图的哲学： 深入剖析构图的艺术，不仅仅是简单的黄金分割或三分法，而是如何利用线条、形状、明暗对比和空间关系来引导观众的视线，突出主体，营造氛围，并直接影响观者的心理感受。本书将提供多种构图原则的分析，并辅以经典案例，展示构图如何在无声中传递情绪和信息。 光影的叙事： 探讨光影在视觉叙事中的关键作用。从自然光到人造光，从高光到阴影，光影的运用可以塑造人物的性格，烘托场景的氛围，甚至暗示故事的走向。我们将学习如何利用光影的变化来增强画面的戏剧性，引导情绪，以及创造出令人难忘的视觉效果。 色彩的情感语言： 深入研究色彩心理学在视觉创作中的应用。本书将引导读者理解不同色彩所代表的情感、意境和文化含义，并学习如何通过色彩搭配来营造特定的氛围，表达复杂的情绪，以及增强作品的视觉冲击力。从单色运用到复杂的色彩组合，我们将探索色彩如何成为一种强大的叙事工具。 第二部分：风格的探索与个性化表达 风格的形成与演变： 探讨艺术风格是如何形成的，以及艺术家如何在借鉴和传承的基础上，发展出自己独特的视觉语言。我们将回顾不同艺术时期、不同文化背景下的风格流派，分析其形成原因和代表性特征。 元素拆解与重塑： 教授读者如何解构现有风格中的关键元素（如线条粗细、笔触特点、色彩运用、造型简化程度等），理解这些元素如何协同作用，从而为自己创造独特的风格打下基础。 情感驱动的风格选择： 强调风格的选择应与作品想要传达的情感和主题紧密相连。本书将指导读者思考，何种风格最能有效地表达故事的内核，是写实、抽象、卡通化、还是其他任何形式？ 从灵感到实践： 提供一套从灵感捕捉到风格实践的流程。如何将脑海中的抽象概念转化为具体的视觉语言，如何通过不断的尝试和调整，最终形成具有辨识度的个人风格。 第三部分：叙事张力的营造——让画面“说话” 动作与姿态的传达： 深入分析角色姿态和动作在传达情感、意图和性格方面的精妙之处。我们将研究如何通过细微的身体语言来表现人物的内心状态，以及如何在静态画面中暗示动态的发生。 情绪的具象化： 学习如何将抽象的情绪概念（如喜悦、悲伤、愤怒、恐惧）通过视觉元素（表情、肢体语言、色彩、光影）具象化，让观众能够感同身受。 节奏与动态的感知： 即使是静态画面，也能够通过视觉元素的排布和引导，营造出内在的节奏感和动态的张力。本书将探索如何运用线条的流动性、形状的对比、以及画面元素之间的关联性来制造这种感知。 留白与想象的空间： 探讨“少即是多”的艺术，学习如何通过巧妙的留白和未完全呈现的细节，给观众留下想象的空间，让他们主动参与到故事的构建中，从而增强作品的互动性和深度。 适用读者： 本书适合对视觉叙事、插画、漫画、概念设计、平面设计、电影分镜、以及任何形式的视觉创作有兴趣的创作者。无论你是初学者，还是希望深化对视觉语言理解的资深从业者，都能从中获得启发和指导。 《妙笔生辉：视觉叙事与风格塑造的艺术》是一次关于如何让画面开口说话，如何让情感跃然纸上的深入旅程。它不提供快捷方式，但提供的是理解创作本质的钥匙，帮助你真正掌握“如何”背后的“为何”，最终绘制出能够触动灵魂的视觉作品。

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我对这本书的评价，很难用三言两语来概括，因为它给我的震撼，是全方位的。我一直以为“动画设计”就是把画面的物体变得会动，但这本书彻底打破了我的这种浅薄认知。它更像是一本关于“如何用画面讲故事”的艺术哲学。 作者在书中反复强调“为动画注入灵魂”。这一点让我思考了很久。我之前看动画，更多的是关注情节的曲折和画面的绚丽，却很少去思考，是什么让这些虚构的角色和世界，能够如此真实地打动人心？这本书就给出了答案，它不仅仅是技术的堆砌，更是情感的注入，是创作者对生活、对情感的深刻洞察。 我尤其对书中关于“角色内在动机”与“外在表现”之间关联的阐述印象深刻。作者通过大量的实例，展示了如何通过角色的细微动作、表情，乃至声音的运用，来展现其复杂的内心世界。这让我意识到，一个成功的动画角色，不仅仅是画出来好看，更重要的是让观众能够“理解”它，甚至“共情”它。 书中的一些关于“节奏与张力”的讨论，也给了我极大的启发。它不再是简单的快慢动作的组合，而是如何通过画面的切换、镜头的调度，以及声音的配合，来营造出引人入胜的观影体验。我感觉作者就像是一位经验丰富的“电影指挥家”，在用画面和声音指挥着观众的情绪。 这本书与其说是一本“动画设计教程”，不如说是一本“动画艺术的解读指南”。它让我明白，动画设计是一门需要“观察生活”、“理解人性”的艺术。它不仅仅是技术，更是对世界、对情感的深刻理解和表达。读完这本书，我感觉自己对动画的欣赏能力，得到了质的飞跃，也对动画创作者们有了更深的敬意。

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这本书简直让我眼前一亮，完全颠覆了我之前对“动画设计”这个概念的认知。我一直以为它只是关于画人物、画场景，然后做一些简单的动态处理。但读了这本书之后，我才明白，原来动画设计是一门多么博大精深的学问！它不仅仅是视觉的呈现，更是情感的传递、故事的叙述，甚至是哲学的思考。 作者的笔触非常细腻，对于一些基础概念的讲解，比如“动作的规律”、“形体的变化”、“表情的传达”等等，都通过大量生动形象的例子进行了阐述。我尤其喜欢其中关于“节奏感”的部分，它用非常有趣的方式解释了动画的流畅度和观赏性是如何通过节奏的把握来实现的。以往我只觉得某个动画看起来很舒服，现在我才明白，那背后是多么精妙的设计。 书中的案例分析也做得非常到位，涵盖了从经典迪士尼动画到现代CG动画的广泛范畴。作者并没有简单地罗列优秀作品，而是深入剖析了它们在设计理念、技术运用、以及叙事手法上的独到之处。特别是对一些关键帧的讲解，让我仿佛置身于动画工作室，亲眼看着动画师是如何将静态的画面赋予生命力的。 这本书的结构安排也十分合理，循序渐进，从基础到进阶，让我这个门外汉也能逐渐领略到动画设计的魅力。它不像一些技术手册那样枯燥乏味，反而充满了艺术的灵动感。我感觉它更像是一本引人入胜的“动画设计美学指南”，让我不仅学到了“怎么做”，更重要的是明白了“为什么这么做”。 总而言之，这本书是一次非常愉快的阅读体验。它拓展了我的视野，激发了我对动画创作的浓厚兴趣。即使我不是专业的动画从业者，这本书也能让我更深刻地理解和欣赏动画作品的精妙之处。我强烈推荐给所有对动画设计感兴趣的朋友，无论你是初学者还是有一定基础，都能从中获益匪浅。

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坦白说，我之前对动画设计一直有点“雾里看花”的感觉，知道它是个挺厉害的领域，但具体是怎么回事，总觉得有点模糊。拿到这本书之后，我才发现，原来它比我想象的要复杂和迷人得多。这本书没有太多关于具体软件操作的讲解，而是更侧重于动画设计的“思维方式”和“艺术理念”。 我最喜欢的是关于“动感设计”的章节。作者并没有简单地告诉你怎么画出流畅的动作，而是深入探讨了“动作的本质”以及“节奏与韵律”在动画中的重要性。他用非常形象的比喻，比如“音乐的视觉化”，让我一下子就明白了，为什么有些动画看起来那么“有劲儿”，而有些则显得“死板”。 书中的案例分析也做得非常用心，并没有选择那些大家耳熟能详的大片，而是选取了一些可能不那么出名，但设计理念却非常独特的作品。作者对这些作品的解读，角度新颖，见解独到，让我看到了很多之前从未注意到的细节。我感觉作者就像是一位经验丰富的导游，带着我在这片动画设计的“热土”上，发掘那些隐藏的宝藏。 让我印象深刻的还有关于“情感表达”的探讨。它不再是简单地描述角色的情绪，而是如何通过一系列的动画表现，让观众切身感受到角色的喜怒哀乐。比如，关于“眼神”的微小变化如何传递复杂情感的分析，让我觉得非常受启发。我之前看动画，只觉得角色“看起来”很开心，现在我才明白，那种“看起来”背后，是多么精妙的设计。 这本书就像是一堂大师级的“动画美学课”。它不仅仅教授知识，更重要的是培养一种“审美眼光”和“设计思维”。它让我明白，动画设计是一门需要“用心”去感受和创造的艺术，而不仅仅是“用手”去画。读完这本书，我感觉我对动画的理解，上升到了一个全新的高度。

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我原本是带着一种“碰碰运气”的心态来翻阅这本书的，想着大概就是介绍一下软件操作或者一些基本的绘画技巧吧。结果完全出乎我的意料，这本书的深度和广度都远超我的想象。它并没有直接教你如何去使用某个软件，而是从更宏观的层面，探讨了动画设计的本质和核心价值。 作者反复强调“动画不仅仅是运动的画面，更是思想和情感的载体”。这一点对我触动很大。我之前看动画，更多地关注情节是否有趣，画面是否精美，却很少去思考其背后传递的理念。这本书引导我重新审视了动画的叙事能力，以及如何通过角色的动作、表情，乃至场景的氛围来烘托主题，引发观众的共鸣。 其中关于“角色设计”的章节，给了我全新的视角。它不仅仅是画出好看的人物，更是要通过角色的外观、服饰、甚至是走路姿势，来体现其性格、背景和成长经历。作者通过大量的案例，展示了如何用视觉语言来塑造一个鲜活立体的角色，让我意识到，一个成功的角色设计，往往比精彩的剧情更能深入人心。 书中的一些理论探讨，比如“意境的营造”、“象征意义的运用”等等，虽然初看有些晦涩，但结合作者给出的具体例子，就能豁然开朗。我感觉这本书像是在教我如何“读懂”动画，如何去欣赏那些隐藏在画面背后的匠心独运。它让我在观看动画时，不再是被动地接受信息，而是能主动地去解读和思考。 这本书并非一本“教程”，更像是一本“启蒙书”。它不会给你明确的步骤，但会给你指引方向，让你对动画设计产生更深刻的理解和敬畏。它让我明白，成为一名优秀的动画设计师，需要的不仅仅是技术，更重要的是对生活的热爱、对情感的洞察，以及对艺术的追求。

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我必须说，这本书完全颠覆了我对“动画设计”这个词的理解。我之前一直以为它只是一些技术层面的东西，比如怎么用软件做动画，怎么让角色动起来。但这本书却带我进入了一个全新的维度，它更侧重于动画的“灵魂”和“思想”。 作者在书中反复强调“为动画注入生命力”。这并不是一句空洞的口号，而是贯穿全书的指导思想。他通过大量的案例分析，深入浅出地讲解了如何从细微之处入手，让动画角色、场景甚至道具都充满个性和生命力。比如，关于“角色习惯性动作”的探讨，让我茅 উপলব্ধি到，即使是微小的、不经意的动作，也能极大地丰富角色的性格特征。 我尤其欣赏书中对“叙事性设计”的阐述。它不再是简单地把故事讲出来，而是如何通过视觉元素，让故事“自己说话”。无论是场景的构图、光影的运用，还是色彩的搭配，都不仅仅是为了美观，更是为了服务于故事的推进和情感的表达。我感觉这本书就像是在教我如何用“画面语言”来写故事，而动画则是这种语言最生动的载体。 书中的理论部分也写得相当精彩，并不枯燥，反而充满了哲学思辨的意味。比如，关于“动作的象征意义”的讨论，让我重新审视了许多经典的动画片段，原来那些看似自然的动作，背后可能蕴含着如此深远的含义。它促使我去思考，究竟是什么让动画拥有了打动人心的力量。 这本书就像是为我打开了一扇通往动画艺术殿堂的大门。它不是一本教你“做”动画的书，而是一本让你“理解”动画的书。它让我明白，真正的动画设计，是艺术、技术和思想的完美融合。读完这本书，我再看动画时，会有一种全新的感受，不再仅仅是看热闹，而是能体会到其中更深层次的艺术魅力。

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