具体描述
好藝術，如何看？
當代藝術就是布滿專業術語的地雷區
該相信你的眼睛？藝評評價？藝術史論斷？還是市場賣價？
紐約最前線、美國80年代新表現主義大將
塗鴉藝術家巴斯奇亞、凱斯˙哈林同代人、普普大師李奇登斯坦好友
重返20世紀藝術現場，說出藝術家們的激辯、交心、回憶與自白
歷經觀念 行動藝術洗禮後的新觀看之道
繼約翰‧伯格《觀看的方式》，又一精彩觀點的經典之作
「關於藝術的『如何』論戰，沒人比大衛‧薩利探索得更棒。」
－－作家‧魯西迪
◎什麼因素讓當代藝術滴答運作？什麼因素讓它變成好藝術？又是什麼因素讓它顯得有趣？
自杜象1917年在小便斗上簽名後，撼動了繪畫主導的藝術世界。視覺藝術的變化速度日益加快，未來主義、構成主義、新地理、機制批判、非具象主義、表現主義、抽象表現主義、低限主義、新表現主義等新名詞大量繁殖，當代藝術成了布滿專業術語的地雷區，這些術語就像是為了將欣賞者淘汰出局而設計的。
◎近五百年後，再度挑戰「藝術家談藝術家」
美國80年代最重要的新表現主義大將：大衛‧薩利（David Salle），試圖扭轉一般人被藝評家阻隔於現代藝術之外的現況。身為塗鴉藝術家巴斯奇亞和凱斯˙哈林的同代人，及普普大師李奇登斯坦的好友，他想用藝術家聚在一起聊天的語言談論當代藝術，說出一位創作人面對藝術世界這四十年來天翻地覆驟變的真心話。他是繼1550年義大利藝術家瓦薩利，時隔近五百年後，再度挑戰藝術家談藝術家的後繼者。文集收錄的主題，從當代指標型人物到歷史人物皆有。許多是作者的同代人，有些更是認識幾十年的好友、同學。
藝術家講話的方式與記者不同，記者習慣把焦點擺在周圍脈絡、市場、觀眾等等，也跟學術評論不同，評論家會根據理論宣稱自己說法的正當性。這兩種都是宏觀敘事。但藝術家不一樣，他們談的是什麼有效，什麼沒效，為什麼。他們的焦點比較微觀；是由內往外推。
◎假如藝術會說話，如何區別哪些是真話？
大衛‧薩利在書中舉例：
「Case 1.──曾經有個電視節目叫做《信不信由你！》。其中一集，令人印象深刻，內容是有個傢伙說他把自己的車子吃掉了。他花了四年的時間，方法是把車子剁成碎片，每天吃掉一小塊，這個傢伙想辦法把整輛車都吃進肚子，包括方向盤、鉻鋼、輪胎，全部。用現在的觀點，他根本不知道自己正在創造藝術。」
「Case 2.──今天當代藝術分成兩大陣營。一邊是存在好幾百年不曾間斷的圖像性藝術；另一邊是數量正在增加的展演性藝術。我們不願面對的真相是：展演藝術比創作藝術容易。挑選比創新容易。想做出真正吸引目光的東西，需要獨一無二的充沛活力把知識、視覺和文化的面向整合起來。迴避這項整合工作的藝術，不太可能長久吸引人們的關注，因為它下的賭注比較少。當你心存僥倖，不敢繃到極限，情感的力道就會減弱。」
吃車子是藝術嗎？面對觀念藝術，繪畫究竟太傳統，抑或更凸顯其獨有唯一性，仍具突破空間？複製品、模仿作，與原作有差別嗎？為什麼我們對某些藝術有似曾相識的感覺？對被評論的藝術家來說，是否認同藝評人的專家眼力？當我們欣賞一件當代作品時，要如何看出好壞？普普藝術大師李奇登斯坦，私底下如何評價自己的作品？他的作品，如何的「很不」安迪‧沃荷？市場價格等於藝術價值嗎？藝術家Jeff Koons被諷刺媚俗，他的作品是否只是譁眾取寵？與英國藝術家Hirst比起來，在話題之外，誰的藝術性耐久？這些似是而非，似非而是的疑問，該怎麼說，怎麼想？
關於這些思考，作者歷經了四十年的寫作摸索。從1975年初到紐約，用寫作支付房租，到1980、1990年代，改以一種懶人版的書寫形式進行採訪。最後，他採用最老派的方式，不採訪，純粹獨立書寫。「我發現，書寫可以幫助我理解對某件事情的真正想法，最後變成一種習慣，很難戒除。」
本書的架構分為四部分：「如何為想法賦予形式」、「當個藝術家」、「世間藝術」和「教學與論戰」。
最後一篇也可稱為「給年輕藝術家的建議」，包含一些可在課堂上或私下進行的習作。設計這些習作的目的，期待讀者從自身的連結、描述和類比中找到樂趣，帶領「一般讀者」摸清藝術家心思，不需太多專業配備，就可抵達藝術意義的核心。
◎聯合推薦
藝評人／張世倫
藝術家、策展人、國立臺灣藝術大學美術系兼任助理教授／張君懿
「卸下當代藝術令人諱莫如深的專業術語，以直接、自然的口吻提供讀者欣賞藝術天馬行空的表現。」
－－胡氏藝術公司執行長／胡朝聖
「透過大衛直觀又透澈的筆尖，揉合充滿溫度和歷史厚度的色彩。我似乎進入每個創作者的意識，用他們的筆觸描繪出一幅幅世代繪畫的圖像。」
－－藝術家／陳敬元
「我經常說，好懂的藝術只有很貴的與很差的兩種，因多數人只關心『什麼』而非『怎麼』。本書讓你擦亮眼睛。」
－－亞紀畫廊負責人／黃亞紀
「假使藝術會說話，我們要如何學會區別那些是真話？除了好奇、觀看與直覺，我們所認識的藝術大多是來自於藝術家本人、評論、媒體、策展人和收藏家的口耳相傳，透過作者幽默機智的文筆，重返藝術現場，聆聽二十世紀現代藝術精彩的談話。」
－－策展人、藝術評論作者、臺灣數位文化科技與藝術學會執行長／劉惠媛
「本書以親密對話的文體，讓讀者猶如置身小酒館、咖啡屋與工作室，聆聽藝術家們對當代藝術的激辯、交心、回憶與自白。」
－－國立臺南藝術大學藝術創作理論研究所副教授／龔卓軍
「如果說約翰‧伯格的《觀看的方式》是藝術評論的經典，探究了藝術是『什麼』，那麼大衛‧薩利的《當代藝術，如何看》就是藝術家給的答覆，告訴觀者該『如何看』。篇篇精彩的文章談論藝術家在創作時，他們想什麼？ 關於藝術的『如何』論題，或許從來沒人比他探索得更棒。」
－－作家‧魯西迪
「一流的藝評有很多是由藝術家所寫的，是那種最不掉書袋，也不會只把藝術家當成棋子來看待的評論文章。大衛‧薩利正是這類藝評者，他不問這是不是藝術？屬於哪種派別？而是問它讓我有什麼感受和思考？他的藝術作品經常被標籤為前衛，一種概念上的立場聲明，他巧妙地且以一種令人信服的方式提醒我們，所有的藝術，即使表面上看來桀驁不馴，也都等著被觀看，而藝術家做的正是教我們怎麼觀看。」
－－美國作家／亞當‧高普尼克（ Adam Gopnik）
「大衛‧薩利被認為是創作前衛且聰明的畫家，但他的這本書帶給我們的驚喜更多。他的第一本散文集是一場場精闢且近身的觀察手記。他認為新藝術源自古藝術，他在書中將不可親近的大師召喚前來，（當他提到他當代的朋友Alex Katz和Jeff Koons時），讓他們有了生動的形象和親近感。身為畫家，薩利似乎以身為藝術家大家庭的一員而感動且自豪，並從他所謂的『共享的藝術DNA』中推導他的繪畫形式，提升了所有傑作其實都是同一組創作的可能性。」
－－藝評家／Deborah Solomon
作者简介
大衛‧薩勒（David Salle）
作品獲MoMA、惠特尼美術館、古根漢美術館、紐約大都會博物館、倫敦泰德美術館等，永久典藏。
生於1952年，他是20世紀最重要的美國新表現主義畫家之一，八○年代回歸具象派的領軍人物。1972年獲瓦倫西亞加州藝術學院碩士學位。1975年首度於洛杉磯舉辦個展。
他的具象作品大膽融合互不相關的因素，「打破圖像（Image）與意義（Meaning）的隔閡」。這些被齊聚一起的形象，來自各種大眾傳播媒體，在他雙幅畫布構成的作品中，形成對立性的主題和宏大的氣勢。
目录信息
第一篇 如何為想法賦予形式
亞歷克斯‧卡茨：「怎麼」和「什麼」／愛咪‧席爾曼：當代行動畫家／克里斯多夫‧伍爾：自備麥克風的繪畫／德國奇蹟：西格馬‧波爾克作品／羅伯‧戈柏：心不是隱喻／阿爾伯特‧厄倫：好學生／黛娜‧舒茲：法蘭克那傢伙／羅伊‧李奇登斯坦：改變是困難的／童年藝術：傑夫‧昆斯在惠特尼／約翰‧巴德薩利的電影劇本系列／成功基因：韋德‧蓋頓和蘿絲瑪麗‧特洛柯爾
第二篇 當個藝術家
維托‧阿孔奇：身體藝術家／約翰‧巴德薩利的小電影／卡蘿‧阿米塔姬和合作的藝術／攝影機眨眼睛／老傢伙繪畫／摔角選手：馬斯登‧哈特利、菲利浦‧加斯頓和克里福德‧史提爾／烏爾斯‧費舍爾：廢物管理／傑克‧戈德斯坦：抓緊救生艇／悲傷小丑：麥克‧凱利的藝術／法蘭克‧史帖拉：在惠特尼／沒有首都的地方風格：湯瑪斯‧豪斯雅戈的藝術／費特列克‧圖頓：挪用的藝術
第三篇 世間藝術
安德烈‧德漢與庫爾貝的調色盤／畢卡比亞，是我／小貝比的大巨豆／美妙的音樂：芭芭拉‧布魯姆的藝術／結構興起／皮埃羅‧德拉‧法蘭契斯卡
第四篇 教學與論戰
1980年代，到底好在哪？：密爾瓦基美術館講座／開學日致詞／藝術不是比人氣：2011年紐約藝術學院畢業演講／沒有答案的問題：獻給約翰‧巴德薩利
◎版權出處
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本《當代藝術》彷彿是一扇通往奇幻世界的窗口，让我沉浸在无垠的创意海洋中。初翻开，就被其精美的排版和考究的装帧所吸引，每一个细节都流露出对艺术的敬意。书中的内容，虽然我尚未深入探究，但从其浩瀚的篇幅和丰富的图例来看，足以预见其涵盖的广度与深度。我仿佛能看到不同时代、不同地域的艺术家们，用他们的画笔、雕塑、装置，甚至行为，在画布上、在空间中、在时间里，描绘出属于他们那个时代的独特风景。那些抽象的线条，跳跃的色彩，或是直击人心的概念，都仿佛在无声地诉说着一个又一个动人的故事。我期待着在接下来的阅读中，能与那些伟大的灵魂对话，理解他们创作的初衷，感受他们思想的脉络，从而在内心深处激起共鸣。这本书不仅仅是一本关于“藝術”的书，它更像是一次灵魂的洗礼，一次思想的旅行，一次对生命意义的深度探索。我迫不及待地想要潜入其中，去发掘那些隐藏在文字和图像背后的深刻哲理，去感受那份跨越时空的艺术魅力。
评分读罢《當代藝術》，我深感其笔触之细腻，洞察力之敏锐。作者以一种近乎诗意的语言，描绘了当代艺术发展历程中的种种迷人之处。那些看似怪诞不经的作品，在作者的解读下，却焕发出别样的光彩。我仿佛看到了艺术家们是如何挑战传统，颠覆认知，用他们独特的方式来表达对这个世界的理解和质疑。书中的一些案例分析，让我对那些耳熟能详的艺术大师的作品有了更深层次的认识，也让我开始思考，何为“艺术”？艺术的边界又在哪里？这本书并没有给出标准答案，而是鼓励读者自己去探索，去感受，去定义。它像是一位循循善诱的老师，引导我一步步走近艺术的心脏，去感受那份蓬勃的生命力，去理解那些在画布上、在雕塑中、在行为艺术里流淌的情感与思考。我感觉自己不再是那个对艺术感到疏离的旁观者，而是开始融入其中，与艺术家们一同呼吸，一同感受，一同成长。
评分《當代藝術》这本书，以一种意想不到的方式触动了我内心最柔软的部分。作者的文字充满了人文关怀，他不仅仅是介绍作品，更是深入挖掘了艺术家们在创作过程中所经历的挣扎、坚持与突破。我被那些艺术家们对艺术的执着所感动，他们用生命的热情去点燃艺术的火种，去创造那些能触动人心的作品。这本书让我看到了艺术背后的辛勤付出与不懈努力，也让我更加珍惜每一次与艺术相遇的机会。我仿佛能感受到艺术家们内心的律动，他们的孤独，他们的狂喜，他们的思考，都化作了笔下的线条，化作了手中的色彩，化作了空间的雕塑。这本书让我重新审视了艺术的价值，它不仅仅是装饰，更是精神的寄托，是灵魂的慰藉。我感谢这本书，它让我在这紛繁的世界中，找到了一片可以安顿心灵的净土。
评分翻阅《當代藝術》，我被作者那种独特的视角所深深吸引。他没有拘泥于枯燥的理论，而是将艺术作品与社会现实、历史变迁紧密结合，赋予了作品更深层的解读空间。我感觉自己仿佛置身于一个巨大的艺术博物馆，每一件作品都讲述着一段引人入胜的故事。那些曾经让我困惑不解的艺术形式，在作者的笔下，变得生动有趣，甚至带有一丝幽默感。我看到了艺术家们如何在时代的浪潮中，用他们的作品来回应社会问题，来表达他们的喜怒哀乐，来记录他们的所思所想。这本书不仅仅是关于艺术史的记录，它更像是一部关于人类情感与思想的史诗，一部关于时代变迁与文化碰撞的写照。我从中汲取了养分，拓展了思维，也更加坚定了自己对艺术的探索之路。
评分《當代藝術》这本书，给我带来的不仅仅是知识的增长，更是一种视野的拓展。作者以其宏大的叙事和精妙的构思，将当代艺术的脉络梳理得清晰明了。我原本以为当代艺术是遥不可及的，是少数人才能理解的“阳春白雪”，但这本书却用一种极其平易近人的方式，向我展示了当代艺术的包容性与多样性。从街头涂鸦到大型装置，从数字艺术到表演艺术，似乎一切都可以成为艺术的载体，一切都可以被赋予深刻的意义。我开始意识到，当代艺术早已渗透到我们生活的方方面面，它不再是高高在上的殿堂，而是触手可及的生活片段。这本书让我对“美”有了全新的认识，不再局限于传统的审美标准，而是开始欣赏那些充满创意、充满个性的表达方式。它像是一场及时雨，滋润了我干涸的艺术细胞，让我重新燃起了对艺术的热情。
评分头尾很深度，中间很点评。看到这里我笑了：我差不多七八岁的时候，有个电视节目叫《信不信由你！》。其中有一集我印象特别深刻，内容是有个家伙说它把自己的车子吃掉了，花了4年时间 ，方法是把车子剁成碎片，每天吃掉一小片。这个家伙想法把整个都吃进肚子，包括方向盘、轮胎，全部。他根本不知道自己正在创造艺术。。。
评分33/50 怪不得小东推荐，语言像小东一样精炼到位又不失幽默。开篇讲卡茨，让论文写过卡茨的我自惭形秽。末篇给艺术学生的建议也是极好，诸如“观念艺术使绘画变得不必要”等命题的辩论真的好有意思阿，之前怎么没想到呢。最后提出的问题希望未来能好好思考给出答案。
评分關於無聊：當你對某件事不能說真話時，就會感到無聊。／沒有任何人等著你，句點。／你將從一個人們會定期根據你做了甚麼和你是誰來回應你的環境，走到一個就算你大聲喊恐怕也聽不到應答的世界。／甚麼東西都可以很酷，只要你別試著對它施加太多影響力。酷這種藝術，就是不要顯得太努力，或顯得太在乎。／當我聽到藝術家說出「這件作品是關於⋯⋯」時，我的心就會往下沉。我一直覺得意圖被⋯⋯高估了——不是說它不重要，而是它被過度強調，而且藝術學校鼓勵這種做法。／你不知道藝術是甚麼？如果你的家人被捉走，你必須替藝術下一個清楚的定義才能把他們救出來，你會怎樣說？
评分照本翻譯，對於愛中文的人是虐待，只見其形不見其魂，生硬冗長。書中多番引用，未知背景文化的中文讀者肯定不能完全領會，如其說是談藝術不如說是談藝術家。 導言談論應該如何談論藝術，闡明其立場與角度，言語之間知道作者本就是藝評人，亦長期發表於媒體，這本書真是順理成章啊，不過總覺得是收錄文章集結出版，拼湊之作，越讀越無趣，有點煩躁，或許只是無法投入其中。棄讀。
评分關於無聊：當你對某件事不能說真話時，就會感到無聊。／沒有任何人等著你，句點。／你將從一個人們會定期根據你做了甚麼和你是誰來回應你的環境，走到一個就算你大聲喊恐怕也聽不到應答的世界。／甚麼東西都可以很酷，只要你別試著對它施加太多影響力。酷這種藝術，就是不要顯得太努力，或顯得太在乎。／當我聽到藝術家說出「這件作品是關於⋯⋯」時，我的心就會往下沉。我一直覺得意圖被⋯⋯高估了——不是說它不重要，而是它被過度強調，而且藝術學校鼓勵這種做法。／你不知道藝術是甚麼？如果你的家人被捉走，你必須替藝術下一個清楚的定義才能把他們救出來，你會怎樣說？
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