具体描述
Discusses one hundred post-1970 Australian films, focusing on the issue of heroism as reflected in depictions of men, women, aboriginals, and youth. With films such as Muriel's Wedding and The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert finding recent success in American theaters, Australian cinema has never been as popular in North America as it is today. This new study argues that post-1970 Australian film is best described not as exhibiting phenomenal variety but as focused on a conception of heroism characterized by the love of freedom, the resentment of authority, and attachment to the land, along with anti-intellectualism, fatalism, and occasional sexism. Tracing these themes through one hundred films, Scheckels explores the ways in which they are reflected through depictions of men, women, aboriginals, and youth, with each demographic group posing its own unique generic and cultural questions. Including films both elite and popular, excellent and flawed, Celluloid Heroes Down Under offers film-by-film discussions in seven chapters, making the volume both a highly readable study of a particular cinema and superb reference guide for its readers. Unlike previous studies of the nation's film output, Sheckels's work presents its subject not as a miscellaneous collection but as a focused endeavor, a cohesive and undervalued component of world cinema.
作者简介
目录信息
读后感
用户评价
这本书带给我的最大震撼，来自于它所展现出的那种坚韧不拔的创造精神。 这是一个关于如何在限制中寻求无限可能的故事，关于一群人用最简陋的工具，去挑战人类想象力的边界。 我特别欣赏作者对“失败案例”的关注，她没有回避那些尝试过但最终被市场淘汰的技术或风格，而是将它们也视为历史链条中不可或缺的一环，用来反衬那些最终成功的创新是多么来之不易。 这种全面、不加粉饰的记录，让整本书的论述显得异常扎实可信。 读到关于早期特效师如何在幕后用巧妙的物理道具和摄影技巧“欺骗”观众眼睛的部分，我简直惊叹于人类智慧的极限。 这本书仿佛是一个时间胶囊，不仅保存了旧日的光影，更重要的是，它激活了我们内心深处对“创造”这件事的敬畏之心。 它提醒我们，真正的艺术诞生，往往不是一蹴而就的完美，而是无数次摸索、试错和坚持的累积。 读完之后，我感觉自己不仅仅是了解了一段历史，更像是完成了一次精神上的洗礼，对“工匠精神”有了全新的体会。
这本书的封面设计真是太引人注目了，那种复古的色调和字体选择，一下子就让人回想起黄金时代的电影海报。我一拿到手，就被那种沉甸甸的质感吸引住了，感觉不仅仅是买了一本书，更像是收藏了一件艺术品。 里面的排版也做得非常用心，字体大小适中，留白恰到好处，读起来非常舒服，不会有那种眼睛容易疲劳的感觉。而且，随书附带的那些高质量的插图和剧照，简直是视觉盛宴，每一张都像是精心挑选过的，完美地捕捉了那个年代特有的光影和氛围。 我尤其欣赏作者在细节上的考究，比如对老式电影放映机运作原理的描述，那种近乎于痴迷的专注度，让我这个非专业人士都能感受到那种匠心独运。整本书的装帧就像是对电影艺术本身的一种致敬，拿在手里翻阅，都能感受到时光缓缓流淌的痕迹。 这本书不仅仅是文字的堆砌，更是一场沉浸式的体验，从触感到视觉，每一个环节都经过了深思熟虑，让人在阅读的过程中，仿佛真的穿越回了那个光影交织的年代，那种怀旧的情绪被激发到了极致。 这种对媒介本体的尊重和热爱，在当今这个快餐文化的时代，显得尤为珍贵和难能可贵。
我最近很少能遇到一本书能让我产生这种强烈的“知识饥渴”感，读完一个章节，我总会立刻起身去查阅相关的历史资料或者去流媒体平台上寻找那些被提及的冷门影片片段。 这本书的学术功底毋庸置疑，它构建了一个严密的历史脉络，让你清晰地看到，某个技术革新是如何连锁反应地影响了叙事方式和观众的审美取向。 然而，最厉害的地方在于，作者非常懂得如何平衡“信息密度”与“阅读乐趣”。 她处理那些专业术语时，会巧妙地穿插一些生动的比喻或者轶事，使得原本可能枯燥的理论分析，瞬间变得鲜活起来，仿佛一位博学的长者，在壁炉边娓娓道来。 我特别关注了她关于电影配乐在早期叙事中作用的那几页，她分析了如何通过音乐的起伏变化，来弥补无声电影在情感表达上的局限，这种细致入微的洞察力，让人不得不佩服作者对媒介本体的深刻理解。 这本书读起来，就像是上了一堂为期数月，却完全不觉得累的电影史大师课，每一页都充满了干货，让人受益匪浅，迫不及待地想要应用到我自己的思考框架中去。
坦白讲，这本书的体量不小，初看之下，可能会让人有些望而却步，但一旦你沉浸进去，时间感就会彻底消失。 它有一种奇特的魔力，能够将读者的注意力牢牢地锁定在作者构建的世界里。 它的结构安排非常巧妙，像是精心编排的蒙太奇序列，不同的主题和时间线索被切割、然后又以一种出人意料的方式重新组合在一起，制造出强烈的节奏感和冲突美。 比如，前一章还在详细分析某部电影的布景设计，下一章可能就会跳跃到当时社会对电影审查制度的激烈辩论，这种跳跃非但没有造成混乱，反而形成了一种强烈的对比和张力，让你更深刻地体会到那个时代艺术与社会现实之间的复杂博弈。 我觉得作者的语言风格非常具有个人特色，她擅长使用那种略带戏谑却又饱含深情的笔调，使得那些宏大的历史叙事，也拥有了人性化的温度。 读完之后，我感觉到自己看待老电影的视角被彻底刷新了，不再只是看故事本身，而是开始关注那些隐藏在光影背后的技术、制度和人性挣扎。
说实话，我一开始对这种“怀旧”主题的书是有点保留态度的，总觉得它们要么是过度美化，要么就是流于表面，但这本书完全颠覆了我的固有印象。 作者的叙事角度非常独特，她没有一味地歌颂过去的美好，而是用一种近乎于人类学研究的严谨态度，去解剖那个特定时期电影工业的骨架和血肉。 比如，她对早期电影制作中那些充满“土法炼钢”式的创新瞬间的描绘，简直是妙趣横生，那些工程师和导演们在资源匮乏的情况下，如何用最原始的物理原理去实现那些匪夷所思的视觉效果，读起来让人拍案叫绝。 她没有用那种高高在上的学术腔调，而是用一种非常亲近、充满好奇心的笔触，将复杂的幕后故事讲得像侦探小说一样引人入胜。 我尤其喜欢其中对几位被历史遗忘的小人物的侧写，那些曾经为电影业做出巨大贡献，却最终被时代洪流冲刷掉的幕后英雄，他们的故事被重新打捞出来，赋予了新的生命和意义。 这本书的价值，就在于它提供了多维度的视角，让我们看到的不再是光鲜亮丽的银幕形象，而是支撑起这一切的，那些充满汗水、智慧与挣扎的真实人类活动。
