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出版者:浙江摄影出版社

作者:[英] 爱德华·露西-史密斯

出品人:

页数:328

译者:陆汉臻

出版时间:2016-6-1

价格:79.00元

装帧:平装

isbn号码:9787551414241

丛书系列:艺术世界丛书

图书标签:

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1945年至今，艺术的面貌发生了翻天覆地的变化。经历了二战的洗礼，人们对世界的认知、对人性的理解，以及对艺术的表达方式都进入了一个全新的阶段。这是一段充满实验、颠覆与融合的时期，各种前所未有的艺术运动如雨后春笋般涌现，它们挑战着传统的边界，拓展着艺术的疆域。 战后抽象的再出发与新转向： 二战后，抽象艺术并未止步不前，反而进入了新的发展阶段。以美国为中心的“抽象表现主义”崛起，它不再拘泥于具象的再现，而是将绘画本身视为一种行动，一种情感的直接抒发。杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的“滴画”技术，将画布变成了他身体运动的场所，线条与色彩在偶然与控制中交织，释放出原始而澎湃的生命力。马克·罗斯科（Mark Rothko）则以其巨大的、色彩晕染的色块，营造出一种静谧而崇高的精神空间，邀请观者进入沉思。 然而，抽象的纯粹性很快受到了质疑。极简主义应运而生，它摒弃了抽象表现主义的情感宣泄，转向了对艺术形式、材料和空间的纯粹探索。唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定物体”（Specific Objects）打破了绘画与雕塑的界限，他使用工业材料，以精确的几何形态和重复的序列，探索物体的存在感和空间关系。卡尔·安德烈（Carl Andre）则将金属板、木块等材料直接铺陈在地板上，通过材质本身的质感和排列方式，引发观者对材料、空间和身体的直接感知。 具象的回归与观念的革命： 与此同时，具象艺术也以新的姿态回归。波普艺术（Pop Art）是对消费主义社会和大众文化的回应。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）将罐头、明星肖像等日常符号大规模复制，模糊了艺术与生活的界限，揭示了流行文化对现代人的影响。他利用丝网印刷技术，反复复制同一图像，消解了原作的独特性，挑战了传统的艺术评价标准。罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）则借用漫画风格，将点阵、粗线条和鲜艳的色彩引入绘画，赋予了大众媒体形象以新的视觉生命。 更为颠覆性的发展在于观念艺术（Conceptual Art）的出现。在这场运动中，艺术的价值不再体现在作品的物质形态上，而是其背后的思想和概念。约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）用“一把椅子、一把椅子的照片和‘椅子’这个词”来定义“椅子”，以此探索语言、符号与现实之间的关系。索尔·勒维特（Sol LeWitt）则通过“观念绘画”和“观念雕塑”，将创作过程委托给他人执行，艺术家本人只需提供指令或想法，作品的实现过程和执行者的解读都成为艺术的一部分。 大地艺术与行为艺术的拓展： 艺术的表现形式也开始突破画廊和美术馆的限制。大地艺术（Earth Art）将创作的媒介延伸至自然环境本身。罗伯特·史密森（Robert Smithson）的“螺旋式堤道”（Spiral Jetty）是一件在犹他州大盐湖中建造的巨大螺旋形土石结构，随着湖水的涨落而显现或隐藏，它强调了艺术与自然环境的互动，以及时间的流逝和物质的改变。克里斯托（Christo）和珍·克劳德（Jeanne-Claude）夫妇则以其大型的“包裹艺术”，将布料覆盖在建筑、桥梁甚至岛屿上，引发了人们对公共空间、物质形态和观看方式的重新思考。 行为艺术（Performance Art）则将艺术家的身体和行动视为作品的核心。玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）的许多作品都极具挑战性，她通过长时间的身体忍耐或与观众的互动，探索人类的情感极限、身份认同和生命体验。她与乌列·阿布拉莫维奇（Ulay）合作的“情人·长城”项目，两人从长城的两端出发，历时数月走到相遇，以此象征着关系的开始与结束，以及远距离的坚持与等待。 后现代主义的多元与解构： 进入20世纪后期，后现代主义成为一股重要的思潮，它质疑宏大叙事，强调差异、多元和戏仿。在艺术领域，这意味着对现代主义的精英主义和普世主义的批判。艺术家们开始大胆地引用、挪用和混搭不同的艺术风格、历史元素和大众文化符号。例如，辛迪·舍曼（Cindy Sherman）通过自拍，扮演各种社会类型和文化符号中的女性形象，揭示了身份的建构性和媒体对女性形象的塑造。杰夫·昆斯（Jeff Koons）则以其抛光不锈钢雕塑，如巨大的气球狗，将日常的、俗气的物品提升为艺术品，模糊了高雅艺术与大众趣味的界限。 当代艺术的继续探索： 进入21世纪，艺术创作的边界进一步被拓宽，新技术、新媒介和新议题不断涌现。装置艺术、影像艺术、数字艺术、生物艺术等层出不穷，艺术家们关注社会议题、环境问题、身份认同、科技发展等方方面面。从对全球化现象的反思，到对科技伦理的探讨，再到对生态危机的警示，当代艺术以前所未有的广度和深度，回应着我们所处的复杂世界。 1945年至今的艺术运动，是一部充满活力、不断演进的视觉史诗。它记录了人类在思想、情感和技术上的巨大变迁，也展现了艺术作为一种持续性的探索和创造，如何不断挑战自我，拓展生命的边界。

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我一直觉得，要真正理解一个时代的艺术，必须深入理解那个时代的人们是如何思考的。《1945年以来的艺术运动》在这方面做得相当出色。它没有将艺术史变成一串枯燥的事件列表，而是将艺术运动置于更广阔的历史背景下，展现了艺术与社会、政治、科技、哲学之间的复杂互动。以极简主义（Minimalism）为例，书中将其出现与战后工业化、标准化以及对形式主义的反思联系起来。 那些看似简单、缺乏情感色彩的几何形体，在书中被赋予了深刻的意义。它不仅仅是对“少即是多”美学的追求，更是对作品与观看者之间关系的反思，对作品在空间中的存在方式的探索。书中对唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定物体”（Specific Objects）的分析，让我理解了艺术家如何挑战传统的雕塑概念，以及如何通过材质、尺度和空间来构建一种全新的观看体验。这种从宏观到微观，从理论到实践的梳理，让我对极简主义不再停留在表面，而是对其内在的逻辑和哲学意图有了更深的体会。

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读《1945年以来的艺术运动》，我最大的感受是，艺术的演进从来都不是直线型的，而是充满着曲折、反叛和惊喜。《1945年以来的艺术运动》在这一点上做得十分到位。书中对激浪派（Fluxus）的描述，尤其让我印象深刻。 它不是一个有清晰宣言和统一风格的运动，而更像是一种精神、一种态度。书中通过对乔治·麦吉奥纳斯（George Maciunas）等核心人物的介绍，以及对各种“事件”（events）和“表演”（performances）的梳理，展现了激浪派那种对既定规则的挑战，对艺术媒介的拓展，以及对参与者和观众的鼓励。 它模糊了艺术与生活、艺术家与观众的界限，强调的是过程、体验和瞬间的创造。读到这些内容，我仿佛能感受到那个时代艺术家的自由与不羁，他们不拘泥于形式，不畏惧被质疑，而是勇敢地探索着艺术的无限可能。这种对“反形式”艺术的深入挖掘，让我看到了艺术的另一种生命形态。

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这本书最让我感到惊喜的地方，在于它能够将那些看似相互独立、甚至截然不同的艺术运动，串联成一条清晰的叙事线。例如，它在探讨波普艺术（Pop Art）的同时，并没有将其视为一个孤立的现象，而是巧妙地将其与消费主义的兴起、大众媒体的普及以及消费文化对艺术的影响联系起来。 书中对安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的丝网印刷作品的分析，不仅仅是关于重复、复制和明星文化，更深入地探讨了艺术家如何从日常生活中提取元素，并赋予其新的意义。这种将艺术与社会现实紧密结合的视角，让我看到了艺术作为时代精神的镜子，也作为对时代精神的批判和回应。 它揭示了波普艺术如何打破了精英艺术与大众艺术之间的隔阂，将艺术带入了寻常百姓家，并引发了关于原创性、作者身份以及艺术价值的深刻讨论。这种对艺术与文化相互渗透的洞察，让我在阅读过程中，不仅看到了艺术作品本身，更看到了它们所处的社会文化土壤。

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在我看来，一本优秀的艺术史著作，最重要的是能够激发读者的思考，而不是仅仅灌输知识。《1945年以来的艺术运动》无疑做到了这一点。它以一种引人入胜的方式，带领我穿越了20世纪下半叶波澜壮阔的艺术图景。书中对大地艺术（Land Art）的介绍，便是我深感震撼的部分之一。 当看到那些艺术家将他们的创作带出画廊和工作室，置于广袤的自然之中时，我仿佛也一同感受到了那种原始的力量和宏大的尺度。书中对罗伯特·史密森（Robert Smithson）的《螺旋形堤道》（Spiral Jetty）的详细解读，不仅仅是描述了一个视觉奇观，更深入探讨了艺术家为何选择如此巨大的尺度，以及这件作品如何与自然环境相互作用，并随时间而变化。这种对艺术创作的地点性、时间性以及与环境的共生关系的关注，让我对艺术的定义有了全新的认识。 它不再局限于画布或雕塑，而是将整个世界视为艺术的舞台，将时间视为艺术的媒介。这种视野的拓展，无疑是这本书最宝贵的价值之一。

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当我翻到书中关于摄影和影像艺术的部分时，我感受到了科技发展对艺术形态的巨大影响。《1945年以来的艺术运动》在这方面给予了非常详尽的阐述，尤其是在数字时代到来之前，摄影作为一种新的艺术媒介是如何被艺术家们探索和使用的。 书中对行为艺术（Performance Art）与摄影的结合，以及如何通过影像记录来传播和延续艺术作品的生命，进行了深入的分析。例如，对克里斯·伯顿（Chris Burden）那些极具挑战性的行为作品的介绍，以及它们如何通过摄影和录像被记录下来，并成为艺术史上的重要事件。 这让我意识到，艺术作品的呈现方式和传播渠道，本身也构成了艺术的一部分。书中对影像艺术的演进，从早期的实验电影到后来的录像艺术，再到后来数字影像的兴起，都进行了清晰的梳理，展现了艺术家们如何利用不断发展的技术来表达他们的想法和情感，以及如何挑战传统的观看习惯。

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让我深受启发的是，《1945年以来的艺术运动》在论述不同艺术运动时，并没有刻意地去制造对立，而是展现了它们之间的联系与演进。例如，在讨论大地艺术（Land Art）的宏大叙事时，书中也提到了它与观念艺术、极简主义之间存在的某种精神上的关联。 这种将艺术史视为一个有机整体的视角，让我更容易理解艺术的内在逻辑和发展趋势。书中对“环境艺术”和“生态艺术”的提及，也让我看到了艺术如何从对物质形式的关注，逐渐转向对人类与自然关系的思考。 艺术家们不再仅仅满足于在画布或雕塑上进行创作，而是开始将目光投向更广阔的自然环境，思考人类活动对地球的影响，并试图通过艺术来唤醒人们的环保意识。这种对艺术与社会责任的结合，以及艺术对当下紧迫问题的回应，让我感受到了艺术的深度与力量。

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《1945年以来的艺术运动》这本书，最让我欣赏的一点是，它在梳理艺术运动的同时，也并没有忽略艺术背后的人物。书中对于每一位艺术家的介绍，都不仅仅是简单地罗列他们的作品，而是努力去挖掘他们的创作动机、思想背景以及他们所处的时代环境。 比如，在论述抽象表现主义时，书中对马克·罗斯科（Mark Rothko）的“色彩区域”作品的描述，不仅仅是关于色彩的运用，更深入地探讨了艺术家如何通过色彩来表达人性的情感，以及他对于观众在面对作品时所产生的精神体验的关注。 这种将艺术家作为个体，将他们的思想、情感与作品融为一体的解读方式，让我对艺术的理解更加立体和深刻。它让我看到了，艺术不仅仅是形式的组合，更是艺术家内心世界的投射，是他们对世界独特观察和思考的结晶。这本书就像一位循循善诱的老师，带领我走进了这些伟大艺术家的精神世界。

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翻阅《1945年以来的艺术运动》，最让我着迷的便是它对抽象表现主义从诞生到走向巅峰，再到其内部出现分歧与转型过程的细致描绘。书中不仅仅是罗列了波洛克、罗斯科、德·库宁等大师的名字，更深入地剖析了他们各自独特的创作方法和哲学思考。例如，对于波洛克的“滴画”技术，书中不仅描述了其物理上的过程，更将其与艺术家内心世界的解放、潜意识的探索紧密联系起来。那种看似随意的线条背后，其实是艺术家对自身情感与存在状态的直接投射。 此外，书中对抽象表现主义如何成为战后美国文化输出的标志性符号，以及它如何面临来自新一代艺术家挑战的过程，也进行了深入的探讨。它揭示了艺术运动并非一成不变，而是在历史语境、社会思潮以及艺术家个体意志的交织中不断演变、更新的过程。我尤其欣赏书中对抽象表现主义的“行动绘画”和“色域绘画”两大分支的区分，并详述了它们各自的美学追求和哲学基础，这帮助我更清晰地理解了这一宏大运动内部的丰富性和多样性，以及它为后来的艺术发展奠定的基础。

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我一直认为，艺术的生命力在于其不断挑战与自我颠覆。《1945年以来的艺术运动》恰恰展现了这种生命力。书中对概念艺术（Conceptual Art）的论述，让我看到了艺术从“做”转向“想”的深刻转变。 它不再以作品的物质形态为最终目的，而是将观念、想法、过程置于核心地位。书中对约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）《一条和三张椅子》（One and Three Chairs）的分析，就是极好的例证。艺术家通过展示一张真实的椅子、一张椅子的照片以及关于“椅子”的词典定义，引发了对“是什么”以及“如何定义”的思考。这种高度的智性挑战，让我不得不重新审视那些我们习以为常的艺术形式，以及艺术作品的意义来源。 它让我意识到，有时候，最深刻的艺术表达，恰恰是那些最不“像”传统艺术的作品。这种对艺术“反形式”的探索，以及对语言、符号、逻辑等元素的运用，都极大地拓展了我对艺术的可能性边界的认知。

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作为一名对现代艺术史充满好奇的读者，拿到《1945年以来的艺术运动》这本书，我仿佛打开了一扇通往变革与创新的大门。这本书不仅仅是一份简单的年表，更像是一次深度对话，邀请我沉浸在那些艺术家们如何打破陈规、重塑美学、乃至挑战社会认知的过程中。1945年，一个历史的分水岭，世界格局的剧变，科技的飞速发展，无疑为艺术注入了前所未有的活力与困惑。从抽象表现主义的磅礴与情感宣泄，到波普艺术的戏谑与大众文化的拥抱，再到观念艺术的智性挑战与媒介的边界拓展，这本书以一种令人信服的逻辑，勾勒出了这些艺术运动的脉络与特征。它没有将这些运动孤立看待，而是巧妙地揭示了它们之间的相互影响、对话甚至对抗。 我尤其对书中对达达主义余波以及随后兴起的激浪派（Fluxus）的阐述印象深刻。这不仅仅是艺术形式的改变，更是对艺术本质的重新定义。激浪派那种跨越学科、强调过程、鼓励参与的理念，在那个时代显得尤为前卫。它不再将艺术束之于博物馆的展柜，而是渗透到日常生活，模糊了艺术家、观众以及作品之间的界限。书中通过丰富的案例分析，让我看到了那些看似“反艺术”的实践背后，蕴含着对社会体制、消费文化以及个体存在的深刻反思。例如，对约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）“社会雕塑”理念的解读，让我重新思考了艺术的社会功能，以及艺术家作为教育者和变革者的可能性。这种对艺术的延展性思考，远远超出了我以往对艺术的狭隘认知。

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虽然有点流水账，好在自带划重点

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现代艺术家愈加趋向癫狂，带给观赏者灼心般焦虑。

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辞典式的艺术史类书籍 对1945年以后的现代艺术进行分类阐述 针对每个阶段的transition都有变革原因的分析 但因为只是scratch the surface不是特别深入 翻译有点缺陷

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看这书有点像看豆瓣上的各种短评似的，并且带有作者强烈的主观色彩，对每个艺术家都写评论一段评论文字，有时感觉没头没尾的。而且如果没有提前了解下他正在说的艺术家的话，可能看不懂在写些什么。专业性较强，可能对初接触现代艺术的人来说不太友好。

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辞典式的艺术史类书籍 对1945年以后的现代艺术进行分类阐述 针对每个阶段的transition都有变革原因的分析 但因为只是scratch the surface不是特别深入 翻译有点缺陷